*Un documental

A estas alturas sabemos de sobra que a James Cameron le gustan los proyectos ambiciosos más que a Dominic Toretto hablar de la familia. Nadie puede negar su talento ni aportación a la historia del cine, porque icónicas películas como el regreso de Alien (1986) o la segunda parte de Terminator (1991) le avalan. Pero otra cosa es que el director de los grandes presupuestos, eso sí, rentabilizados hasta la saciedad, haya sabido compensar con su nueva saga la inversión en el apartado visual. Sí, en Avatar: El sentido del agua hay mucho dinero metido en CGI. Se nota y no es malo, porque la misma esencia de su narrativa cinematográfica lo requiere. Por eso retrasó la original de 1999 a 2009, y por el mismo motivo 2022 es un buen año para lanzar la secuela.

He tenido la oportunidad, porque lo es, de ver esta cinta varios días antes de su estreno en cines, y confieso que mis previsiones se han cumplido casi al 100%. Y debo iniciar con ese aspecto sobre el que más altas expectativas han recaído, el visual. Es evidente que debía ser así, porque Avatar no falló y esta no podía hacerlo. Algo así como una espada de doble filo en la que un mismo punto puede ser debilidad y también fortaleza. Esto es, a la vez que se alaba la potencia del apartado técnico y la buena inversión de fondos, la obra recibe duros ataques por tener demasiado peso en la narrativa. Es como una paradoja. Es una apuesta necesaria, y cuanto más mejor, pero siempre quedará descompensada con el resto de elementos.

Lo de la nueva película de Cameron en este sentido es demencial, pues llega a límites insospechados y supera, por si fuera poco, a la original. No tiene parangón la barbaridad visual de Avatar: El sentido del agua, la perfecta precisión de los efectos especiales, que no hay pocos, y la complejísima belleza de las imágenes. Es un apoteósico documental de CGI donde como espectador jamás puedes quedar defraudado. Eso sí, si te gustan los documentales. Otra cosa será morir de aburrimiento.

*Una historia

Y aquí viene el problema, se repite de hecho. Al igual que sucedió con la primera cinta sobre los apacibles humanoides de Pandora, en Avatar: El sentido del agua el apartado visual resta poder a una historia más compleja y ambiciosa con la que se pretendía enmendar la simpleza (e infantilismo si me permiten) de la original, es decir, con un argumento de más altura y mejor desarrollado.

Es cierto que se ha notado a un Cameron más alerta, esforzándose por introducir muchos más componentes para hacer de este caldo algo más sabroso y no solo vistoso. Se ha incluido un mayor número de personajes, también relevantes para el devenir del relato, subtramas de interés y variedad de escenarios. Sir ir más lejos, una gran fuerza de la narración son los hijos de Jake y Neytiri, cada cual con su propia construcción integral (cuerpo, mente y espíritu) y autonomía en las decisiones. Esto lo aplaudo.

Sí ha existido esta corrección respecto a Avatar (2009), en muchos sentidos es bastante acertada y goza de la coherencia y la dirección narrativa adecuada que encuentra sentido en su brillante desenlace. La pena llega cuando, sentado en la butaca durante las largas tres horas y cuarto de metraje, llegas a perder de vista la verdadera importancia de esta línea argumental, que no es otra que la de la familia protagonista. Entre tanta reinterpretación de peces, delfines y ballenas de Pandora (porque ahora toca bucear a las profundidades del océano), aparece el peligro de que el público quede embobado con la espectacularidad de los paisajes artificiales. Al menos esa porción de espectadores que no se han dormido ya.

Una lástima porque había mucho potencial y bastante margen de mejora (son más de diez años de trabajo). El comienzo se desarrolla de manera notoria, con la presentación de los nuevos y apasionantes personajes, el sentir de la familia y la idea de pueblo. Con el resurgir de la amenaza este procedimiento sigue igual, pero se estanca demasiado en la explicación del problema. Y, eso sí, el final es apoteósico, con un ritmo acelerado que se entremezcla con grandes dosis de tensión familiar, suspense bélico y epicidad, emociones a raudales, mucha violencia visceral y el clásico reposo por la reconciliación y la mirada al futuro.

*Un mensaje

Una de las críticas más feroces que la cinta original recibió en su momento, dejando de lado la ingenuidad del guion, fue el incisivo adoctrinamiento ecologista. Es verdad que era más por el contexto histórico, uno que nada tiene que ver con el actual. Ahora estamos rodeados de otro tipo de debates a los que dedicar nuestro preciado tiempo. Quizá esta burda apología del director llega tarde, pero no deja de resultar igualmente cansina, una de esas máximas dogmáticas que antaño nadie podía contradecir.

Yo lo hago, más cuando su carga narrativa llega a límites que rozan la obscenidad. Todo Avatar: El sentido del agua es una forzada declaración sobre el ecologismo como religión absoluta. Ya lo fue la primera, pero esta roza mayores extremos de este espiritualismo. Voy más allá, mi sensación durante los 190 minutos ha sido de auténtica angustia observando cómo esta "nueva" raíz moralista me arrebataba toda posibilidad de empatizar con una historia que me apetecía creer.

