Hace mucho tiempo que Roman Polanski está incuestionable considerado como uno de los grandes directores del cine. Uno de esos poquísimos directores vivos que son simultaneamente, mayoritarios y "de culto".Además, Polanski es imprevisiblemente variado al elegir sus películas, tanto que algunas de ellas (p.e. Oliver Twist) parecen resultar innecesarias. "Un dios salvaje" es una pequeña joyita que le mantiene en ese nivel muy alto.
"Un dios salvaje" es una obra de teatro, de Yasmina Reza que lleva ya algunos años interpretandose en distintos teatro del mundo. Ahora ha llegado Polanski con todos sus medios y sabiduria para hacer cine; y la ha filmado. Es teatro filmado; con un enorme pulso e inteligencia.
El primer gran éxito del film es la selección y dirección de actores, así como la definición de los personajes. Polanski sabe sacar el máximo de los cuatros grandes actores, los pone a cada uno en su lugar. Y ellos lo hacen todo. Sería dificil destacar alguno: Quiza Jodie Foster, en una de sus mejores interpretaciones.
El argumento es simple a rabiar. Dos parejas se reunen en el domicilio de una de ellas para tratar "rápidamente" un asunto banal. Sin embargo, la conversación se complica, se acidifica; y van saliendo a flote los caracteres más íntimos de cada uno de ellos. Aparecen los egos, fuertemente instalados, las fustraciones, los traumas, los resentimientos, los odios.......Resentimientos personales; y también resentimientos de clase................llegándose a la destruccion de esos egos, a veces disimuladamente, a veces cruel. De alguna manera, la película parece "pelar" la última o últimas capas de cebolla de la hipócrita sociedad actual.
Se producen así una serie de situaciones, a veces serias, a veces tremendamente cómicas, que hacen que el film sea estupéndamente divertido.
Y para finalizar, destaquemos el omnipresente dominio del medio del Polanski. Sus películas, casi todas, parecen fáciles, sin apenas flashbaks, ni trucos, pero decididas, directas, impecables.
Casi octogenario (79 añps), Polanski sigue en forma

El venerado director ruso Andrei Tarkovski solo hizó 8 largometrajes. Murió a los 54 años. Cine para minorías, carne para cinéfilos, material para cine forums, muchas páginas en revistas especializadas.. "No he entendido nada" dice el muchacho que sale del cine. El cinéfilo de la cuadrilla se da ciertas ínfulas y con palabras algo rebuscadas, algo explica.
Dos son las caraterísticas fundamentales que se repiten en todas las películas del director:
- Larguísimos planos secuencia (repetímos: larguísimos) en los que con lentos movimientos de cámara se no presenta la belleza, belleza ligada al argumento a veces, belleza pura, otras veces. Algunas secuencias mantienen conversaciones dentro de plano, otras fuera de plano; y otras, las más, no cobijan conversación alguna, si acaso los ruidos de la naturaleza, el viento y sobre el agua, esos riachuelos que fluyen mansa y relajadamente. Parece que Tarkovsky nos invita a hacer un alto en el camino y a dejarnos llevar por los sentimientos más puros y extraños, a la vez.
- Argumentos cargados de simbologías, rebuscados, introspectivos, aparentemente incoherentres, que nos cuentan historias del alma, nunca o casi nunca, del cuerpo.
Stanley Kubrick, a una cierta distancia, podría ser el parangon de la primera característica. Ingmar Bergman, a menos distancia puede ser el parangon de la segunda caractersítica.
Pero, en realidad Tarkovsky no se asdcribió a ninguna corriente cinemátográfica. Opuesto a los cánones de la narrativa tradicional, vagó solo por mundo, buscando sobre todo, esa espectacular belleza relajada, esa grandiosidad de imágenes, esas manifestaciones cuasi ininteligibles relacionadas con la existencia humana, esa simbología que empapa todas sus películas de principio a fin.
SACRIFICIO, su último film, es fiel a todo lo expresado. Los personajes se hacen preguntas, continuamente, sobre el porqué de las cosas, sobre una supuesta Ley Universal perfecta, el poder de la voluntad...Y transmiten un evidente pesimismo por la civilización. Es especialmente entrañable cuando el padre le cuenta al hijo cómo habían encontrado aquel paraje perdido para instalarse y vivir. " Veníamos por aquí en coche tu madre y yo, llovía; y de pronto cesó y salió el sol. En ese momento supimos que este era nuestro sitio para siempre". En otro momento, el protagonista Alexander se pregunta si su vida ha sido un fracaso; y se contesta que no, que ha tenido un hijo que tiene ese maravilloso hijo.
Como hemos dicho los simpolismos en imagenes y palabras son la esencia de la pielícula. Un de las mejores escenas es aquella en la que la señora de la casa le manda a la criada que despierte al niño; y esta se niega. Parece que mientras pueda, le quiere evitar los horrores de la vida, de la guerra.
Dejamos para el final los personajes de Otto, extraño hilo conductor de todo el relato; y de la bruja María, que haciendo el amor con Alexander, le redime; y luego este redime al mundo quemando su propia casa.

