Nefarious (2023) se trata de una controvertida película, aparentemente catalogada con el cine de terror, que en realidad se trata de una de aquellas películas de producción evangélica y que son consumidas solo por el cinturón bíblico de los USA (una zona geográfica donde los creyentes, que son legión, tienen un gran poder para aclamar o derribar una película). Normalmente ese tipo de películas no traspasan ese tipo de audiencia, pero en esta ocasión han conseguido un "pelotazo", que les va a reportar grandes beneficios.

Comentan que cuando se estrenó el Exorcista del recientemente fallecido William Friedkin, de puertas para fuera el Vaticano expresó su desagrado, mientras que dentro de la Santa Iglesia abrazaron la película con entusiasmo. "Si no creen en Dios, que crean al menos en el diablo". Y es que el miedo siempre ha sido uno de los grandes acicates que han tenido todas las religiones (no solo la cristiana) para conseguir adeptos. Y salvando las distancias, eso es lo que sucede con Nefarious, una película que siendo aparentemente de terror, en realidad viene a soltarnos un discurso ideológico cercano a los sermones evangélicos fanáticos que tantas veces hemos visto y oído.

¿Qué nos encontramos en Nefarious? En primera instancia vemos la lucha dialéctica entre un doctor que tiene dictar sentencia sobre la enfermedad mental sobre un reo que van a ejecutar, quien afirma a su vez que es el demonio que actúa poseyendo al recluso.

Con las películas de Exorcismos uno no tiene porque ser creyente para poder disfrutarlas (si es que disfrutar es el verbo correcto). La mayoría de ellas no se toman nunca lo demasiado en serio el hecho de que el Diablo exista. Nefarious sí lo hace. El demonio existe, y la humanidad está condenada precisamente por no creer en ello. Pero no es que se afirme una existencia metafísica o conceptual, no. Se habla en la película de una existencia real, donde las posesiones son el pan de cada día. Y esto no sería un problema si no fuera porque Nefarious no quiere ser ficción. Nefarious quiere mostrar a la humanidad que el diablo está entre nosotros. 

¿Cómo lo hace la película para articular su discurso? Pues bien, y aquí viene por cierto lo paradójico, se sirve del mismo diablo, quien a través del recluso narra el discurso ideológico que le interesa a la película. Algunos ingenuos defensores del filme han afirmado que es el personaje del diablo y tiene que engañar a la humanidad, es su idiosincrasia. Bien, en este caso, primero recordar quienes son los personajes que hay detrás de la producción del filme, y por otro decir que ya nuestro ilustre Cervantes, en sus novelas ejemplares utilizaba los locos como medio de escapar la censura, haciéndole poner en sus palabras cosas que eran críticas con la época pero que no podían ser reprochadas por "tratarse de locos".

Así, el diablo de Nefarious nos suelta un tostón ideológico de primero de teología en el que se realiza un discurso antieugenesia (pero con una persona ya mayor y con cáncer terminal, nada de un caso digamos sospechoso o más polémico) así como antiabortista. La película no tiene ningún reparo en igualar esos actos al asesinato. Tal cuál suena. 

Conclusión

Y me gustaría terminar afirmando algo. No considero Nefarious horrible por el mero hecho de ser cristiana. Hay películas como El Árbol de la Vida o la propia Exorcista (que fue escrita por un sacerdote, como todo el mundo sabe) que muestran una ideología contraria a mi agnosticismo. El problema de la cinta es que se trata de propaganda mal hecha y con un mensaje peligroso detrás. 

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Sympathy for the devil (2023) se trata de una película más de Nicolas Cage, y aunque esto por sí solo no suene demasiado bien y teniendo en cuenta que en esta cinta el actor está más desatado que nunca, lo cierto es que estamos ante un adrenalítico Thriller donde el entretenimiento está asegurado. Servidor diría que incluso la película está por encima de otras que se han estrenado en salas del actor, por tener a grandes distribuidoras detrás (Renfield concretamente). 

