La historia de una familia en la Texas de los años 50 sirve de excusa para explorar desde una perspectiva filosófica el sentido de la vida como si de un cuadro impresionista se tratara. Mr. O'Brien, interpretado por Brad Pitt encarna la figura del padre autoritario y religioso que prepara a sus hijos para que se enfrenten a un mundo en el que sobrevive el más fuerte; Mrs. O’Brien, papel que interpreta de manera soberbia y sin casi diálogos Jessica Chastain, es la gracia, la belleza y la ingenuidad personificada, la que tratará de dar una educación basada en el amor. Una de sus escasas frases deja muy claro su papel:

"The only way to be happy is to love. Unless you love, your life will flash by"

Quien nos guiará en toda la historia será la voz en off de Jack, el hijo mayor, que en su etapa adulta es interpretado por Sean Penn.

El árbol de la vida es una de las películas más ambiciosas de la historia del cine en cuanto a su exploración visual de algunas preguntas metafísicas tales como: ¿quiénes somos?, ¿de donde venimos?, ¿cuál es la relación del hombre con la naturaleza?. La narrativa deja paso a una estructura poética en la que la imagen por si sola trata de dar significado al mensaje.

Estamos ante una película arriesgada que depende del prisma a través del cual se mire puede ser considerado en ocasiones ridícula o grandiosa. Lo que no cabe duda es que se trata de una nueva forma de describir el universo a través del estilo particular de Terence Malick.

La exquisita fotografía de Emmanuel Lubezki es inmejorable y nos deja pensando quien mejor que él podría hacer un retrato estilo polaroid de nuestras vacaciones familiares. Como puntos débiles quizá la excesiva duración de uno de los episodios de la película que parece extraído de un documental de la BBC sobre el cosmos, aunque se encuentre justificado por el planteamiento panteísta de su autor, y el papel recortado al máximo de Sean Penn cuyo enfado tras ver el montaje final encuentro justificado.

El árbol de la vida es una película magnifica en su retrato de la familia, inclasificable por su forma poética, y que sin embargo peca por su grandilocuencia y sectarismo intelectual.

Jacques Demy (Pontchâteau,1931-París,1990) fue una rara avis dentro de lo que fue la La Nouvelle Vague y quizás uno de los pocos directores europeos que se haya atrevido a enfrentarse a la tarea de crear un musical de autoría partiendo de los referentes hollywoodienses. Los Paraguas de Cherburgo (1964), quizás su película más famosa y que empujo la carrera de una joven y bella Catherine Deneuve es ante todo de valorar por su valentía en las forma y el estilo, aunque se califique a la película de comercial, que por otro lado lo es.

Valiente porque estamos ante la primera película musical en la que todos y cada uno de los diálogos son cantados, y al principio cuanto menos choca; y porque hace un uso estilístico del color poco usual para la época.

A destacar una Catherine Deneuve de la que es muy fácil enamorarse y el factor por el cual aunque es una historia romántica, y para más de uno rozará el extremo de la cursilería, esconde una faceta de desasosiego magnificamente conducida por la batuta del gran compositor Michel Legrand que hace de su música un inmejorable hilo conductor de la historia.


Uno de los puntos destacados de la película es la maravillosa utilización de colores vivos y saturados puesto que junto a la música reafirma cada sentimiento y se muestra como una razón más de la propuesta innovadora de Jacques Demy. También añade simbolismo a cada pasaje como cuando vemos a Geneviève junto a la ventana leyendo una carta que le ha enviado Guy; ella vestida de blanco, cortinas blancas, lazo blanco en el pelo, nevando en el exterior, todavía esta viva la esperanza de un reencuentro y una vida feliz en común. Ese mismo lazo será negro en la última escena de la película cuando el destino, uno de los temas recurrentes de Jacques Demy, haya separado los caminos de los dos personajes. La película fue rodada en Eastmancolor lo que hizo que con el paso de los años las cualidades del color se fueran perdiendo. La mujer del realizador, Agnès Varda, coordinó la restauración de la película a partir de negativos que se tenían archivados.

Sería bueno vaciarse de prejuicios ante un film innovador que supuso una bocanada de aire fresco para el cine de la época y que aunque con claras influencias del musical de Hollywod, se puede considerar plenamente europeo.