" Esto es agua nieve, esto no cuaja"
La belleza eleva el espíritu, el arte es belleza, y el buen cine es arte.
Fellini deslumbra en "Amarcord". Absoluta brillantez formal al servicio de una historia de base costumbrista (Fellini bebió del neorrealismo) con muchos elementos oníricos, surrealistas, atemporales.
Un año en la vida de un pueblo de Italia en los años 30s. La vida cotidiana y los deseos y fustraciones de sus habitantes. Casi todos sueñan con algo diferente, con el triunfo, el amor, el lujo, otra vida..
Algunas escenas destacables:
- La hoguera en la plaza del pueblo
- La entrada triunfal de los fascistas y su acogida.
- El hermano loco subido a un árbol (¡Quiero una mujer!) y su rescate por una monja enana.
- Los chavales bailando en la entrada del Gran Hotel. Poesía en la niebla.
- Los pechos de la estanquera
- La gran nevada.
La música de Nino Rota ayuda a conseguir el clima nostálgico, lírico y onírico del film.
"Amarcord" es una mirada imaginativa, rica y amplia a los recuerdos de su autor.
Analiza con acierto el "alma" del pueblo italiano, algo perezoso, conformista, nostálgico.
En muchas ocasiones el mundo fluye por sí mismo al ritmo de la música de Nino Rota.
El triunfo de la estética, del arte, del dominio abrumador del medio cinemátográfico.
Y muy divertida.

- Unos fabricantes de bragas comestibles.
- Un viejo cura que hace milagros y levita
- Un diputado en extrema huelga de hambre por las injusticias del mundo y el maltrato a los animales
- Una "medium" que graba frases dichas por los muertos
- El joven que se va a casar con una anciana
- Un transexual cuya obsesión es hacer felices a los presos
- 24 enanos. Los minibailarines.
- Una vaca con 12 ubres
- Un mafioso esposado y vigilado
- Una mujer heróica a la que han privado de su televisor durante dos meses.
- Un almirante viejo y sordo, héroe de guerra.
- Dobles de Clark Gable, Brigitte Bardot y otros
- Una vieja pareja de bailarines separados hace 30 años que vuelven a actuar juntos. Ginger y Fred.
Todos estos y algunos más constituyen el universo felliniano en la magnífica "Ginger&Fred". Personajes grotescos salidos del mundo onírico y surrealista del genial director.
El film pertenece ya a la última etapa del director, etapa en la que según la crítica dominante, Fellini se alejó de la crítica y del público.
Sin embargo "Ginger& Fred" no está muy lejos de la calidad de "Amarcord," "Ocho y medio" o "La dolce vita". Y es una de las películas que mejor transmite la esencia de este enorme creador.
Todos los personajes citados son reunidos por la televisión italiana para un cutre y esperpéntico programa navideño. Todos los tipos imaginables, la parada de los monstruos..
La película es una despiada crítica coral de la sociedad italiana, consumista, corrupta, insustancial. El personaje de Fulvio Lombardini, magnate de la televisión y multiples negocios, es ni más ni menos que Silvio Berlusconi, todavía hoy ¡primer ministro italiano!´La televisión es omnipresente en esa italia decadente.
Además, a través de la pareja protagonista (excelente Giuleta Masina, inconmensurable Marcelo Mastroianni, en una de las mejores interpretaciones de su carrera) analiza profundamente los sentimientos personales, las ilusiones y las fustraciones. Ella acude a la cita televisiva por un cierto orgullo de su pasado, para que la vean sus nietos; corre un riesgo, lo sabe, pero lo afronta. Él, perdido en el mundo acude exclusivamente por el miserable dinero que les van a dar. Entrañable visión de la vejez, nostalgia y añoranza de un pasado que siempre fue mejor.
Como en todas las películas de Fellini, la música es un punto fuerte. Desde los títulos de crédito. Música que rememora el circo, el mundo del espectáculo, que alegra y entristece, tragicómica.
El baile final de Ginger y Fred es el mejor momento de la película y uno de los grandísimos momentos del cine italiano. A la vez decadente y emocionente, grotesco y conmovedor. Mastroianni, único e irrepetible.
Quizá no estemos ante el mejor Fellini, pero estamos ante un gran Fellini, un Fellini en ebullición que quiere contarnos todo, expresarnos todos sus sentimientos. Un regalo para el gran cine.

Me voy a permitir empezar con un comentario, un poco bobo. Cuando una película es muy buena o muy mala, la redacción de su crítica es fácil (relatívamente). En el primer caso la crítica se llena de admiraciones (a veces excesivas) que te salen del alma; en el segundo caso, la enumeración de defectos o limitaciones resulta también fácil; y te reconforta. La crítica más dificil es la de una película regular, aceptable, ni muy buena, ni mala. Ese es el caso de "Mientras duermes".
Jaume Balagueró se ha asentado, parece que definitívamente, en el cine de terror. Y hay que reconocer que lo hace bien. Sus películas están claramente por encima de la media del género, pero distan bastante de ser obras de arte.
Todas (casi todas) sus películas son de terror, pero los planteamientos son muy variados. Ello es un aliciente de su cine, sin duda. Por ejemplo, "Darkness" (2002) es una película muy al uso, muy efectista, con muchos medios...."REC" (2009) es realmente novedosa, un hallazgo, filmada como si de un reportaje en directo se tratara. "Mientras duermes" se sitúa por calidad y merito, por encima de "Darkness" pero por debajo de "REC" (la 1ª REC).
Digamos que las interpretaciones son realmente buenas, Marta Etura, Alberto San Juan y Luis Tosar resultan convincentes en sus papeles. No es la mejor interpretación de Tosar, pero es buena. Un punto fuerte del film.
La película es lenta, relajada, meticulosa, detallista. Solo una vez hace uso de la técnica del "susto". Y tiene un ambiente propio, diría.....español, genuinamente español. Técnicamente, casi perfecta.
La historia, no excesivamente novedosa, tiene su "aquel". El hombre solitario, con traumas, necesitado de venganza, poseedor de un amor que no es suyo, celoso. El interés, el ritmo, la inquietud, se mantienen bien. A veces parece que va a decaer, pero se recupera.
Pero nos quedamos con el sabor de que la historía da para más. Se podía haber sacado más partido. No es una película fallida. Tampoco brillante.