La bicicleta verde es una película bien narrada, con una realización sencilla, pero efectiva y una niña protagonista sin muchos dotes de interpretación, pero que posee un enorme carisma y fuerza. Así pues, este film recae en la mirada de su joven actriz principal Waad Mohammed, la cual ofrece una visión desde la niñez que ridiculiza a los mayores en una sociedad marcada por la agria cultura costumbrista. En este caso la de Arabia Saudí. Sin embargo, esta visión no se encuentra muy alejada de la occidental, ya que el eje de la trama reside en la relación paterno-filial y la gran distancia conceptual que existe del mundo entre la despreocupada infancia y la rigidez adulta.

La directora saudita, Haifa Al-Mansour, deja en su primera andadura en el cine, una película cálida, atrevida, en algunos momentos divertida -pese a lo que explica- y que el espectador ve a gusto. Sin embargo, el film no traspasa las fronteras de lo emocionalmente convencional y se queda, por desgracia, en una historia bien contada.

Mejor escena:
Precisamente se desarrolla en el momento en el que se une esa distancia entre los padres y los hijos. Las dos mejores escenas son las reuniones entre la madre y la hija en el balcón: en la primera interiorizan y en la segunda, con fuegos artificiales a sus espaldas, se hacen cómplices de sus vidas.

Como sucede desde 1995, cada nueve años Celine y Jesse (Julie Delpy y Ethan Hawke) vuelven a las pantallas de la mano del director Richard Linklater. Antes del anochecer es la tercera película de la trilogía y funciona como la continuación de Antes del amanecer (1995) y Antes del atardecer (2004). Aunque el último film puede funcionar por sí solo, lo justo y más espléndido es poder hacer un recorrido por las tres.

En la primera película, Jesse y Celine deambulan por la ciudad de Viena sin rumbo fijo y con una duración que ellos mismos fijan: 24 horas juntos y un próximo encuentro en el mismo sitio dentro de 6 meses. En la segunda pasean por París sin un objetivo concreto y con Celine como guía turística de Jesse, el límite de tiempo lo marca el despegue de un avión. En la tercera ya todo está prefijado: el tiempo y el lugar. Ya no hay sitio para la espontaneidad como bien dice Celine en una escena del film. Después de pasar las vacaciones en compañía en Grecia, la pareja se dirige a una habitación de hotel para pasar una noche mágica. Es lo que provocan 9 años de relación y el inicio de las ataduras y roles domésticos, que la pareja se enfrente, por primera vez, a las convenciones del sistema. Sin embargo, el límite temporal se presenta de forma similar a los dos primeros filmes, donde ambos estaban amenazados por una separación que parecía insalvable. Ahora el peligro de su ruptura se encuentra en la supervivencia de su propia relación. Así pues, el conjunto de películas realizadas por Richard Linklater forman un reflejo de las etapas y de las ilusiones que las personas se encuentran en el recorrido de su existencia.

Como cuenta Linklater en una entrevista sobre la película, en esta ocasión ha decidido utilizar Grecia como metáfora: la pareja se encuentra de vacaciones en un lugar mediterráneo con sus dos hijas bellas y buenas, tienen un trabajo que les llena y están juntos. Algo con lo que 9 años atrás habrían soñado y que sin embargo, ahora no les hace felices.

Mediante esta alegoría, el director muestra lo difícil que es gestionar ese espacio entre la unión de dos personas, incluso si se aman. Cada película muestra una etapa de sus vidas, donde el espectador se reencuentra con los protagonistas y observa como les afecta el paso del tiempo, sin darse cuenta que para ellos también pasa.

Tras una buena presentación de los personajes en su nueva etapa –con buenos paralelismos entre el pasado de Jesse y Celine y la pareja joven; y de la vida futura que les espera en relación con el otro matrimonio adulto y con las reflexiones de los mayores de la mesa- Linklater, en Antes del anochecer, vuelve hacer uso de su cámara en movimiento, aunque en menor medida, para narrar la historia a través de largas conversaciones en paseos realizados con steadicam. Con esta técnica y el brutal realismo de los actores (Julie Delpy y Ethan Hawke), la película ofrece una credibilidad inconmensurable provocando en el espectador una sensación de cercanía y de apropiación de lo que los protagonistas experimentan. Los 9 años de separación entre cada película no es un obstáculo para su comprensión, ya que Linklater consigue, a través del diálogo, que el público pueda imaginar la vida de los personajes a lo largo de lo transcurrido durante las brechas temporales.