Francis Ford Coppola dirigió una gran película que fue víctima de un tipo de mala suerte que para si quisieran muchos directores de cine: estrenarla después de El Padrino y justo antes del lanzamiento de El Padrino II.

En cierta forma es normal que The Conversation (1974) quedara eclipsada por la considerada una de las mejores películas de la historia y que para una gran parte del gran público este todavía por descubrir, aunque ganara la Palma de Oro en Cannes.

The Conversation es un viaje al mundo interior de Harry Caul, un experto en sistemas de escucha y vigilancia que trabaja tanto para clientes privados como gubernamentales y que gracias a sus conocimientos es envidiado en el sector. El personaje es interpretado de manera sobresaliente por Gene Hackman y cuesta entender que no estuviera nominado en la categoría de actor principal ni en el festival de Cannes ni en Los Oscars, aunque en el primero de ellos es verdad que competía con pesos pesados como Jack Lemmon, Al Pacino o Marlon Brando…casi nada.

Desde el primer movimiento de cámara nos introducimos directamente en lo que será el leit motiv de la película. El director de una empresa privada contrata los servicios de Harry para seguir a su mujer y a un joven que parece ser su amante, y registrar la conversación que mantienen en una cita que tiene lugar en Union Square en San Francisco.

El primer movimiento de cámara hace un acercamiento progresivo desde un plano general tomado desde la azotea de un edificio hasta Harry merodeando por la plaza para comprobar que el plan sale según lo previsto. Desde fuera de plano llegan sonidos de interferencias; todavía el espectador no es consciente del tema de la película pero estos efectos son la primera prueba de lo que seguirá en adelante.

Y lo que sigue es un camino hacía el interior de Harry y sus conflictos morales. A tenor de la grabación a la joven pareja parece que sus vidas corren peligro si las cintas llegan a manos del director de la empresa. Harry sigue enfrentándose a un pasado en el que como consecuencia de su trabajo hay gente que ha perdido su vida y esta nueva situación no hace más que introducirle en una espiral de consecuencias inesperadas. Tan sólo los momentos de soledad en su casa, tocando el saxofón mientras escucha discos de jazz parecen distanciarle de la realidad.

The Conversation es una película que desde el primer momento nos sitúa en un contexto de intriga y que si algo hace bien es jugar con el espectador a partir de las expectativas y presunciones que en un primer momento pueden hacerse a partir de los acontecimientos. El contenido de las palabras grabadas en la conversación y la experiencia de Harry nos hacen creer que los acontecimientos van en una línea cuando en realidad la película prepara un giro inesperado en el que la paranoia de nos llevara en ocasiones a paisajes oníricos. Muchas veces la imagen y la palabra nos pueden jugar una mala pasada si no las analizamos desde diferentes puntos de vista.

Otac na sluzbenom hutu (Papá esta en viaje de negocios) nos sitúa en Sarajevo a comienzos de 1.950 para hacer una revisión crítica del gobierno comunista del Mariscal Tito que por esa época se encontraba enfrentado al modelo socialista del régimen de Stalin. La Kominform (Oficina de Información de los Partidos Comunistas y Obreros) criticó abiertamente la política de Tito por no seguir la ortodoxia y las guías marcadas por Rusia.

El hilo argumental gira entorno a lo que se podría entender como una anécdota: Mehmed Mesa (Miki Manojlovic), padre de Malik, regresa de Zagreb a Sarajevo en tren con su amante y en un momento dado se le ocurre hacer un comentario crítico del gobierno de Tito en relación con una viñeta satírica publicada en el periódico. Su amante, enfadada con él por no pedir el divorcio a su esposa, contará este hecho a Zeja, el cuñado de Mesa, el cual trabaja como oficial del aparato de Seguridad del Estado. Esto provocará que el mismo día en el que sus dos hijos van a ser circuncidados por el rito ortodoxo, Mesa sea trasladado primero a un campo de trabajos forzosos en las minas de Lipnica, y después a un proceso de “resocialización” en una planta hidroeléctrica a orillas del río Drina. La película nos muestra que la simpatía con la doctrina de Stalin era severamente castigada y nos da ejemplos de ello mediante comentarios llevados a cabo por Malik:

