La vida de Pablo Escobar, llamado “el rey de la cocaína”, y todo lo relacionado con su imperio de la droga ha proporcionado numeroso material para libros (Matar a Pablo Escobar, de Mark Bowden), televisión (La reciente serie Narcos del canal Netflix) y cine (Escobar: Paraíso Perdido, 2014). En la década de los años 80 el gobierno de los Estados Unidos puso en práctica una serie de estrategias dirigidas a poner freno a todo el flujo de droga que entraba y salía del país. Una de ellas fue introducir agentes infiltrados dentro de la estructura mafiosa del cartel colombiano como nos cuenta Brad Furman en Infiltrado a través del agente de aduanas Robert Mazur interpretado magistralmente por Bryan Cranston, asociado inevitablemente por su papel del antihéroe Walter White en la serie Breaking Bad, como ese inicial padre de familia afable y cordial con cáncer que entra en el lado oscuro, en una espiral de destrucción sin retorno, para convertirse en algo parecido a un psicópata y pasar de honrado químico a cocinero de metanfetamina.

El guión de la película escrito por la madre del director, Ellen Sue Brown, está basado en hechos reales recogidos en el libro escrito por el propio Robert Mazur donde adopta la identidad secreta de Bob Musella, un hombre de negocios con múltiples empresas dispuesto a mover su dinero a través del mundo de la droga. Robert Mazur, a punto de jubilarse, se mete en esta complicada misión asumiendo que será la última para poder disfrutar de su familia, con la finalidad de paralizar una de las organizaciones criminales más notorias en el mundo. Su compañero de viaje y socio en esta operación policial es Emir Abreu, interpretado por el actor colombiano John Leguizamo, agente con una energía irresistible, ama y disfruta con su trabajo, es el contacto con los colombianos y posee un informante dentro. La actriz Diane Kruger interpreta a la policía Kathy Ertz como la pareja y futura esposa de Mazur en la farsa policial, algo inexperta pero con mucha capacidad para la actuación y una gran versatilidad para adaptarse a todo tipo de situaciones complicadas. La química entre ambos es perfecta y la tensión sexual es constante durante toda la misión. Por último, los espectadores españoles reconoceremos rápidamente en el reparto dos caras de nuestro cine patrio, la actriz palentina Elena Anaya ganadora al Premio Goya como Mejor Actriz en la Piel que Habito (2011), en el papel de Gloria Alcaino, la mujer del narcotraficante y brazo derecho de Pablo Escobar, Roberto Alcaino (Benjamín Bratt), y el actor mallorquín Simón Andreu, como el narcotraficante Gonzalo Mora.

Es difícil cuando vemos Infiltrado no acordarnos de Donnie Brasco (Mike Newell, 1997) ya que ambas películas tratan de policías infiltrados dentro de estructuras mafiosas, con familias que deben abandonar y proteger de manera provisional para que no obstaculicen su trabajo, y consiguen ganarse la confianza de la organización criminal e ir escalando poco a poco puestos para poder desarticular toda su estructura. A medida que contemplamos como se desarrolla y fortalece una auténtica relación de amistad entre Roberto Alcaino y Robert Muzar sabemos que éste terminará sintiéndose culpable al tener que traicionar a su nuevo amigo como ya vimos antes a Al Pacino en Donnie Brasco (1997) o a Johnny Depp en Blow (2001). A pesar de que estamos ante una película que no nos ofrece muchas cosas nuevas, que ya hemos visto reiteradas veces y con bastantes escenas predecibles, Brad Furman logra mantener una fuerte intensidad a lo largo de las dos horas que dura la película consiguiendo realizar un thriller tenso y emocionante.

Lo más destacado de la película es observar a dos personalidades tan diferentes y distintas, Mazur y Abreu, como son capaces de encajar y complementarse para formar un equipo perfecto. Esta fórmula de la pareja de policías antagónica obligados a trabajar juntos y que terminan por entenderse es muy típica en el género policiaco y ha dado lugar a importantes duetos como Ryan Gosling y Russell Crowe en la reciente Dos buenos tipos (2016) u otras más clásicas como Denzel Washignton y Ethan Hawke en Training Day (2001) o Michael Douglas y Andy García en Black Rain (1989) entre otras muchas de una gran lista. Pero en Infiltrado hay que destacar por encima de todo la más que sobresaliente actuación de Bryan Cranston como Robert Mazur, un personaje obsesivo pero sin perder nunca la cabeza que sabe exactamente cuando el peligro está acechando en cada esquina, frente la habilidad de Abreu para manejar cualquier situación y adaptarse e integrarse perfectamente a ese estilo de vida del mundo criminal.