Así pues, una vez más, Linklater junto con los co-guionistas Julie Delpy y Ethan Hawke encuentran el clímax en la conversación a través de largas tomas, donde el tiempo pasa sin que ocurra nada especial y los protagonistas hablan y reflexionan de lo que ocurre en sus vidas. Un hábito que, como bien comentan en la película, la humanidad va perdiendo con las prácticas de consumo capitalistas y con la madurez de la pareja. Sin embargo, a pesar de que en la trilogía “Antes de…” la integridad del film es el diálogo, Linklater siempre se guarda algunos momentos de silencio cargados de significado. En el último film, concretamente tras la discusión del hotel.

Aunque pueda parecer una película de lo más dramática, también es divertida. Antes del anochecer muestra puntos de conexión con el espectador que, al identificarse con los personajes, puede arrancarle alguna que otra carcajada. Sobretodo en el trayecto que más recuerda a la versión aislada del mundo de los anteriores filmes de Jesse y Celine: el paseo por el campo hacia el hotel de 16 minutos de conversación. En esta secuencia, vuelven a surgir aquellos jóvenes atractivos e ingeniosos Julie Delpy y Ethan Hawke. Sin embargo, no dejan de ser adultos que intentan parecer frescos y seductores. Ahora cuentan con heridas que pronto empiezan a tomar relieve en el camino hacia la habitación. A día de hoy, tienen cosas en común más allá de gustarse: criticarse el uno al otro esas polaridades estereotipadas de una forma más dolorosa que en las primeras películas, pues ya no son ideológicas sino tangibles.

El punto de ebullición de la discusión llega de forma ineludible en la habitación del hotel. Allí Celine le echa en cara su poca colaboración y poco romanticismo y Jesse le recrimina su incoherencia acusándola de loca. Finalmente Celine se va. Al poco, los dos se reencuentran en una nocturna terraza de verano junto al mar. Aquí es donde llega la última secuencia y una de las más reflexivas. ¿Es optimista la continuidad y el reajuste de la pareja a través de la interpretación de un rol ficticio para hacer más llevadera la situación actual?

En definitiva, Antes del anochecer es una mezcla de conversaciones ágiles e inteligentes entre el recuerdo de aquellos destellos de amor y divertidos de Antes del amanecer y Antes del atardecer; y un nuevo sabor donde se descubren unos sentimientos más agrios, íntimos y duros que sufre la fermentación de la pareja. Los tres (Linklater, Delpy y Hawke) firman el guión de las dos últimas y muestran, una vez más, que tienen una gran sinfonía y creatividad juntos.

Una película puede ser recordada bien por su guión o bien por su imagen audiovisual. El buen cine consigue las dos cosas. Holy Motors no.

El último film de Leos Carax será recordado por sus fuertes e impactantes imágenes y, ya sea para bien o para mal, será difícil de olvidar. Tan solo hace falta el fascinante inicio de la cinta, en la que el director se encuentra encerrado junto a su perro, en una oscura y extraña habitación bajo el gorjeo de las gaviotas. La puerta de emergencia da al palco de una sala de cine y muestra cómo pretende hacer sentir al espectador: atrapado en una sala sin poder salir, a la espera del fin de la película. Un perro enorme y negro, se pasea entre las butacas impresionando a todas esas cabezas iluminadas por la pantalla. La provocación del director, se encuentra aún en el principio. La muestra de las múltiples facetas de su protagonista, paseando por calles de una París sombría, permanecerá en la cabeza de muchos. Sin embargo, bajo los rostros del actor Denis Lavant, se esconde una historia que no puede entenderse como tal.

Bajo la estructura en actos de un film que transcurre en un día, Holy Motors, muestra a un protagonista que tiene una identidad completamente distinta en cada una de las vidas que interpreta. Encarna personajes de asesino, mendigo, ejecutivo, monstruo, padre de familia, como si se tratase de la realización de muchas películas dentro de una misma, en la que en cada secuencia es un personaje con una nueva vida. Sin embargo, no estamos ante una película que nos muestre como se rueda otra, sino en un una obra que ni siquiera es metáfora de nada. Es simplemente, la puntual descripción de un periodo de tiempo en el que no se entiende lo más mínimo, quizá como la vida misma. Por ello, este film es como un cuadro abstracto. No sigue los decanos de un guión y como consecuencia, parece un espacio en el que todo tiene cabida.