"retiramos todos los cuadros de Stalin de casa, lo reconocíamos por su bigote"


Al igual que la mayoría de las películas de Emir Kusturica el drama se va combinando con pinceladas de humor a través de unos personajes que llegan muy bien al espectador, es el caso de la escena en la que Malik tratará de interrumpir los arrebatos sexuales de su padre cuando junto a su madre visita a éste en el campo de prisioneros y tienen que dormir los tres en una minúscula habitación. Otras escenas son más descriptivas y muestran los eventos creados por el régimen socialista de Tito para ensalzar a la patria de la gran familia de los pueblos libres y creativos, como el momento en el que podemos ver a la primera mujer del ejercito de aviación que se pondrá a los mandos de un avión Jagreb.

Emir Kusturika, además de mostrarnos la situación política y el sentir de una parte de la población Yugoslava durante tiempos de postguerra nos introduce en el mágico mundo de un niño que va camino de descubrir a su primer amor y también su primera perdida. Malik, quizás no sea el mejor personaje infantil que hayamos visto en pantalla pero es un guía excepcional de esta historia que nos muestra el folklore, sentimientos, virtudes, y miserias de una familia corriente en tiempos difíciles. Muy recomendable.

¿Qué diferencias existen entre el cine y la experiencia de vivir la vida de otras personas a través de sus ojos?, ¿qué implicaciones supondría el que nos pudiéramos desconectar momentáneamente de nuestras vidas para vivir la de otros?, ¿por qué el voyeurismo supone un atractivo tan grande para el mercado?, son preguntas que se desprenden de la historia futurista y pre-apocalíptica de Días Extraños.

Lenny Nero (Ralph Fiennes) es un antiguo oficial de L.A.P.D. (Los Angeles Police Department) que fue expulsado del cuerpo y ahora se dedica a traficar con discos que contienen fragmentos de vidas ajenas. Los protagonistas utilizan la tecnología SQUID, mediante membranas conectadas a la cabeza, para grabar las señales neuronales que luego serán almacenadas en los discos que vende Nero en el mercado negro.

La ciudad de Los Angeles se encuentra a las puertas del año 2.000 sumida en el caos y la violencia, en medio de conflictos raciales, violencia policial, y un sistema que esta a punto de explotar. Lenny Nero pasa los días reviviendo mediante los discos experiencias (virtuales) pasadas junto a su expareja Faith (Juliette Lewis) que lo abandonó para iniciar una relación con Philo Gant (Michael Wincott), empresario del sector musical para quien trabaja Jericho One, una estrella de la comunidad afroamericana que lucha contra los abusos de poder y que será asesinado por dos policías corruptos, quedando grabada la experiencia en un disco mediante el sistema SQUAD que Iris, amiga de Nero, llevaba oculto en su cabeza.

Desde un principio Nero rechaza comercializar cintas que contengan muertes, pero pronto empieza a recibir de un remitente anónimo grabaciones que contienen snuff movies, empezando por la muerte y violación de su amiga Iris. Ante el peligro que corren personas de su entorno y con la ayuda de Mace (Angela Basset), que oculta su amor hacía él en secreto, se involucrará en el peligroso trabajo de buscar la verdad y salvar la vida de Faith.

La película nos hace reflexionar sobre varios temas de interés a partir de un antihéroe del futuro, en un gran papel de Ralph Fiennes, un perdedor que pasa su vida en los suburbios de Los Angeles traficando con experiencias e incapaz de vivir el presente en cuanto todavía añora su vida pasada junto a Faith. Sin embargo, su papel sufrirá una evolución hacía lo que será su propia salvación mediante la ruptura con ese pasado que no le deja experimentar su propia vida.

Clasificada como una mezcla de géneros que van desde el Film Noir a la Ciencia Ficción, Días Extraños es una película visionaria con un gran manejo de los tiempos, y que no nos deja respirar un segundo. El montaje de Howard Smith es excepcional y algunas escenas nos hacen sentir que somos nosotros mismos quienes en primera persona estamos viviendo escenas demenciales y depravadas.