Todas mis críticas en:
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La Comunidad de los Corazones Rotos del director Samuel Benchetrit, comedia surrealista sobre 6 seres solitarios unidos por un gran sentimiento de ternura, respeto y compasión.

Sobre tres extrañas parejas y seis personajes insólitos gira la inverosímil e ingeniosa historia que nos cuenta La Comunidad de los Corazones Rotos. La acción se desarrolla en un suburbio a las afueras de París, con viviendas en mal estado y personas viviendo al margen de la sociedad. El director Samuel Benchetrit adapta aquí dos de sus cuentos de Crónicas del Asfalto (Anagrama, 2017), escritos en 2005, y añade uno nuevo, el de una actriz alcohólica (Isabelle Huppert) que acaba de instalarse a un lúgubre edificio cuyo adolescente vecino (Jules Benchetrit) queda fascinado por ella.

Las otras disparatadas parejas son: un perdedor en una silla de ruedas (Gustave Kervern) que flirtea con una afligida enfermera (Valeria Bruni Tedeschi) por las noches en un hospital, y la tercera, la más rocambolesca y surrealista de todas, un astronauta de la NASA (Michael Pitt), cuyo fallido aterrizaje en el interior de una cápsula espacial acaba en la azotea de un viejo edificio, donde será cuidado durante varios días por una solitaria señora argelina (Tassadit Mandi), a la espera de que le vayan a recoger.

La Comunidad de los Corazones Rotos nos recuerda irremediablemente tanto al cine del sueco Roy Andersson (en concreto, a Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia, del 2014), como al del finlandés Aki Kaurismäki, autor de Un hombre sin pasado (2002), debido a las situaciones absurdas planteadas y a los pintorescos personajes que las protagonizan, muy característico en la filmografía de ambos directores, combinado con un toque de fantasía del primero y una gran dosis humanista del segundo.

Tres pequeñas historias relatadas con ingenio, ironía y mucho humanismo, donde aparecen situaciones surrealistas extraídas de la vida cotidiana, tratadas con mucha ternura y sensibilidad, cuyo tema central es la soledad y el paso imparable del tiempo.

CINEMAGAVIA

Con algo de retraso llega a las salas de cine españolas, Hermanos del Viento, una coproducción hispano austriaca codirigida por los directores Otmar Penker y Gerardo Olivares. Su protagonista Manuel Camacho, nominado al Goya a Mejor Actor Revelación en 2010 por su papel en Entrelobos, vuelve a ponerse a las órdenes del director español Gerardo Olivares. El resto del reparto está formado por Jean Reno, Tobias Moretti y Eva Kuen. Esta película familiar sobre la profunda amistad entre un niño y un águila se estrena en cines el 23 de junio.

Un día, mientras la madre águila caza para traer comida a sus polluelos, estos mantienen una fuerte disputa en el nido, con el resultado final de la caída del más débil al suelo del bosque empujado por el otro. El destino quiso que fuera encontrado por Lukas y, así, salvarlo de una muerte segura. Lukas toma el nombre de Abel para el águila al abrir de forma casual la biblia en el célebre pasaje de los dos hermanos. El hilo conductor de la película reside en la profunda amistad existente entre el águila y el niño, cuyas vidas estarán conectadas para siempre.

La historia de Hermanos del Viento, ambientada en los Alpes en la década de los 60, trata sobre un niño llamado Lukas (Manuel Camacho) que vive con su padre (Tobias Moretti) en las montañas, la relación entre ambos es tensa y distante desde que murió la madre de forma desafortunada y, por tal motivo, ambos están traumatizados y apenas hablan entre sí. Lukas está mas conectado con la naturaleza que con su propio padre. A veces, incluso, da la sensación que son enemigos, de hecho el padre considera al águila un competidor y rival directo suyo para conseguir alimentos por lo que será objetivo prioritario para su rifle.