Sí, es cierto que en Symphathy for the Devil nos encontramos con un Cage histriónico, que seguramente ha forzado su interpretación a niveles "meméticos". Y aún con todo, su interpretación es perfecta, para lo que requiere su papel. Gran parte de la película se sustenta en todo lo que representa y hace. La manera en como está vestido, sus arrebatos de furia, sus gestos...todo está pensado para encarnar una especie de Lucifer terrenal, un personaje que no sabes por donde va a salir y que te mantiene en vilo durante todo el metraje, hasta que poco a poco se va desvelando la trama (aunque es cierto que el guion no es demasiado hábil escondiendo lo que se oculta, uno de los puntos débiles de la película, sin duda). 

Así pues, podríamos decir que dentro del Cagemetro, esta película se sitúa por encima de la media. Un guion solvente que deja rienda suelta al actor para realizar lo que mejor sabe hacer. Y a buena fe que dejará una gran cantidad de gifs con el paso del tiempo. ¿Esa era parte de la intención del filme? En todo caso, ese es un (interesante) debate que no tocaremos aquí. Por otra parte, como contrapartida tenemos a un más que solvente Joel Kinnaman, que cumple en un papel aparentemente secundario que sin embargo requiere matices. 

Teniendo en cuenta que estamos ante una producción de bajo presupuesto, lo cierto es que Sympathy for the Devil no luce como una película barata. Más bien al contrario. La fotografía de la película absorbe la ambientación de la película (las Vegas)  y sin utilizar demasiadas localizaciones (en parte por la escasez de recursos) sabe comprimir bien la idiosincrasia de la ciudad, mediante el recursos de una combinación de neones y luces que no empachan al espectador, sino que al contrario, se ajustan a lo que pide el guion.

De igual manera podemos hablar de una puesta en escena que se interesa por mostrarnos secuencias bien dirigidas y que se alejan de películas de serie Z en las que Cage ha estado. Nos encontramos con una buena combinación de planos, algunos de ellos que se deleitan en lo estético, dejando la narrativa de lado. Todo esto en gran parte se debe a que detrás de las cámaras tenemos a un director con una trayectoria abalada, como es Yuval Adler

Conclusión

Sin ser una gran película, Sympathy for the Devil es un entretenimiento divertido que servirá para complacer a todos los seguidores de uno de los grandes actores de Hollywood, Don Nicolas Cage. Una película que a pesar de tener un presupuesto más bien exiguo, sabe competir por encima de su liga.

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Falcon Lake (2022) se trata del debut en la dirección de Charlotte le Bon...y ¡Qué debut! con una película que explora el crecimiento de un adolescente (lo que en inglés se denomina coming of age) y sus primeros flirteos con el amor en esas típicas relaciones de verano, fuera de casa...La película, rodada en 16mm es una de aquellas películas que se cimenta en su buen hacer para transmitir una sentimiento, más que una historia que viene a cambiar el séptimo arte. 

Es difícil describir Falcon Lake con palabras. Principalmente, porque la obra de Charlotte le Bon prescinde de ellas en numerosas ocasiones, prefiriendo optar por silencios. Pero no se asusten, la obra no se trata de una de aquellas pedanterías en las que se deja al espectador de lado, sino todo lo contrario. Al margen del elemento fantástico final, lo que cuenta el guion basado en la obra de Bastien Vives es algo muy cercano a la gran mayoría de la audiencia. 

Lo que pretende la película, es transmitir aquel primer amor romántico de verano, que todo adolescente ha tenido o ha soñado con tener. Y es que en verano, tal y como transcurre en la película, muchas veces se juntan generaciones diferentes, en las que normalmente grupos que en la ciudad se quedarían al margen, se arrejuntan y se acaban haciendo cosas antes de tiempo (como beber u otras cosas que los lectores ya se pueden imaginar). Así, el personaje que interpreta Joseph Engel de unos 13 años de edad, conoce al que interpreta Sara Monpetit de unos 16 y quien acostumbra a rodearse de unas compañías más adultas. La película nos cuenta el enamoramiento del joven chico, que apenas empieza a descubrir su cuerpo, por una adolescente que en principio lo ve como un simple amigo. 

La película es una obra mágica. Algunos críticos la han denominado como de realismo mágico, aunque en realidad considero ese adjetivo desafortunado (exceptuando el comentado final, el resto de la película es una obra que no toca en ningún momento el fantástico). La película, en la gran mayoría del metraje consigue contarnos algo mágico pero humano, que todos hemos podido vivir. ¿Cuál es la fórmula del éxito?

