Tras la muerte de su madre, un soldado abandona el ejército. La visión del ataúd lo revuelve hasta el punto de aceptar convertirse en un fugitivo de por vida. La película comienza en su primer segmento con una caza al hombre, un thriller con medios modestos pero con ideas que muestran el carácter del director tras la cámara. Por ejemplo, el plano aéreo de varios minutos que sobrevuela el minarete de una mezquita para recorrer toda la ciudad, de noche, al estilo de las películas de acción americanas de los noventa. El drone que graba termina posándose en un descampado, lejos del centro urbano, donde el hombre duerme a la intemperie. Este mismo hombre más tarde será herido y en un plano secuencia le seguiremos, viendo cómo se tambalea, cómo se desangra, hasta que finalmente desaparece en el espesor del bosque. Dos momentos cruciales de la historia acompañados por una puesta en escena vibrante y concisa.

Años más tarde, una mujer casada con un hombre de éxito se muda a un chalet de lujo. Casa perfecta, muebles perfectos, matrimonio perfecto, vida perfecta. Un modo de vida insoportable por el que la mujer sufre. Todo parece que el relato virará hacia el melodrama hasta que un día, paseando por un bosque cercano a su casa, la mujer encuentra al fugitivo y ninguno de los dos, ni la película, ni el director, ni los espectadores seremos ya los mismos. El gran giro de Tlamess llega con este rencuentro, con el hechizo lanzado cuando el encuentro tiene lugar. Un cambio de tono, de estilo y de dirección.

En el nuevo milenio, una escuela de cine ha aparecido tímidamente en festivales y ha ganado fuerza con el paso de los años. Se trata de un cine abstracto y complejo que no responde a patrones clásicos de narrativa. El surrealismo podría encajar en tal descripción, pero esta escuela tampoco respeta unas normas básicas de lógica o coherencia respecto al relato en sí mismo.

Leyendo tal afirmación podría pensarse que se trata de un cine irreflexivo, de un disparate, de una estafa. Nada más lejos de la realidad. Se trata de un arte más enfocado a la experiencia sensorial más que a la racional. En defitiniva, al sentir más que al pensar. Y tan fascinante resulta adaptar un texto a la narrativa cinematográfica como recrear una atmósfera a través de la imagen y el sonido para despertar sensaciones en el espectador, sin necesidad de una historia en su sentido literal.

Esta escuela no es nueva. Desde hace décadas el cine asiático y africano cuentan con una gran tradición en la representación de la naturaleza en la pantalla. Pero quizás esta nueva corriente de autores no occidentales ha sabido dar un pequeño pero importante paso para utilizar, igualmente, la magia y el ocultismo, mezclarlo con el mundo natural y borrar los límites de ambos sin que sepamos dónde empieza uno y termina el otro. Este estilo alcanzó la cumbre cuando Apitchapong Weerasethakul logró la Palma de Oro en 2010 por Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas y no en vano, el tailandés se ha convertido en uno de los cineastas más influyentes de estos últimos años desde que presentase en 2004, también en Cannes, Tropical malady.

Tlamess no quiere que intentemos comprender por qué de repente los personajes dejan de hablar, por qué una serpiente gigante aparece o por qué un macho amamanta a un bebé. Lo que Tlamess pretende es que sintamos respectivamente la potencia del conjuro, la amenaza sobrenatural y la fascinación por lo desconocido. Es a su vez, una historia acerca de la liberación de un mundo moderno rígido y opresivo para encontrar la libertad, espiritual y artística, en una naturaleza omnipotente y desbordante.

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La obra comienza por su vertiente mas kitsch, Un homenaje al horror sobrenatural de antaño. Una momia que desata una maldición en un campamento arqueológico. La primera gran escena de la película, un magnífico plano secuencia en el que una actriz desanda el camino de la otra, nos introduce en el estilo del film: cámara muy cerca de los rostros y diálogos doblados. El género de serie B es el mejor para advertirnos de esta particularidad pues la discordancia entre los labios y las voces, que se repetirán en numerosas ocasiones en las siguientes catorce horas, forman parte del homenaje al género de terror y, aparte, suponen una libertad total para modelar la titánica obra en post-producción. Cuando las protagonistas encuentran la clave de la maldición que desata la momia, de repente, el episodio se termina y nos encontramos en un estudio de grabación. Como hemos dicho, las primeras cuatro historias tienen principio pero no final.