Así pues, Holy Motors es un ejercicio que parece un poema libre, en el que el surrealismo puede parecer demencia. Una sucesión de interpretaciones mutantes pero que no consiguen continuidad en la película. Convirtiendo el film en pesado y difícil de seguir hasta el final.

Io e te, la última película de Bernardo Bertolucci, narra la historia de Lorenzo, un adolescente de catorce años solitario y enfadado con el mundo, que engaña a sus padres con la coartada de que se va a esquiar con unos amigos para, en realidad, pasar esos días en el sótano del propio domicilio familiar en el que transcurrirá toda la película. Sin embargo, en esta andadura en la que planea disfrutar de la soledad, será importunado por su hermanastra, hija del primer matrimonio de su padre. A partir de este encuentro, Lorenzo evolucionará de manera favorable a su desajuste generacional y experimentará nuevas cosas que le harán ver el mundo de otra forma, como la excentricidad y el desequilibrio de la hermana provocado por el consumo de drogas y el desajuste familiar.

Con este nuevo panorama, el joven combatirá sus miedos y servirá para que Bertolucci enseñe a la perfección lo absurdo de la adolescencia y el rechazo, en esta etapa, hacia lo establecido. No obstante, también servirá para reflejar la pubertad como un periodo que marca a la persona y que la transforma por instantes en un individuo libre que flota sin preocupaciones materialistas. Todo esto concentrado en un mismo espacio-tiempo: un sótano y una semana. Aspecto que podría considerarse monótono y que por el contrario, es bien resuelto por el director salvo en la realización del síndrome de abstinencia de la hermana. El resto es un contenedor de emociones del pasado que se aúnan para devolver al espectador la ternura hacia una época egocéntrica y estúpida como es la adolescencia y que, sin embargo, produce en el público la contradictoria sensación de que un mal comportamiento se transforme en algo amable y tierno.

En definitiva, Io e te consigue trasmitir la presencia de otro mundo cálido y alegre en ese desván. Un mundo abstracto que pertenece a dos personas desconocidas y que, por desgracia, todo el mundo sabe que se esfumará a la hora de salir del caparazón que rodea el particular agujero. Es la metáfora del polluelo que sale del huevo. Una vez fuera, los pasos se alejan y dejan la sensación de que todo lo que pasó se ha ido. Que se ha ido para siempre. El protagonista se ha hecho mayor.


Reparto:
Buen trabajo de los actores pese a no ser profesionales en las que destaca la mirada de incomprensión y voraz del protagonista (Jacopo Olmo Antinori) y la extravagancia de su hermana (Tea Falco).

Mejor escena:
Momento muy poético que provoca emoción en el espectador mediante la canción y el baile entre los dos hermanos bajo la melodía de la canción de David Bowie: Ragazzo Solo, Ragazza Sola.

'Mud' es un thriller de ritmo pausado, de precisos diálogos y con una textura que evoca a lo antiguo. La última película de Jeff Nichols recuerda a los guiones del Oeste, pero ambientada en la actualidad. Mud, como su propio nombre indica, está situada en medio del barro, de un fango que no le deja emerger. Entre las orillas del río que abordan la isla de los sueños juveniles, se esconde un relato de aventuras a lo Mark Twain: dos adolescentes pelean, desde su punto de vista emergente y curioso, contra las reglas y las dudas que surgen entre el bien y el mal. El punto culminante de este planteamiento es la aparición de un hombre al cual en un primer momento conciben como un héroe. En realidad es un perdedor. Sin embargo, los tres reman contra la marea que arremete contra ellos. Con esta premisa, en un contexto desarraigado y tan deprimente como realista, Jeff Nichols compone una película imperfecta como para él lo es el ser humano.

Si por algo se caracterizan las películas de Jeff Nichols es por tener algo de fábula, por su crueldad en la forma del relato y por el amor que sienten los protagonistas hacia lo peligroso y desconocido. En Mud también. No obstante, a diferencia de su anterior película Take Shelter, en esta ocasión el ritmo lento con el que está dirigido el filme no consigue aportar más sustancia que la que se muestra y convierte a la película en una repetición de acontecimientos hacia un final, que pese a ser elegante, todo el mundo sabe.