Charlotte le Bon se sirve de numerosos recursos para contar una historia que conoce a la perfección, seguramente porque la ha vivido. La fotografía de la película va en perfección con esa atmósfera que coquetea con lo sobrenatural (el guion se apoya en una iconografía sobre el fantasma más tradicional, del sayo blanco) con tonos muy particulares, rosas cuando salen los dos protagonistas de la casa, y oscuros cuando están dentro de esta (creando un gran contraste entre ambos mundos).

También tenemos una gran composición de planos en los que se apoya la directora. Son destacables aquellos en los que se deja la cámara estática y con una gran amplitud de campo somos testigos de los dos protagonistas inmersos en esa particular naturaleza (que es prácticamente un personaje en sí mismo). La química entre ellos es otro pilar imprescindible para que la película fluya tan bien. 

Conclusión

Falcon Lake es una pequeña maravilla que augura una trayectoria próspera para su directora, Charlotte de Bon, quien debuta con esta opera prima. Una película de imágenes más que palabras, en la que es muy fácil que el espectador se pueda sentir identificado, transportándose a su adolescencia. 

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Háblame (2022) se trata de probablemente el nuevo boom veraniego del cine de terror, una película australiana que se realizó el año pasado pero que A24 distribuye ahora, seguramente viendo el potencial de la película. La obra, dirigida por los hermanos Philippou (Danny y Michael), se enmarca dentro de este subgénero del terror, que salió a rebufo de It Follows (2014). 
Inevitablemente tenemos que hablar de It Follows de David Gordon Mitchell. La película presentaba un mundo partido generacionalmente, donde los adolescentes copaban totalmente la pantalla. Pero a diferencia de películas Slasher, los jóvenes no eran unos tarugos cualquiera, sino que tenían un desarrollo psicológico bastante profundo, demostrando que tenían una dimensión humana.

Para aderezarlo, teníamos una maldición sobrenatural, que perseguía a nuestros protagonistas y solo exclusivamente a ellos. Es decir, la incomprensión adolescente o juvenil, alcanzaba una nueva dimensión, que se cristalizaba en este nuevo terror (nadie fuera de estos personajes entendía por lo que estaban pasando). Esa maldición venía por la ruptura de un tabú (en It Follows el sexo), mientras que en Háblame la ley incumplida es la obediencia a la autoridad paternal (hacer caso omiso a las palabras de la madre). Por esa desobediencia, los jóvenes son "castigados". 

A tenor de It Follows, surgieron nuevas películas que intentaron seguir o emular dicha fórmula. Podemos citar Truth or Dare o Smile, donde también nos encontrábamos con una serie de protagonistas quienes solo ellos tenían la maldición bajo sus hombros.

En realidad, la mano con la que los protagonistas contactan con entidades, no deja de ser un trasunto de Ouija. Inteligentemente, el guion de la película no revela demasiado sobre ella, convirtiéndose en un puro Macguffin (de hecho, hay que firmar un pacto de ficcionalidad bastante fuerte para creerse la película, algo que con una ouija quizá ya no habría funcionado por ser un recurso demasiado visto). A partir de ahí, nos volvemos a encontrar con una "maldición" en la que nuestros protagonistas se ven expuestos. La película explora muy bien el terreno psicológico de nuestros protagonistas, haciéndolos "reales. Sentimos empatía por la diferencia de carácteres, desde al apocado adolescente Riley hasta la problemática Mia, quien carga con una tragedia familiar a sus espaldas.

Si algo diferencia la película de otras producciones más rutinarias como la obra producida por la Blumhouse Truth or Dare es precisamente por su apartado técnico. Háblame cuenta con escenas de gran nivel, especialmente aquellas en las que el mundo sobrenatural se entremezcla con el nuestro. Más específicamente, hay una secuencia que recuerda al mejor James Wan en Insidious, cuando el personaje de Mia entra en una dimensión que podríamos calificar como postmortem (pero claro, los directores del filme cuentan con un presupuesto más exiguo). También podemos citar algunos planos estéticamente cuidados, que denotan la planificación de los directores y las intenciones de crear un producto estético y con una cuidada forma. 