La película está codirigida por el director austriaco Otmar Penker, experimentado en documentales sobre la naturaleza y un especialista en reflejar la vida salvaje de los Alpes, y el director español Gerardo Olivares, cuyo trabajo anterior, Entrelobos, basado en la historia real de un niño en plena conexión con la naturaleza en la época de la posguerra civil española, tiene muchas semejanzas con Hermanos del Viento debido a que comparten mismo actor protagonista, Manuel Camacho, y siguen un mismo patrón temático, la relación del hombre con los animales y la naturaleza. Recientemente, el 13 de abril pasado, se ha estrenado la película El Faro de las Orcas, con la que su director Gerardo Olivares, cierra su trilogía sobre la naturaleza y la infancia.

Antes de nada, es importante mencionar que la relación entre padre e hijo es la parte menos interesante de Hermanos del Viento, de hecho me parece inconsistente, poco creíble y bastante aburrida al principio, y ñoña, cursi y pastelosa al final. Da la sensación de ser una trama de relleno, donde los directores intentan hacer un ridículo paralelismo, que no he terminado de comprender muy bien, entre la historia del niño y el águila con la trama familiar. De alguna forma, parece que el sentimiento de culpa de Lukas provocado por la muerte de su madre, intenta resarcirlo ayudando a Abel para que luche contra su hermano que lo expulsó del nido y recupere su vida salvaje. La figura de Danzer, el guardabosque encarnado por Jean Reno, será esencial en la vida de todos, por un lado actúa como mediador entre Lukas y su padre, en busca de una reconciliación, y por otro, colabora con comida y nociones de superviviencia para salvar al águila.

Lo mejor de Hermanos del Viento es la escasez de diálogos que dan paso a sorprendentes secuencias rodadas de animales interactuando en su hábitat, las espectaculares tomas aéreas donde la cámara sigue la estela del vuelo del águila como si fuera otra ave más, los emocionantes y bellos momentos de Abel en el nido desde su nacimiento hasta que es expulsado por su hermano y las hermosas vistas de los Alpes Nevados. El dicho de una imagen vale más que mil palabras queda magníficamente reflejado en la película con cada aparición de Abel y su familia delante de la cámara, sin hablar, son capaces de transmitirnos tantas emociones y sensaciones, y decirnos tantas cosas……..Una película muy familiar con un bello mensaje sobre la conservación y el respeto por la naturaleza.

Cinemagavia http://cinemagavia.es/critica-pelicula-hermanos-del-viento/

La esperada ganadora de la Concha de Oro a la Mejor Película en el pasado Festival de San Sebastián, Yo no soy Madame Bovary, llega a las salas de cine españolas el próximo viernes 10 de Marzo. La película, dirigida por Feng Xiaogang, asimismo consiguió la Concha de Oro a la Mejor Actriz gracias a la excelente interpretación de Fan Bingbing. Esta sátira sobre la burocracia china es una adaptación de la novela escrita en 2012 por el propio guionista, Liu Zhenyun, basada en un cuento clásico de la literatura china del siglo XVII. Por último, hay que destacar el prestigioso Premio Fipresci conseguido en el pasado Festival de Toronto.

Yo no soy Madame Bovary está basada en un cuento de la literatura china del siglo XVII, en la que una esposa infiel, llamada Pan Jinlian, conspira con su amante para matar a su marido. Este es el origen del nombre “Pan Jinlian”, utilizado en China para descalificar a las “malas” mujeres y esposas. En la película se cuenta la historia satírica de Li Xuelian, una mujer sencilla de pueblo que es acusada de adúltera por su marido. Ella niega la acusación pública hecha por su esposo de ser una mujer “Pan Jinlian”, nombre que coincide con el título original del film, Yo no soy Pan Jinlian; pero en su distribución internacional se ha cambiado por Yo no soy Madame Bovary, en clara referencia al famoso personaje de Gustave Flaubert, porque, al parecer, Madame Bovary, tiene las mismas connotaciones para el público occidental que Pan Jinlian para el público chino, de mujer promiscua.

