No, no y no. Hannah no me parece una de las películas fundamentales de Allen, ni mucho menos. Podremos discutir sobre la importancia de determinados films en su carrera, o sobre la calidad de otros que, no aportando nada nuevo suponen un ejercicio de perfección cinematográfica o simplemente de estilo del Sr. Allen, pero nada de eso supone Hannah. El Sr. Allen juega miméticamente con el cine de otros maestros (Bergman, Antonionni, etc...), pero a diferencia de otros films en donde lo hace con un sentido de "juego" con un distanciamiento y perspectiva y con una aportación personal que enriquece el film, parece como si aquí intentara despersonalizar el fondo y la forma, y no le saliera ni lo uno ni lo otro.
Para empezar, el director intenta cierto distanciamiento de los personajes a diferencia de otras películas que no beneficia al film, sé que a los detractores de Allen se les atraganta la sobredosis de "hablo de mi mismo" que suelen tener sus películas, pero en este caso concreto, el film pierde. Prácticamente ningún personaje central está descrito con la profundidad de los grandes films de Allen, NINGUNO, y no por que no se les dediquen minutos. Uno a uno, perfectamente estructurados, tienen su momento en el film, pero lo que en otras películas Allen logra de manera magistral, a veces incluso con presencias mínimas de los actores y utilizando elipsis, aquí no lo consigue. ¿Que hace Max von Sidow en esta película? ¿Se trata de un pequeño capricho "bergmaniano"?, probablemente, en cualquier caso se trata más de un personaje que "deambula" en la película que alquien que participe en ella. ¿Como se come la relación entre Caine y la Wiest?, su evolución a lo largo de la película es sencillamente inverosimil, como la de Allen con Hershey. La relación entre las tres hermanas, supestamente eje vertebrador del film está difuminada y eclipsada por otras "incursiones" que debilitan la estructura.
¿Que hay de la supuesta protagonista, Farrow/Hannah?, "meydey-meydey" sin noticias del frente.
Me gustan mucho los personajes de Caine y de Hershey, ambos haciendo gala de una exhuberante inmadurez, son los únicos que salvo. Muy interesante también la escena de la cena entre las tres hermanas.
La complejidad de las relaciones tampoco alcanzan el nivel de muchos otros films de Allen, lo siento pero no está entre mis favoritas, por supuesto no dejo de reconocer su cuidada puesta en escena, fotografía, buen nivel en los secundarios y una todavía incipiente maestría en la ambientación musical que alcanzará su cénit en posteriores trabajos, tampoco destaca por sus grandes gags ni chistes ocurrentes.
Sencillamente, buena.

Podríamos pensar que Woody Allen es fundamentalmente un autor cosmopolita solamente capaz de ambientar sus películas en localizaciones urbanas, las calles de N.Y., sus hoteles, restaurantes, los interiores cuidadosamente amueblados de los apartamentos de sus protagonistas, etc...pero no hemos de olvidar que aún en estos casos suele recurrir a la naturaleza como fondo en donde los personajes de sus películas interactúan, la mayoría de las veces utilizando como fondo Central Park lógicamente.
La metáfora de la vuelta a la naturaleza como forma de volver a recuperar nuestros instintos más primarios y dejar en la percha nuestros convencionalismos sociales resulta en Allen siempre gratificante y esta película es donde alcanza su máxima expresión.
Con retazos del Renoir de "Un día en el campo" o "Desayuno sobre la hierba", Allen consigue una película tal vez no excesivamente compleja pero maravillosamente redonda en casi todo, enorme fotografía, interpretaciones muy logradas y unos diálogos precisos. Prácticamente nada sobra en esta película que contiene para mi gusto una de las mejores puestas en escena de Allen con unos planos magníficos.
La música tampoco tiene desperdicio, recurriendo a Meldenshonn como no podía ser de otra manera, hemos de recordar que el título y cierto soporte argumental estaría basado en "El sueño de una noche de verano" de Shakespeare, convertido en poema sinfónico por el compositor de Hamburgo (la obertura fue compuesta cuando sólo contaba con 17 años), también conviene recordar otro guiño "alleniano" el que nos remite a la película de Bergman "Sonrisas de una noche de verano".
Sea como fuere los insertos musicales son prodigiosos, según los títulos de crédito aparece la Sinfonía nº 3 Escocesa, el prodigioso concierto en Mim para violín (en su frenético tercer movimiento, añado), el concierto nº 2 de piano así como la Obertura y el Scherzo del Sueño de una noche de verano (posiblemente los lied que "ejecuta" Ferrer también sean del propio Meldenshonn). Una delicia vamos.

