Obra cumbre del cine de los años 80, probablemente la mejor película que nunca se ha hecho y nunca se hará en el género de la ciencia ficción, Blade Runner, el otro gran título de ese director tan irregular pero (casi) siempre interesante que es Ridley Scott, no sólo resultó ser (a pesar de su fracaso comercial) una de las películas más influyentes en el cine que se hizo con posterioridad, sobre todo a nivel estético y formal, sino que traspasó las fronteras del celuloide y también dejó ver sus ecos en el mundo del arte, el diseño, la moda, la fotografía y la publicidad.
Soberbia mezcla de géneros que navega entre la ciencia ficción con reminiscencias metafísicas y el cine negro clásico de los años cincuenta, la historia de Blade Runner, basada en una novela corta de Philip K. Dick, una especie de gurú literario del género, recupera en gran medida el inmortal mito de Frankenstein, ya espeso de por sí, y lo ubica en un contexto social futurista en absoluta decadencia moral y existencial para enriquecerlo y darle un enfoque más innovador. La jugada es simple y llanamente redonda. El cruce de géneros, con ese Deckard alcohólico y solitario persiguiendo humanoides rebeldes en medio de una megalópolis inhumana, oscura, sucia y lluviosa mientras se enamora de quien no debe, no es que sea un acierto, es que es una jugada maestra que convierte la película en ese clásico inmortal que todo el mundo conoce (al menos de oídas) y que cinéfilos de varias generaciones llevan años aclamando como película de culto. Obra futurista con toques de cine negro o cine negro con toques de ciencia ficción, Blade Runner sorprende y fascina por la perfección estructural de su guión, por su espectacular dirección artística, por su apabullante poderío estético y visual, por la sobria y elegante dirección de Ridley Scott, por la originalidad de la propuesta y por todos los temas que toca con asombrosa precisión en su inabarcable subtexto: el amor, la muerte, la libertad, la esclavitud, la soledad, la esperanza, la tiranía, la religión, el sentido de la existencia… y suma y sigue.

Obra maestra imprescindible.

Lo mejor: todo.
Lo peor: que haya gente que se atreva a decir que es una mala película tachándola de hueca y pretenciosa.

Estomagante refrito entre dos de los títulos del género de terror que más han calado entre el público en los últimos años, El Proyecto de la Bruja de Blair y 28 Días Después (más por su originalidad que por otra cosa), la película rodada ex equo entre Jaume Balagueró y Paco Plaza, mismo tándem que perpetró, atención, OT: La Película, supongo que para familiarizarse con el mundillo del terror bizarro, hizo su estelar y mareante aparición en las salas de cine de nuestro país consiguiendo no sólo un gran éxito de público y crítica, que ya es bastante, sino un remake estadounidense calcado plano a plano que pasó sin pena ni gloria por las carteleras de medio mundo. Utilizando el medio televisivo para dotar a los sorprendentes acontecimientos de una realidad que nunca se consigue por las limitadísimas interpretaciones de unos actores completamente desconocidos (será por algo) y una planificación que en su afán por resultar espontánea termina por parecernos tremendamente falsa y calculada, la película intenta sumergir al espectador en una especie de pesadilla claustrofóbica grabada en tiempo real que sólo funciona a ratos gracias al cuidado diseño de producción y a la correcta dosificación de los momentos de tensión, bastante escasos a pesar del griterío generalizado y los bruscos movimientos de cámara, y que patina hasta el fondo cuando, ya cerca del desenlace, y tras hora y pico de sangre y berridos, a los guionistas no se les ocurre nada mejor que meter con calzador una serie de explicaciones de lo más absurdas e innecesarias sobre el por qué del argumento. Eso sí, la niña de Medeiros (o como se llame) pone los pelos de punta, es de justicia reconocerlo.

Brutal radiografía del proceso de (auto)destrucción de una joven y frágil bailarina en pos del éxito profesional, Cisne Negro, desde ya una de las mejores películas del año y la mejor de su atrevido e inclasificable director, es, más allá del relato de una obsesión enfermiza (la de todo artista en su búsqueda de la perfección absoluta) que termina minando la débil estructura psíquica de la protagonista, una metáfora arrolladora y contundente de la sociedad en la que nos ha tocado vivir, de ese entorno agresivo, competitivo y deshumanizado que nos exige (probablemente sin que nos demos cuenta) ahondar en lo más profundo de nuestro yo individual para hacer aletear el lado oscuro que todos llevamos dentro y poder devorar a los que nos acechan antes de ser devorados. Película imprescindible. Bella, angustiosa, siniestra y fascinante. Un espectáculo extraordinario.

Lo mejor: todo. Y además Natalie Portman está maravillosa.
Lo peor: nada.

Ken Loach vuelve a fijar su mirada en la gente menos favorecida de la sociedad británica para contarnos otra historia de decadencia vital, frustraciones y desarraigos, con la particularidad de que esta vez decide hacerle un favor a un tal Eric Cantona (un francés que antes de dedicarse al cine jugaba a esa cosa tan aburrida de darle patadas a un balón llamada fútbol) convirtiéndolo es una especie de gurú espiritual que ayuda al sufrido protagonista en su lucha diaria contra la adversidad. Dejando de lado el endiosamiento del ex jugador (y productor y coprotagonista de la película, para más señas) y el optimismo casi infantil de su desenlace, “Buscando a Eric” puede resultar más o menos simpática, a pesar del gran drama que nos está contando, sin uno se sienta a verla con buen ánimo y muy pocos prejuicios, especialmente hacia deportistas millonarios encantados de haberse conocido. De lo contrario el tedio (y puede que algo más) está asegurado.

Lo mejor: aunque la primera media hora no presagia nada bueno la película consigue remontar y al final no tienes la sensación de haber perdido el tiempo.
Lo peor: Eric Cantona haciendo de hada madrina.

Ante la amenaza del integrismo islamista un grupo de monjes cistercienses recluidos en un pequeño monasterio de Argelia deben tomar la decisión de marcharse para salvar sus vidas o quedarse en él acompañando hasta el final a los lugareños de los alrededores. Sobre esta cuestión, sobre las dudas, los temores y los anhelos del reducido número de protagonistas se enrosca el argumento de esta bellísima película, un callado canto al sacrificio, la solidaridad, el compañerismo, la vida religiosa y el respeto por las creencias individuales. Incomprensible para muchos, absurdo para otros tantos y tremendamente emocionante y admirable para (aún hoy) infinidad de personas, el conflicto interno que da vida a “De dioses y hombres” consigue elevarse como un acto de sacrificio con claras reminiscencias místicas y espirituales (no podía ser de otro modo dadas las circunstancias) que, independientemente de la opinión que cada espectador tenga sobre él, no puede ser contemplado sin compasión ni estremecimiento. Una película hermosa y terrible a partes iguales.

Lo mejor: la escena de la última cena, con El Lago de los Cisnes de fondo.
Lo peor: quizá demasiados cánticos religiosos.