Feng Xiaogang, director muy famoso en China en los últimos años por sus blockbusters If You Are the One (2008), Aftershock (2010) y Back to 1942 (2012), es también muy conocido por su capacidad para realizar películas en las que mezcla con gran maestría los dramas sociales con un toque de humor, como lo demuestran las sátiras de sus inicios, El Funeral del Jefe (2001) o Cell Phone (2003). Esta última fue todo un éxito en su país, tanto de taquilla como de crítica, al conseguir los prestigiosos premios Chinese Hundred Flowers, con una oscura y cínica sátira sobre los clichés culturales de la sociedad china contemporánea. Esa devoción por la sátira ha sido retomada con su anterior película, Personal Tailor(2013), deliciosa parodia sobre la avaricia y la modernidad económica china, y continuada ahora con Yo no soy Madame Bovary, donde se nos muestra una sátira sobre la burocracia china a través de su protagonista Li Xuelian, una campesina emocionalmente perturbada que se pasa más de diez años luchando en los tribunales de justicia para demostrar su falso divorcio.

Li Xuelian y su marido Qin Yuhe organizan un falso divorcio para conseguir un segundo piso que el gobierno otorga a las personas solteras; sin embargo, seis meses más tarde, Qin se vuelve a casar, según el plan acordado, pero con otra mujer. A partir de ahora, Li Xuelian comienza un largo y duro viaje legal, con su maleta llena de quejas para los tribunales locales, las apelaciones al alcalde, para finalizar el trayecto en Beijing, presentando su caso a los funcionarios del partido. Ella demanda a cada persona que se niega ayudarla, es un dolor y una pesadilla constante para los jefes de distrito, jueces, gobernadores y alcaldes, a los que persigue con carteles reivindicando su lucha, corta el paso de sus coches oficiales obligándolos a salir, espera sentada en la calle delante de sus despachos bajo la atenta mirada de la gente, y aparece de forma puntual en sus conferencias de Beijing.

Feng Xiaogang y su director de fotografía Luo Pan plasman de manera experimental y original este cuento clásico de la literatura china a la gran pantalla, a través de un marco circular que aparece en gran parte del metraje, a lo largo de todas las escenas provinciales y rurales, con la idea de evocar las pinturas de Literati que durante la Dinastía Song eran a menudo paisajes representados en rollos. Cuando la acción se traslada a Beijing, el aspecto de la pantalla cambia a un marco cuadrado. El motivo de encuadrar cada escena en un círculo, según su director, era porque así podía eliminar muchos elementos no deseados de cada escena, y hacer que el público se centrase en los personajes. En un principio, el escritor y guionista Liu Zhenyun estuvo en contra de esta idea porque consideraba que su historia era lo suficientemente potente, para no tener que recurrir a ese tipo de innovaciones visuales. Al final se llegó a un acuerdo, y de ahí la alternancia de las dos maneras, la circular y la cuadrada.

Un aspecto curioso a destacar es la utilización de tambores tipo taiko en algunas escenas, con un sonido solemne y atronador que ayuda a dar más fuerza y consistencia a las imágenes. Estamos ante una interesante película, muy visual, de gran colorido, y con una fabulosa actuación de Fan Bingbing. Se trata de una de las actrices más conocidas del continente asiático, ya ha sido tentada por Hollywood, con apariciones en Iron Man 3 (2013) de Shane Black y X-Men: Días del futuro pasado (2014) de Bryan Singer, y pronto la veremos en el drama fantástico The King´s Daughter (2017) de Sean McNamara. En tono de comedia, Xiaogang hace una crítica social sobre la incompetencia, mediocridad y dejadez de los funcionarios del gobierno, más preocupados en conservar sus puestos de trabajo y sus estatus que en interesarse por los problemas de los ciudadanos a los que representan. Por poner un pero, quizás, sus casi dos horas y cuarto.

CINEMAGAVIA

Este fin de semana nos llega otro estreno proyectado en la sección oficial de la pasada Seminci de Valladolid, Clash, del realizador Mohamed Diab. Además, este segundo largometraje de Diab tras el Cairo, 678 (2010), abrió la prestigiosa sección Una Cierta Mirada del Festival de cine de Cannes 2016. El director egipcio, pasa del acoso sexual del primer film, a los sucesos ocurridos en El Cairo a principios de julio del 2013 después de ser derrocado el presidente islamista Mohamed Morsi, con las calles llenas de gente para celebrar o protestar lo ocurrido. Estreno el 2 de Junio