Conclusión

Háblame no es quizá la gran película de terror que estaban vendiendo desde la precampaña publicitaria, pero si un entretenimiento profundo e inteligente que servirá tanto para ensalzar la carrera de los dos jóvenes hermanos australianos como para llenar numerosas salas de cine en agosto.

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Showgirls (1995) fue el rotundo fracaso de taquilla de Paul Verhoeven (Benedetta). La película por la cual el director prácticamente recogió su petate y decidió volver a trabajar en Europa. Ahora bien, ¿Es una mala película? Con el paso del tiempo, no somos pocos los que pensamos que el director holandés supo engañar a todo el mundo (incluido el estudio que produjo una película R con un gran presupuesto) y plasmar la hipocresía moral de Hollywood y de cierto sector americano en una película tan bizarra como adictiva.


Solo ha sido en los últimos años, cuando entre el público y ciertos críticos se ha venido recuperando la memoria de Showgirls. En el momento de su estreno, la película fue absolutamente vilipendiada, especialmente por los sectores más conservadores, que veían en la película una serie de excesos eróticos sin ningún trasfondo. Como decía Rigoberta, a algunos les dan miedo nuestras tetas.

Lo cierto, es que Paul Verhoeven siempre ha sido un director de excesos. Y lo que dice mucho de la audiencia norteamericana, es el hecho de que en las anteriores películas del director holandés, como Robocop o Desafío Total, había también un claro exceso del uso de la violencia. Sin embargo, dichas películas nunca molestaron ni a la audiencia ni a la crítica. La moral puritana podía permitir la sangre, pero no los pechos.




Showgirls es una película simple, burda y en muchos momentos absurda, y a la vez, el guion de Joe Eszterhas demuestra tener grandes dosis de profundidad. Showgirls arranca y termina con una secuencia en espejo, que se retroalimenta. El mensaje de la película, rebozado entre decenas de pechos viene a decirnos lo que las grandes historias del cine clásico ya nos contaban. Esto es: Para llegar a lo más alto, tienes que ser una persona sin moral, capaz de escalar de la manera más cruel y sin importar cuántos cadáveres dejes por el camino.

Elizabeth Berkley interpreta a una chica joven que simplemente desea triunfar. Una chica sin pasado, de la que no conocemos casi nada, más allá de que parece tener un pasado un poco turbio (como si fuera un personaje de Clint Eastwood en una película de Sergio Leone). La interpretación hiperbólica de la actriz está totalmente buscada y va en consecuencia con el tono de la película. Desafortunadamente para ella, el público no fue capaz de ver lo exagerado de todo el asunto, y pensó simplemente que se trataba de una actriz histriónica.

El guion no es sutil explicando el poso ideológico de Showgirls, pero parece claro que tanto el director como el guionista pretendían tirar a la cara al espectador, así como a toda la sociedad hipócrita de Hollywood, todo aquello que en los años noventa se estaba cocinando y que terminaría desembocando en la sociedad hipersexualidad de hoy. Y sin embargo, Showgirls es una película en la que la sexualidad es tan Verhovevianamente exagerada, en la que todo resulta tan artificial, que es difícil sentir un mínimo de pasión ante lo que está sucediendo.

Estéticamente, Showgirls no puede ser menos personalista. Paul Verhoeven despliega muchos troppos que son parte de su cine. Así tenemos las grandes coreografías como aquel cine babilónico de los años veinte, especialmente en los momentos de baile. Por supuesto, una puesta en escena con cámara en mano que solo es propia de un director con un gran talento y que brilla especialmente en los momentos en los que hay "Show", adentrándose en los vestuarios y mostrándonos desde las entrañas como funciona el Starsystem de las Vegas

Showgirls no es quizá la mejor película de uno de los grandes directores del siglo XX, pero desde luego no es aquel desastre que quisieron hacernos ver. Se trata de una película arrolladora que simplemente tocó algunos temas que la moral norteamericana no estaba preparada para afrontar. Afortunadamente, con el paso del tiempo ha conseguido ganarse ese status de película de culto de la cual gozan muchas otras películas del cineasta holandés.


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