Película compleja sobre intimidades sencillas a las que no se suele prestar atención porque incomodan o molestan.
Bien estructurada, elegante, emocional e introspectiva, W. Allen se adentra -como suele- en las arenas movedizas de la intimidad, de las relaciones personales y de los miedos inconfesos.
Menos fluido y natural que en otras ocasiones da muestras, sin embargo, de una extraordinaria profesionalidad y de un dominio de la escena tan absoluto que le permite superar las encrucijadas con inesperada soltura.
La crisis de los cincuenta parece diferente vista con sus ojos.

De Otra Mujer, me gusta todo:

-La música de Satie, al empezar y como acompañamiento durante la película.
-La fotografía de Sven Nykvist, al más puro estilo Bergman.
-Los diálogos internos de Marion y la sobriedad interpretativa de Gena Rowlands.
-Quiénes realmente somos y vernos reflejados en los ojos de otras personas.
-Las referencias a Rilke y a Brecht.
-La delgada línea que separa la realidad de la ficción, mezclándose irremediablemente.
-El beso con la máscara, representando una vez más la dualidad.
-El diálogo sobre el paso del tiempo en el que Marion por un momento parece estar sola, hablando consigo misma, pero se escucha la voz de Hope (Mia Farrow). "Su otro yo" pensante.
-El pasear, como modo de vida. Como una forma más de respirar. Imprescindible para cualquier escritor, a lo Robert Walser.
-Y sobre todo la vida como introspección. Ese repaso a través del subconsciente de lo que fue y de lo que pudo haber sido.

Mención aparte algunas frases brillantes:

-《A mi edad uno espera haber logrado la inmunidad》
- 《Pues no existe lugar que no te vea. Tienes que cambiar de vida》Perteneciente al poema: El Torso de Apolo arcaico de Rainer Maria Rilke.
- 《¿Qué es lo que la enfurece?
La vida. El universo. La crueldad y la injusticia, el sufrimiento de la humanidad. La enfermedad, el envejecimiento, la muerte》
-《Lleva mucho tiempo fingiendo que toda va bien, pero se ve claramente que está perdida》
-《Supongo que todos pensamos en lo que podía haber sido》
-《Cerré el libro y sentí una extraña mezcla de melancolía y esperanza. Y me pregunté si un recuerdo es algo que se tiene o algo que se ha perdido. Por primera vez en mucho tiempo, me sentí en paz》

En definitiva creo que la memoria es un gran tema siempre abierto a explorar. Una tirana caprichosa que a veces no nos deja descansar.

Volver al cine de Woody Allen es una de las pequeñas grandes cosas por las que merece la pena vivir.

Siguiendo con la filmografía de Allien (con "i"), hoy toca esta. Todo esto ya lo he visto. La película es un marasmo de desgracias y de tristezas, y el cineasta vuelve a usar al público como diván particular. Es una película con una idea arriesgada detrás (enfrentarse a uno mismo), pero se hace monótona y cansina, sobre todo al principio (según transcurre, mejora algo).

La película es bastante lóbrega, y Allien aquí en su particular lenguaje quizás intente por primera vez decir algo, dar un "mensaje". Hay un enfrentarse a sí mismo, y al mismo tiempo parece emerger un mensaje de esperanza y de redención. De "intentar cambiar las cosas".

Sin embargo, parece como si la depresión mental del cineasta tomara toda la cinta desde el minuto uno, y todo aparece como apagado y gris. Sin energía alguna. Quizás si me esforzara moderadamente podría darle un aprobado, pero hoy estoy cansado. La mejor crítica que he encontrado es esta, y resume muy bien mis sentimientos:

"Equilibrada, hermosa y elegante, pero tan muerta como una mariposa encerrada en un bote de cristal (…)".
—Kim Newman: Empire

No es "mala", pero esto es una película cansina y quizás sólo apropiada para mentes muy depres y apagadas que se sientan especialmente identificados con el estado mental del neoyorquino en 1988. No soy uno de ellos, sinceramente.

Por segunda vez consecutiva no coincido con la puntación de la página, es raro porque casi siempre estoy de acuerdo con las puntuaciones, siempre y cuando encajen con el genero que me gusta. Para mi, sin ningún tipo de duda no es ni mucho menos de lo mejor de Woody Allen, es una película muy lineal, apenas tiene momentos para el recuerdo, intenta transmitirnos demasiada tristeza sin llegar a conseguirlo y los flashbacks apenas nos introducen de más en la historia. Película que recomiendo para incondicionales de Woody Allen y poco mas.

Es público y notorio que adoro al Woody Allen (mi intelectual de referencia) de drama muy por encima del Allen cómico. Y aún más lo idolatro cuando decide travestirse de intelectual europeo y dejarse llevar por la inspiración del cine de su autor de referencia (Ingmar Bergman) para crear obras maestras (“Interiores”, “September"). En 1988 presentó en sentido concurrente “Otra mujer”.

Con expresos y confesos ecos de "Fresas salvajes" de Ingmar Bergman, una obra maestra alleniana situada en su filmografía entre “September” y “Delitos y faltas”, o sea, en el mejor momento de madurez dramática del más influyente para mí de los cineastas.

Resueltamente bergmaniana hasta la médula en forma y fondo, es la historia de una mujer que se descubre frustrada aunque aparentemente exitosa al llegar a los 50 años, magistralmente interpretada por Gena Rowlands (que tantas y tan buenas cosas ha significado para el cine). Casada con un triunfador después de haber sido durante años su amante, con una extraordinaria y envidiable relación con la hija de éste, es a su vez la hija favorita de su padre, que siempre la prefirió respecto a su hermano.

Ha alquilado un apartamento para poder escribir su gran novela y, por un extraño fenómeno acústico en las rejillas de ventilación del mismo, comienza a escuchar lo que ocurre en la consulta de un psicoanalista vecino, especialmente llamándole la atención el desgarro interior de una joven embarazada (Mia Farrow).

Todo ello contado magistralmente a través de recursos narrativos propiamente bergmanianos como su presencia actual en flashbacks sobre sus recuerdos o un vívido sueño premonitorio que tiene tras un desagradable e incómodo encuentro con una amiga de la infancia (esa escena más pareciere de Haneke que de Allen, absolutamente sórdida y desagradable, magistral).

Bañada por una fotografía melancólica pero cálida del propio director de fotografía de Bergman (Sven Nykvist), de tonos dorados, como ocurriera en “September”, se beneficia en su languidez nada impostada de una selección musical alejada del habitual jazz para zambullirse en la música clásica.

Una cinta con una voz en off narrativa poderosa (seña de identidad alleniana) y de una profundidad psicológica terrible, de un dolor lacerante ante una depresión inminente, que te encoge el corazón en su apenas hora y cuarto de metraje (adoro esa síntesis de Allen frente a los cineastas actuales que requieren de más de dos horas para contar menos de la mitad de lo que él cuenta en 70 minutos).