Cuando Hosni Mubarak es derrocado, se realizan unas elecciones democráticas en Egipto, en las que es elegido como presidente, Mohamed Morsi, líder del partido de los Hermanos Musulmanes. Tras un año en el poder, sin conseguir llevar a cabo muchas de sus promesas electorales y con una fuerte crisis económica generada en gran parte por la caída del turismo y la inversión extrajera (unido al temor de una parte importante de la población al avance del islam, a las preocupaciones de una minoría cristiana y al enfado del ejército por la purga sufrida), el malestar y la desconfianza van en aumento en la sociedad egipcia hasta que la población estalla y sale a la calle. El presidente egipcio lejos de conciliar a todas las partes y apaciguar los ánimos, reacciona blindando sus poderes ante la justicia, lo que acrecienta aún más las reacciones en la calle y las protestas de la oposición que lo tildan de “nuevo faraón”.

El tamaño de la protesta es enorme, más de 14 millones de personas, de los cuales más de doscientas mil se manifiestan en El Cairo. Estamos ante una sociedad al borde de la guerra civil. Las personas que hasta hace poco lucharon juntas para derrocar a Hosni Mubarak ahora están divididas y enfrentadas, llenas de odio y dispuestas a matarse entre sí. En este ambiente alborotado y convulso se sitúa la historia de Clash, rodada prácticamente en su totalidad en el interior de un furgón policial de poco más de ocho metros cuadrados, con una serie de personajes de lo más variopintos detenidos por la policía durante una manifestación. El caos y la locura del exterior se traslada al interior del minúsculo espacio, originando entre los detenidos continuas desavenencias, tensiones y fricciones, lo que conllevará a una serie de agobiantes y claustrofóbicas situaciones a lo largo de todo el recorrido de la furgoneta.

Dentro de la destartalada camioneta policial se encuentran retenidos un grupo diverso de personas formado por periodistas, revolucionarios, partidarios de los Hermanos Musulmanes, defensores del ejército, transeúntes, mujeres y niños sin hogar, uno católico, otros que teóricamente son neutrales, es decir, representan a todo el espectro de la sociedad egipcia y se verán obligados a convivir y ayudarse entre ellos, en condiciones extremas de sed, calor y falta de oxígeno durante muchas horas. Este confinamiento es una poderosa metáfora sobre la polarización beligerante existente en la sociedad contemporánea actual y, en la egipcia en particular, promovida en parte por una inepta e ineficaz clase política que hace oídos sordos a los verdaderos problemas de los ciudadanos . Llevados en un principio por el odio y el rencor, poco a poco se van dando cuenta de que todos son víctimas por igual allí y que, sobre todo, son personas humanas.

El director Mohamed Diab no toma partido por ningún bando e intenta mostrar el lado humano de los personajes atrapados en el furgón, para de esta manera, comprender mejor la ideología y las motivaciones de cada uno de los bandos. La situación originada en el interior del vehículo está llena de ironía, ya que los detenidos en un principio se pelean entre sí para poder salir de allí, y posteriormente se ayudan mutuamente para mantenerse dentro. El viaje se vuelve cada vez más peligroso, aparecen atrapados en plena zona de combate envueltos por gases lacrimógenos, posteriormente se encuentran en linea de fuego por los disparos de un francotirador situado en un edificio próximo, para terminar arrollados por una multitud encolerizada bajo los disparos de punteros láser verdes que atraviesan las ventanas del furgón para convertir una realidad oscura y claustrofóbica en otra de terror apocalíptico.

Muy pocas veces en Clash vemos el exterior del vehículo y el hecho de que no tengamos una imagen clara de lo que está pasando acrecienta la sensación de caos. La perspectiva de la cámara nos introduce en el interior como si fuéramos un detenido más del grupo y consigue transmitir con éxito la claustrofobia experimentada por los personajes. Las únicas imágenes que obtenemos del exterior están restringidas por diminutas ventanas con barrotes. El manejo de cámara en mano de Ahmed Gabr es extraordinario, más si tenemos en cuenta, las dificultades técnicas del rodaje con las que contó provocadas por las limitaciones de espacio y la luz. Los movimientos temblorosos de la cámara y el uso de sonidos ambientales durante la filmación aumenta la sensación de realismo y autenticidad.

El terror, la violencia omnipresente, el miedo a la muerte convierten a Clash en una película extremadamente intensa.
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