Andrew Jarecki es más conocido por el éxito y acogida de su excelente documental Capturing the Friedmans. Esta es su primera película y emprende un proyecto difícil, pero en muchos aspectos, esto parece una continuación lógica. Su pasado como director de documentales le sirve bien, ya que All Good Things se basa en una historia real. Y al igual que "Friedman", una vez más da miedo con sus personajes oscuros y engancha al espectador con su dirección hábil y sencilla, con un buen guión y un reparto increíble.

David Marks, narra la historia de la desaparición de su novia, sin embargo, las cosas se mantienen enigmáticas y los espectadores tienen que llegar a ciertas conclusiones. No es muy efectivo el diálogo en voz en off, pero todo lo hace para poner las situaciones en su lugar y para que el espectador tenga una idea de lo que está pasando en la vida de los Marks'.

Lo más destacable de la película, por mucho, es el elenco. Hay buena química en la joven pareja, Ryan Gosling (David) continúa su ascenso como uno de los mejores actores del momento y Kirsten Dunst (Katie) muestra por qué se ha convertido en el tipo de actrices subestimadas, ofreciendo su mejor interpretación a la fecha en un papel de alta dificultad. Ambos juegan con sus emociones individuales perfectamente y con muy pocas palabras, tenemos a sus personajes. Frank Langella sobresaliente, es un actor que siempre vive sus personajes muy en serio y que en los últimos años parece estar aún en mejor forma. Philip Baker Hall es otro veterano que brilla aquí pese a que su papel sea más pequeño. El resto del elenco es excelente, un grana cierto cuando Jarecki es un tipo acostumbrado a la gente de cine real y no actores.

Por otro lado, la película puede resultar un tanto extraña entre la audiencia, debido a que uno mismo debe ser testigo de este misterio y los personajes pueden resultar emocionalmente desconectados por su oscuridad. En su última parte, hay una mezcla de situaciones donde algunas tienden al cliché y que contribuyen a un ritmo desigual y una experiencia menos atractiva.
En general, es un buen debut en los largometrajes y un interesante misterio basado en hechos reales, sobre la enigmática situación del hombre.

"Japón" no es una película sobre Japón. Se trata de una película mexicana, pero no es una película sobre México tampoco. Para mí, es algo realmente grande: una película sobre el cine y la razón por la que todavía existe. La historia es bastante simple y a la vez estremecedora, yo la definiría como una especie de viaje espiritual:
Un hombre, decidido a morir, entra en un cañón con el fin de suicidarse en paz y tranquilidad. Se traslada a casa de una anciana e impresionado por su actitud ante la vida y de alguna manera inspirado en lo que está pasando en la naturaleza tiene una especie de “resurrección”.

La propuesta del realizador mexicano, consiste en no darle tanta importancia a la historia (incluyendo el desarrollo de carácter lógico e ilógico), si no en la forma en que la cuenta. La película a nivel realización, bebe claramente de la obra del gran Andrei Tarkovsky; goza de gran naturalismo, opta por un amplio uso del espacio y tiempo, lo cual se ve reflejado en esos constantes planos secuencia que en compañía de música clásica hicieron característicos al cineasta ruso, pero con más tendencia al "docudrama". Para muestra, tan solo su desconcertante secuencia final es para despertar admiración en el poder de sus imágenes y en la capacidad excepcional de su director.

Así mismo, Reygadas hace constantes referencias entre lo espiritual y lo terrenal, ambos síntomas se hacen presentes en la película desde la creencia en imágenes, la muerte, el empeño en la naturaleza, la vida ermitaña, la miseria en sus múltiples formas, etc., hasta desembocar en el inevitable paralelismo entre sus protagonistas. Por un lado, él huye de la ciudad y trata de acabar con una vida que se extingue en el vacío (referencia de la barranca que busca), y ella parece ser una presencia divina, muestra de generosidad y humanidad, cuya inocencia y sencillez forman al verdadero ser humano (vive en la cima del cañón).

Por su parte, Diego Martínez Vignatti realiza un trabajo asombroso de fotografía, empleando esos minutos muertos para admirar el maravilloso paisaje y esos pequeños eventos (algunos feos) que suceden durante ese espacio de tiempo, tratando de absorber tan intensamente como sea posible cada uno de ellos. Como resultado, algunas personas podrían tacharlos de aburridos, pero eso es una lástima, porque el gran valor de esta propuesta radica en la capacidad de disfrutar de la experiencia inmediata de la belleza.

De esta forma, "Japón" se convierte en un ejercicio fílmico reflexivo y poético, cine tranquilo, pero muy grande. Sus cuadros minimalistas y perfección visual, guste o desagrade, lo convierten en un film enigmático e inolvidable.

