Solo hay una forma de expresar lo que me parece: LA SERIE POR EXCELENCIA

Quizás Disney sea maniquea. Quizás siempre cuente con los mismos tópicos que hacen que llevemos viendo la misma fórmula décadas. Quizás todas sus historias sean dulces y poco mordientes, transmiten siempre mensajes positivos y todas tienen final feliz. Porque sí, parecen formas gastadas y hastiadas. Pero también es verdad que en manos de Pixar esos tópicos se convierten en auténticas lecciones narrativas, convirtiendo cada una de sus películas en pequeñas joyas, no sólo del cine de animación, si no de la historia de este arte. Y es que Ratatouille no significa otra cosa que una vuelta a la infancia, a disfrutar con aquello que siempre nos maravilló y que lo sigue haciendo. Y, siendo tópico, diré que es como una buena comida, porque se comienza muy bien con los aperitivos (genial cortometraje), se disfruta comiendo, y se acaba de forma espléndida cuando por fin te has tomado el postre y te deja tan buen sabor de boca que, aún sabiendo que estás completamente lleno, no te importaría una nueva ración de todo lo que has probado.

Con un guión brillante, lleno de diálogos sensacionales, y con algún caso sorprendente dentro de una película Disney, sabe aprovechar todos los tópicos que ya he dicho, para elaborar una auténtica oda a la amistad y al tener siempre un hombro en el que apoyarte en los peores momentos. Es también una película que anima a seguir adelante, a no rendirse contra las trabas que te imponga la vida, con una moraleja que a más de uno emocionará, haciendo apología del no desfallecer nunca. Tal y como enseñaron monstruos del cine como Ford, Kurosawa o Hawks, la unión hace la fuerza. Y una genial crítica a, precisamente, los críticos. El vampiresco Ego es un personaje que, en apenas 2 secuencias, roba la película para él, un malo completamente brillante, representando a ese enemigo de todo aquel que se precie artista, y que puede ver vista su carrera si un tipo aparentemente respetado dice que su obra no le gusta. Pero lo mejor es la complicidad que genera en el espectador la rata y el protagonista, una auténtica pareja que, sin duda alguna, pasará a la historia del cine.

Técnicamente la película me ha dejado embobado. En apenas 10 años, Pixar ha sabido crear unas imágenes que no reproducen la realidad simplemente por el diseño cómico y exagerado de sus personajes. Parece increíble que se consigan cosas como lo que he visto, ya que algún plano de las casas de París en contrapicado me ha recordado, por su realismo, al travelling inicial de Los 400 golpes. La dirección de Brad Bird es sencillamente brillante. Si con sus dos anteriores películas parecía que iba a tocar techo, aquí simplemente se ha superado. Sabe siempre dónde colocar la cámara, cuándo cortar el plano, y dar con la tecla en el uso de la música, sin que sea artificioso ni melodramático. En breve, el debate planteado en Simone podría quedar resuelto. Pudiendo ver a Remy, ¿Quién coño va a querer verle el careto a Ben Affleck?.

Lumet siempre da lo mejor e sí cuando aparentemente nada está a su favor. Una historia poco prometedora y un presupuesto reducido han sido algunos de los elementos con los que Lumet siempre ha luchado en su cine, pero siempre ha salido airoso. Como ya hizo en 12 hombres sin piedad, se entrega a una narración agobiante, rodada en un único escenario durante el 95% del metraje, y que debería ser de estudio para todo aquel que pretenda dirigir un thriller medio decente.

Toda la película se ve influida por el hecho de que los ladrones no son más que unos patéticos inexpertos que únicamente quieren el dinero sin haber planificado ninguna estrategia del robo. Esto se ve perfectamente como Pacino se hace un lío cuando intenta sacar la escopeta al principio del robo, y de que uno de sus compañeros abandone. Ambos son dos perdedores, aunque cada uno con un matiz diferente: Sonny tiene un gran corazón, y roba el dinero por amor, y Seal es un tipo callado que únicamente desea el dinero para salir de la mediocridad. Cuando se dan cuenta de que en el banco no hay dinero, su lamentable plan se viene abajo, y su poca profesionalidad sale a flote.

Cuando uno ve un comienzo como este, se plantea que va a ver una peli de disparos, de acción pura y dura. Pero mucha gente no cuenta con la habilidad de Lumet, maestro de la dirección austera, y que saca una buena historia de donde aparentemente sólo hay acción. La película gira entonces hacía un drama que, en cierto modo, podría titularse como un resumen de las inquietudes sociales de la época. Aquí Lumet nos cuenta las inquietudes de los personajes, por qué pretenden robar el atraco, y sus personalidades quedan al descubierto, sobre todo la de Sonny, con un Al Pacino extraordinario, lleno de chispa, y un John Cazale soberbio, como en cada una de sus películas. Pero es aquí también donde Lumet comienza a atacar a la sociedad: una imperante importancia de los medios de comunicación, que casi se meten en el banco, un profundo sentimiento de homofobia por parte de toda la sociedad, incluyendo al propio Seal, y la pobreza y el paro en los barrios bajos de las grandes urbes que representan el poder capitalista.

Una genial obra de Lumet, donde todo funciona como un reloj suizo, y que hará que no nos podamos mover de la silla durante su visionado.