Por supuesto "La Bête" no es seguramente la mejor película de Renoir, pero sí una de las indispensables de su filmografía, rodada en plena forma, poco antes de su obra maestra "La Regla del Juego", supone, nuevamente la adaptación de un clásico de la literatura francesa, no por casualidad Emile Zola, del que adaptó en los años 20 "Nana", autoconsiderada primera película por su autor, la que sería despedida de su primera mujer Catherine Hessling.
Zola, Simenon, Mirbeau, Fourchardière, Maupassant, Flaubert, en fin, muchos de los grandes clásicos fueron llevados al cine por Renoir, la mayoría de las veces con unos resultados magníficos. Con Zola compartía por supuesto una visión naturalista de la vida, a la que Renoir dio un toque especial, el denominado "Realismo Poético". También en esta película son visibles los intentos de establecer un criterio estético en sus películas, incluso aunque tengan una base naturalista.
La historia establece un paralelismo metafórico con el mundo del ferrocarril al cual pertenecen sus protagonistas, como aunténtico "modus vivendi". Mundo endogámico, los ferroviarios son hijos de ferroviarios y sus hijos serán también ferroviarios, regido por el devenir de las salidas y las entradas de los trenes en la estación como otrora eran las estaciones para el labrador o la lluvia para el pastor nómada, viven en las estaciones, compran en sus economatos, beben en sus cantinas, se casan entre ellos....
En esta sociedad neoindustrial deshumanizada (el protagonista es incapaz de amar a una mujer, pero siente adoración por su máquina de vapor) nacerá con más fuerza si cabe el imperio del instinto llevando a sus protagonistas hacia la autodestrucción.
Formidable la primera escena: una Mikado recorre a un ritmo vertiginoso el trayecto entre Paris y Le Havre, impagable documento sobre la época del vapor, grandes planos muy bien resueltos desde los ténders, muy buena la interpretación de Gabin, la de Ledoux y por supuesto como siempre el gran Carette "pareja" de Gabin (fogonero y maquinista respectivamente), Renoir sobreactua un poquico, que vamos a hacer.
La banda sonora mejora en la escena del baile pero hay algunos subrayados un poco estrambóticos (jolín el de los platillos, parece que había almorzado nocilla por lo menos el día de grabación), no es el mejor trabajo de Joseph Kosma.
Muy estimable film.

John Ford, por medio de su productora con Meriam C. Cooper (si el de King Kong) produjo tres películas ambientadas en los enfrentamientos entre el ejercito yanki y las tribus indígenas en la década de los 70: Río Bravo, La Legión Invencible y Fort Apache. Se trata de tres películas en donde se refleja la vida dentro de los destacamentos militares (fuertes) con un protagonismo fundamental de la Caballería, fuerza de choque de los mismos. En ellos se refleja magníficamente el mundo endogámico y cerrado de estas microsociedades, con sus sargentos chusqueros (en las tres aparece Victor McLaglen) sus suboficiales de trayectoria intachable, las esposas y/o hijas, los jóvenes oficiales en primer destino recien salidos de West Point, y también el/los viejo/s oficial que tiene en el destacamento el punto final de su trayectoria milita (en los tres aparece John Wayne, aunque sólo en Río Bravo es el comandante del puesto).
De entre las tres sobresale a mi modo de ver de manera rutilante Fort Apache, en primer lugar por la extraordinaria sobriedad de las interpretaciones, como la de Fonda aunque el resto del reparto está magnífico, por la propia historia que aparentemente no es sino una revisión más o menos disimulada del General Custer, encarnado en el personaje durísimo e intolerante de Fonda, el final no puede ser más evidente.
Fort Apache contiene los elementos más destacables de estos films de Ford, excelente puesta en escena, ambientación, escenas de caballería magníficas, etc.., además es el primero en el que los indios tienen un rostro reconocible, algo es algo (inquietantes los primeros planos de Jerónimo y Caballo Loco), apreciándose una lógica evolución que culminará en "El Gran Combate".
Lástima del alegato final, totalmente injustificable y gratuíto que desvirtúa un poco el conjunto global, pese a ello muy estimable western.

Todo en esta película dice algo, tiene sentido, forma parte de un todo, extraordinariamente estructurado con un Berlanga y Azcona en plenísima forma que dan como resultado un trabajo increiblemente redondo.
El propio título "Placido" (nombre del protagonista interpretado por Cassen), es de un cinismo extremo, dado que el susodicho se pasará todo el film nadando a contracorriente en un estado de sobresalto frenético e histriónico por conservar su único medio de vida.
"Placido" resume, une, mezcla y proyecta en una explosión corrosiva todos los iconos del nacional catolisimos lanzándolos a la cara del espectador, la Caridad como sustituto de la justicia social, la Navidad como puro mercado consumista, la realidad social cruda y desnuda del franquismo más extremo en una capital de provincia, el Star-system folclórico-nacional, ya vapuleado en su "Bienvenido Mr. Marshall", en fin una auténtica "Mascletá" narrada en tiempo real con unos planos secuencia extraordinarios para dar al cine español una de sus cumbres de todos los tiempos.
Obra Maestra.