El director de la provocadora “Elle”, Paul Verhoeven, aparece en el panorama cinéfilo después de 10 años alejado, cuando realizó el thriller “El libro negro”. En los 90 deslumbró a casi todos con sus espléndidas “Desafío total”, “Instinto básico” y “Show girls”, y desde entonces deambula sin éxito alguno. Las diferencias entre esta última y las americanas no son tan claras, hay importantes nexos temáticos, incluso en sus formas. Con la multipremiada “Elle” parece haber encauzado su carrera hacia un cine más personal y europeo. Verhoeven pasa de un cine más convencional y amable a otro más incómodo y provocador.

Porque el irreverente cine de Paul Verhoeven se aleja en demasía del cine más conservador de Hollywood, no es casual que sea Francia el país que produce “Elle”, le vetaron allí. Para más inri, prácticamente ninguna actriz aceptó el papel de Isabelle Huppert, a aquellas les pareció demasiado provocador e inmoral. Y es que “Elle” es ella, nadie en el mundo puede interpretar de forma tan magistral a una mujer que normalice e interiorice la violencia que emana de la sociedad, pero a la vez conseguir una interpretación coherente con respecto al tono del film. Aunque bien es cierto que ese mismo tipo de rol ya lo hizo antes en “La pianista” de Michael Haneke, de hecho Verhoeven preguntó a aquél si Isabelle sería capaz de clavar ese personaje. Las similitudes de “La pianista” y “Elle” son claras, sobre todo a la hora tratar la perversión y provocación sexual.

“Elle” comienza con una escena muy evocadora, una violación, a partir de aquí construye un discurso muy completo sobre la deshumanización en términos de perversión sexual, dónde el intercambio mercantil es la clave -detrás del amor/sexo siempre está el dinero. En “Elle”, se ha normalizado tanto la violencia que ningún personaje parece responder en contra de ella, se percibe como parte del costumbrismo de la sociedad; o más bien, forma parte del subconsciente de cada uno, por lo que no se analiza ni se racionaliza. El problema de Verhoeven es que nunca consigue trascender en sus formas, nunca consigue provocar -al menos como lo hace David Lynch, Michael Haneke o Gaspar Noe.

Poco a poco se vislumbra el origen de esa reacción tan poco natural frente a la violencia más visceral, nos muestran qué le ocurrió años atrás al personaje de la espléndida Isabelle Huppert, y quizás es aquí dónde podemos entender (aunque nunca empatizar) por qué tiene ese comportamiento. Para Paul Verhoeven hay una responsabilidad compartida entre la protagonista y el resto de la sociedad, se retroalimentan. Ambos disfrutan y calman sus más perversos instintos: es demoledor y clarificador el éxito comercial de la empresa de videojuegos que dirige la protagonista, porque en “Elle” una cosa es el éxito (que se traduce en riqueza económica) y otra cosa es la atroz ambigüedad moral que hay detrás de ese éxito.

Feng Xiaogang me vuelve a sorprender (relativamente) con "Back to 1942", y es que sigue en su estilo más "Spielbergiano", su apodo no le viene grande, porque además posee su propia visión de las cosas aparte de estilo propio. "Back to 1942" es un drama comedido (como son los chinos), no es fácil romper en lágrimas porque esto se evita (por ejemplo, acortando la escena). Y es un drama con alma histórica, parece querer contarnos lo que ocurrió (narración por capítulos cortos). Era fácil caer en la lágrima fácil porque lo que se cuenta es siempre una tremenda injusticia, no hay cabida para la alegría nunca pero las escenas no se fuerzan. Es una denuncia de un hecho que la mayoría seguramente desconocía.

Feng es de los pocos directores chinos que cuenta con un presupuesto tan amplio, y además lo ha manejado bien. La fotografía me ha encantado, nunca desentona con esos colores fríos y blancos, pero es que el vestuario y el maquillaje (es meritorio la caracterización del paso del tiempo en la cara de los protagonistas) no le queda a la zaga. Los exteriores son muy creíbles, todo parece muy natural. Feng sabe manejar muy bien los medios con los que cuenta. El montaje y movimientos de cámara son bastante potentes, por muy rutinarios que sean.

Aunque asistimos a una megaproducción llena de efectos especiales (también notables) no podemos olvidar todas esas aristas que revolotean alrededor del tema central que no es otro que la injusta hambruna de una población china en la IIGM. Y es aquí dónde se consigue no banalizarlo, no se queda en la superficie ni en la mera denuncia. Los protagonistas intentan sobrevivir por todos los medios pero todo está en su contra, y es aquí dónde el guion profundiza en todas las relaciones que se establecen entre la necesidad y el aprovechamiento de esa necesidad. Nos habla de corrupción en todos los estamentos del ejército y puestos civiles así como la incapacidad de los que sí quieren ayudar. En la cinta siempre emana ese falso mantra de "si ganamos la guerra todos comerán y sobrevivirán" en el que todos los responsables se escudaban. Parafraseando a un autor, "La guerra la inician los gobernantes para que mueran los desheredados".

"Love" del argentino Gaspar Noé se manifiesta como una estilizada eyaculación en la cara del espectador, sobre todo si se ve en 3D. Pero ésto no es ninguna sorpresa, ya conocemos al director, no es la primera vez que lo hace. Si se repasan sus mejores cintas uno podrá comprobar que "Love" es, sin duda, la continuación perfecta a su filmografía: la temática de "Solo contra todos" es el incesto, en "Irreversible" es la violación, en la magnífica "Enter the void" es la drogadicción y en "Love" es el amor en el sexo. La película no respondió en su momento a las altas expectativas que había en Cannes —recibiendo muchos abucheos—, pero eso no significa que esta última cinta de Gaspar sea fallida o insulsa, en "Love" tenemos casi todos los códigos y formas que le hicieron grande. Además no estuvo exenta de polémica, la prohibieron en varias salas de exhibición, incluso hubo movimientos civiles en contra de su proyección; y es que en "Love" todo se muestra.

El director nos ofrece una especie de pornografía realista en la que el amor impregna todo tipo de acto sexual, de hecho toda la temática muestra una disputa entre el sexo más banal y el enamoramiento más romántico. Gaspar nos ofrece una milimétrica puesta en escena que potencia todo este conflicto, y además lo hace con sus mejores armas, las mismas que ya se experimentaron en "Enter the void" y que le distinguen: sus ya míticos "parpadeos" para cortar dentro de un mismo plano, lenguaje muy explícito y crudo, colores sicodélicos y simbólicos, perversiones sin censura, movimientos de cámara y luces parpadeantes . Aunque aquí vemos a un Gaspar mucho más comedido que de costumbre. En "Love", Gaspar nos deleita con una sucesión de escenas sexuales bastante explíticas y filmadas con amor y realismo.