Tenía ganas de ver algo del tal John Hillcoat, el encargado de realizar la adaptación de la portentosa La carretera. Hasta ahora parece que sólo ha realizado un pseudowestern con algún toque intelectual y algo pedante, para qué negarlo, llamado La propuesta, una interesante aunque algo grandilocuente cinta que confirma a este australiano como un director a tener en cuenta, como a otros compañeros de generación que comenzaron con películas pequeñas para dar el salto a cintas más grandes, aunque también demuestra los errores que puede cometer un primerizo en esa ardua tarea llamada dirigir. Resulta llamativo que una película tan peculiar y diferente al resto de lo que se hace pasase tan inadvertida por la cartelera.

Nick Cave firma un guión descompensado, con una gran fuerza en una parte y flojo y falto de matices en el otro. Dividiendo la historia en dos partes bien diferenciadas, la que se centra en un grandioso Ray Winstone, está bien realizada, dejando algunas grandes escenas con aroma de cine clásico, especialmente una que recuerda enormemente a la obra maestra Furia, y un gran trabajo por parte del director, y donde Cave también se preocupa por mostrar el desprecio que sentían los ingleses por esa tierra de ladrones y aborígenes que era Australia. Sin embargo, la parte centrada en Guy Pearce, un tanto perdido, pierde fuelle dentro del conjunto global. Al publicitado guionista se le va la cabeza con su lirismo de trovador moderno y comienza a hilvanar una escena tras otra donde pretende dar una visión sobre la vida, donde ese pretendido viaje interior del personaje de Pearce no es tan profundo, si no una mera recolección de encadenados estéticamente muy bonitos con una estúpida e innecesaria voz en off, con algún personaje que se pasea por ahí sin saber muy bien su cometido dentro de la trama, y con ese Kurtz de saldo algo chamánico encarnado por Danny Huston, quien encarna aquí a una especie de líder hippie con una visión muy peculiar del mundo, un insoportable pedante filósofo.

La película, en esa parte centrada en el personaje de Danny Huston, toma en exceso de Apocalypse Now y al director se le va la mano con escenas de mucho calado visual y preciosista, todo muy interior, pero que en algún momento dan vergüenza ajena (¿Hay alguien menos estético cabalgando que Danny Huston?). Es una película donde la violencia está latente en cada momento, y acaba con un final catártico algo previsible, aunque no por ello malo, donde el director no puede evitar sacar al artista que lleva dentro y entrega un momento final excesivamente parecido a Sin Perdón, aunque dicha escena final es un resumen de todo lo que la cinta ha expuesto anteriormente, y donde se unen ambas partes, usando el fuera de campo como mejor elemento narrativo. Es es una interesante mezcla de géneros que pone en el escaparate a un buen director que, puliendo errores, puede ser un nombre a tener en cuenta... eso sí, La carretera me da que le viene grande.

Con esta película también mantengo una relación especial debido a dos cosas: por que adoro a Welles, y por que Lime es " su personaje ". Es en cierto modo como Kurtz en Apocalypse Now: no le vemos, pero está ahí, su presencia inunda siempre la pantalla aunque sólo se hable de el. Y evidentemente, cuando sale en pantalla en ese primer plano iluminado provocado por la luz de una casa, Welles, con cara de pillo, irradia algo especial, algo indescriptible, pero desde que sale en pantalla, consigue algo extraordinario: que estés más pendiente de él que del grandísimo Joseph Cotten. Sale 20 minutos, pero... ¡ Qué 20 minutos !. Es un personaje que conocemos lo que ha hecho, sabemos todas las maldades que ha cometido, y todo por dinero, pero a pesar de ello no podemos evitar sentir fascinación por él, incluso me atrevería a decir que atracción...

La verdad es que la dirección guarda muchas similitudes con el estilo wellesiano. Esos planos contrapicados, esos planos generales donde casi se monta teatro, el uso de la iluminación para contar la historia, que le da un toque expresionista, creando una atomósfera excelente... apoyado todo ello con el célebre toque de la cítara de Karas. Las escenas de la persecución por los bajos de la ciudad es sencillamente increíble. No soy un gran fan de Carol Reed, pero aquí raya a una altura extraordinaria. Me dicen que esa secuencia la ha dirigido Don Alfredo, y me lo creo perfectamente, por que juega con el montaje de forma excelente. Pero sin duda alguna la gran base de todo ello es el genial guion de Graham Greene. El planteamiento que nos cuenta es realmente básico, pero conforme todo se desarrolla, la intriga de los personajes, y sus relaciones, consigen dotar a toda la película de una maravillosa velocidad, con un grandísimo uso de las transiciones por parte de Reed.

La verdad es que el trío protagonista está estupendo. Welles... ya he dicho todo lo que tenía que decir, está extraordinario, lo mismo que Cotten. Este actor ha tenido la desgracia de estar siempre en un segundo plano, aún cuando tiene algunas de las mejores interpretaciones de la historia. Sólo hay que ver La sombra de una duda para saber por que es de los mejores actores de los años 40, y es injustamente maltratado cuando no se habla de él entre los grandes maestros de la interpretáción. Alida Valli, una actriz de la que lamentablemente no he visto mucho, hace aquí el papel de su carrera sin duda alguna. Toda la película con ese aire melancólico, tentada por Holly Martins. Ambos saben lo que quieren, pero tienen miedo de llevarlo a cabo. Y todo se ve en ese maravilloso y larguísimo ( y wellesiano, por que no) plano final, donde todos pensamos que ella se va a marchar con Cotten....