Mismas actrices, distintos personajes pues. El segundo capítulo nos cuenta la historia de una pareja de cantantes que ha roto y sin embargo, por contrato, se ven obligados a grabar un último álbum. El dúo Siempre verde, exploit paródico del dúo Pimpinela al que los diálogos hacen referencia en la escena del interfono "¿Quién es? Soy yo ¿Qué vienes a buscar? A vos" Una historia de odio y rencor salpicada por unos flashbacks de fotografía preciosa, en blanco y negro, donde la narración literaria, de un peso capital en la obra, comienza a asomarse tímidamente, contándonos la antigua historia de amor del dúo, desde el punto de vista de ella y luego de él.

Además, la asistente personal de la cantante sigue su propia subtrama en el momento en que descubrimos un tráfico ilegal de escorpiones detrás de los que se encuentra una organización de millonarios italianos. Los últimos coletazos del kitsch antes de adentrarnos en las partes más poéticas del film que hacen de este episodio una transición perfecta entre la parte inicial, extravagante y escandalosa, como unos pétalos, hacia el capítulo tres, el más largo y el que nos cambia por completo la percepción de La flor.

(Continúa en La Flor: Segunda Parte)

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Entonces llegamos a Dnipro. Al hotel en el que se reúnen los activistas y los periodistas. Una pausa en la película, un oasis a mitad de este viaje silencioso y en soledad. La calma, el relax, el lujo, la presencia de una estrella de la talla de Vanessa Paradis. Para introducir la primera reflexión acerca del conflicto, en una conversación en torno a una mesa, Bartas deja la pareja al margen para que escuchemos las experiencias del resto de personajes que vuelven de la guerra. Vemos sus fotos en pantalla, muestra de lo que espera a nuestros héroes. Cada uno muestra su punto de vista, su indignación por la guerra, sus críticas a los poderes pero también a sí mismos en su labor. La versión de aquellos que han observado la guerra antes de que conozcamos la versión de quienes la han hecho. Pero el episodio del hotel no termina aquí.

En este paréntesis, la pareja se relaja, ambos muestran sus sentimientos y las discusiones tienen lugar, Parece que la tensión del viaje les mantenía unidos, un apoyo recíproco ante una ardua tarea. Pero en el hotel salen de su trance y los reproches hacen aparición. Es más, se abandonan al deseo y esa noche, ambos se acuestan con diferentes personas, terminando el asunto en arrepentimiento a la mañana siguiente. Este episodio funciona como premonición de su destino. Las ganas de jugar con fuego, la curiosidad que mata al gato, que terminará con consecuencias fatales.

La segunda mitad comienza abandonando el hotel en dirección a la zona ocupada. La pareja, libre de sus fantasmas tras la reconciliación, pasan a un segundo plano según nos acercamos a la guerra. Vemos los paisajes arrasados, los colegios destruidos, los tanques y los soldados. Bartas ha filmado en la zona de guerra. La película entonces adopta un tono contemplativo, con secuencias más largas que contrastan enormemente con las escenas cortas del principio. Nos sumergimos en esta zona desolada y abandonada por la mayoría de los ciudadanos. El vacío y la soledad invaden el relato. Las pocas personas con las que se cruzarán los protagonistas, comparten su testimonio a cámara. Según el director, todos los testimonios son reales aunque a veces no pertenezcan a la persona que vemos en pantalla.

Como conclusión podríamos definir la película como un road-trip que muta a la mitad. Una película que pasa de la aventura al documental. De la relación de pareja al conflicto de dos naciones. De la seguridad y el aburrimiento al peligro y a la oscuridad. El momento más sobrecogedor es el testimonio de un soldado de padre ucraniano y de madre rusa que se ha visto obligado a tomar las armas para defender su pueblo aunque en el fondo siente que lucha contra su propia madre y contra sí mismo. El pragmatismo ante el sentimiento en un dilema humano.

Es en este momento cuando la crítica al conflicto y la potencia artística de la obra se manifiestan en total amplitud. El testimonio es real pero es otro soldado quien lo recita. Bartas ha penetrado en el horror tanto como periodista que como artista. Loznitsa ya había logrado algo similar en 2014 como testigo mudo en Maidan, siguiendo las revueltas en Kiev. El silencio de su narración daba al documental un tono solemne, litúrgico. Pero Bartas llega aún más lejos al lograr que la gente que mata y se hace matar actúen. Documental, ficción, ambas partes son lo suficientemente sólidas como para hacernos querer llegar hasta el centro de la guerra. Ver qué hay más allá. Lo mismo le ocurre a nuestro protagonista, que, fascinado por el horror y el peligro, la atracción del fondo del abismo, terminará abandonado, víctima de un conflicto sin sentido.

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