Desconocía que la plastilina hacía llorar, sin dudar, la obra maestra animada del año y una joya que debe ser visionada por aquellos que buscan no solo ver el cine.
Una gran película, propuesta arriesgada y autentica de un autor dotado de ingenio como Adam Elliot. Ofrece un trabajo de esos que dejan huella, que deslumbran por su envoltura y te cautivan por su historia. Su trabajo de plastilina es increíble, que dan ganas de pausar la imagen para observar cuidadosamente y admirar como se debe cada detalle con que plasma cada imagen. Y para rematar, nos sirve una historia sabiamente contada, un retrato clarísimo sobre el horror de la soledad y los extremos en que una persona es capaz de llegar para salir de esta. Una historia sin tópicos y mucha paja para descubrir su valor, lo que se ve es lo que es real, no son cuentos artificiales y tramposos para escapar de esta, son personajes moldeados con masa pero que gracias a la dedicación y amor de su director para estos, se puede apreciar en cada uno de ellos sentimientos que nos contagian hasta emocionarnos. Cada dialogo, cada frase, cada momento es de sentimiento puro, producto de una insólita relación entre un viejo judío obeso de NY y una niña australiana de 8 años que vive en Melbourne, que forman una de las historias de amistad más conmovedoras y sinceras en la historia y no solo del cine animado. Una película fascinante, que navega contracorriente de los relatos infantiles, ofrece una obra verdaderamente adulta y sincera de principio a fin.
Nota: 9

Okuribito significa "el que envía". Se centra en la ceremonia conocida como nôkan, que consiste en preparar de forma adecuada a la persona fallecida para iniciar su último viaje antes de ser incinerado. La diferencia consiste en que aquí lo hacen las funerarias a puerta cerrada (vestir, afeitar, maquillar el cadáver..), y en Japón se lleva a cabo por expreso deseo con la familia y amistades presentes como una parte más del funeral, adquiriendo gran importancia desconocidas para nosotros.
Este es el vehículo principal que conduce la historia de Daigo, un argumento que abarca temas de carácter universal, como la muerte, distintas percepciones de la misma desde la óptica de la vida, las relaciones familiares, supersticiones y tabúes, etc. para abarcar en su metraje de 130min y en su guión (criticado por irregular y lacrimógeno) fascinante, con pequeños tropiezos y una escena hermosa que se le escapa, pero con la belleza que hay en el filme son perdonables y más cuando parte como una de las propuestas más originales del año.

Lo que hace grande este filme, aparte de atreverse a manejar un tema tabú y de riguroso cuidado en la cultura del sol naciente, es la forma en que lo cuenta, logra hacer en el espectador aquello que algunos filmes no logran hacer, tiene la capacidad de emocionar con cada una de sus situaciones las cuales nos invitan a la reflexión, conmover a la par que ofrecer un aire excéntrico y engancharnos por completo dentro de su matizado ambiente fúnebre.

Desde un principio marcada con pintorescos toques de humor negro, lo cual le da equilibrio al filme, para irnos introduciendo poco a poco en el poético drama, lacrimógeno por supuesto, es inevitable que no tengamos la sensación de vivirlo y más cuando es un filme que habla de la velación de los muertos, pero todo con mesura, de la mortificación del hombre al sentirse incapaz y desolado, que pese a saber que lo que nunca tuvo ahora lo tiene, pero su rencor lo hace vivir en la infelicidad de su pasado y la búsqueda del si mismo y la gran importancia de vivir.
Fotografía plagada de simbolismo y siempre caracterizada por la belleza plástica y minimalista de sus imágenes inolvidables, acompañada de una soberbia música de Joe Hisaishi que envuelve cada escena con melancolía de manera acertada. Actuaciones al margen de las situaciones y una dirección cuidada pero que resulta efectiva.
Todo esto en conjunto nos ofrece una magistral puesta en escena, donde indiscutiblemente su historia y sus muchos fines son el tema central de la película. Eso sí con un Oscar muy discutible, era la única que reunía todos los requisitos que los académicos al momento de elegir le son más gratos. Pero eso no le quita su capacidad de transmitir sensaciones y emocionarnos, y guardarla en la memoria por que se da a querer. Simplemente magistral y quizás la mejor película del año.

“Tabu” toma inspiración en el silent film homónimo de 1931 realizado por F.W. Murnau y Robert J. Flaherty, que de la misma forma, esta rodada enteramente en B/N, con un efecto anacrónico que inyecta vigor y aviva la narrativa, además de ser fiel a la estructura del filme.

El cineasta Miguel Gomes, nos cuenta una simple historia de amor inconclusa, pero la hace sumamente atractiva por el tono poético y metafórico de su propuesta, basándose por los estados de ánimo, la atmósfera - a veces onírica - y la memoria.

Se divide el film en dos partes y cuenta de manera diferente las historias, una composición claramente interesante, que aporta una agradable ilusión de que estábamos viendo una doble función.
La primera parte “Paraíso Perdido” es la melancólica y cómica historia en el Portugal contemporáneo entre una mujer de mediana edad, Pilar y su vecina Aurora, y la segunda parte “Paraíso” contrasta la belleza de la juventud, con el calor y el sol cegador de África colonial, una poesía visual narrada por la voz en off de Ventura, un amante.

Una historia de dos mundos geográficamente lejanos pero ligados por los recuerdos de la vejez, la pasión, el arrepentimiento, el deber y decoro. Además goza de la naturalidad de sus personajes (maravillosa “Aurora adulta” Laura Soveral), y estos a su vez son solo símbolos que vinculan la historia e incluso llegan a contrastar con el sistema social de ambas épocas.

Una película creativa, yo la llamaría muy cinéfila, técnicamente impecable y que desprende ese olor a clásico por su composición y referencias, y no solo por su forma. Maravillosa.

La Frase:
"Por más distancias que recorras, por más días que pasen, de tu corazón no conseguirás escapar".

Nota: 8.5