Sí, mucho efecto especial pero, rascando un poco, una inyección letal de esa especie de gnosticismo naturalista donde la vida del ser humano es un cáncer y no merece ser salvada, porque no casa con la idea del todo que excluye la individualidad, que atenta contra la corriente ideológica que no da cuartel a disidentes, y en esta nueva entrega una cándida versión panteísta donde la única deidad trascendental es la Madre tierra. Pero oye, veamos con buenos ojos que se animalice a la persona humana y se humanice a una ballena, siempre más inteligente, emocional y, atentos a esto, espiritual.
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Escrito por Gabriel Sales Triguero

*Propuesta estética

El primer punto sobre el que se temía era el apartado artístico. Un universo tan amplio y detallado por medio de la animación suponía un verdadero reto para el equipo. Había muchas maneras de afrontarlo pero debido al presupuesto televisivo, considero que la opción tomada fue la más acertada.

La puesta en escena (vestuario, decorados, maquillaje…) es asombrosa. Homenajea perfectamente no solo a la serie original, sino a aquellos referentes que tuvo el anime de los 90 en el proceso de su creación. Puede parecer algo cutre, pero esta es una decisión premeditada que busca alejarse del realismo, para alcanzar el estilo de la antigua ciencia ficción.

Esto quizás se debe a otros live action de Netflix como Full Metal Alchemist o Death Note, fuertemente criticados. Querían escapar de esa sombra y crear algo completamente nuevo que, aunque respetando los elementos de caracterización esenciales, pudiera permitirles innovar y arriesgarse en el diseño de arte.

*Una historia renovada

El principal cambio que presenta esta nueva versión de Cowboy Bebop (2021) es su estructura. La obra original constaba de 26 capítulos de 25 minutos cada uno. Para esta nueva serie se ha optado por el formato más cercano a la televisión convencional con solo 10 capítulos de 45 minutos.

El ejercicio de síntesis por parte de los guionistas ha sido increíble, sumado a un elemento clave, la cohesión. Este punto es por lo que muchas personas reniegan de la serie original. Siendo honestos, de la historia se disfruta el viaje, pero el desarrollo de los personajes, salvo Spike, no tiene ni principio ni final claro.

Dentro del live action, han planteado el conflicto de Vicious desde el comienzo, consiguiendo que toda la serie gire entorno al encuentro fatal entre ambos, incluyendo ambas perspectivas. Esta manera lineal de contar a las cosas es lo más enganchará a los nuevos espectadores, mientras que los anteriores fans podemos disfrutar de una historia casi nueva.

*La misma esencia

Cabe destacar que muchas tramas y fugitivos que cazar son iguales a los planteados en el anime. La diferencia radica en que la trama en líneas generales ha escogido muchos capítulos o planteamientos de estos y les ha dado una vuelta de 180º.

El ejercicio de valentía de no contar con un calco en acción real de cada uno de los capítulos debe ser reconocido. A pesar de las referencias y de mantener la esencia de la serie, nos encontramos ante un producto renovado y sorprendente que cautivará a cualquiera.

Sin ánimo de destripar Cowboy Bebop (2021), algunos cambios sustanciales en los personajes podrán resultar polémicos. A mi personalmente solo consiguieron crearles de una personalidad mucho más profunda que la de ser segundones en la historia de Spike Spiegel.

*Conclusión

El live action de Cowboy Bebop (2021) ha conseguido el equilibrio perfecto para atraer a nuevos fans como para contentar a los antiguos, como es mi caso. Posee los elementos justos para no perder la esencia por la que la serie es un icónico cultural, pero se atreve a innovar para adaptarse al nuevo tipo de publico que ha surgido con las plataformas de streaming.

Recomiendo encarecidamente su visionado, ya que nos transportará a través de un viaje de emociones (y por la galaxia). Entre recompensas y recompensas se forjarán unos profundos vínculos entre los personajes, que huyendo de su pasado, conseguirán una nueva familia como parte de la tripulación del Bebop.

See you, Space Cowboy.

Escrito por Max Reyes Hutinel

*Una forma de vida

Los creadores de contenido se han convertido en una categoría superior. Proliferan en distintos ámbitos llenándonos de reel, directos y #ad nuestras pantallas. Sus temáticas son variadas; juegos, cosmética, emprendimiento... Personas con capacidad de prescripción e influencia las ha habido siempre pero no nos encontrábamos en un mundo tan digitalizado. Isabel Preysler o Nati Abascal han marcado las portadas de los últimos cincuenta años. Sin embargo su época estaba basada en el Hola y no en los viewers. Eso no resta valor al Hola, al contrario, recordemos que uno de los puntos de inflexión de nuestra democracia es cuando las influencers patrias llegaron a la revista del saludo, pasando el filtro que hace falta y que con seguidores solo no basta.

*Menos purpurina

Hay elementos de La vida de Marta Díaz que distorsionan su mensaje, para mí dos sobresalen por encima de todo, Reguilón su novio y Alphasniper, su hermano. El primero de ellos es un futbolista de excelente trayectoria aunque no respaldada por número de partidos. Es un hombre tranquilo del que dudas al inicio y al que terminas entendiendo en el final.

Resulta paradójico que una persona que proviene de un mundo tan cainita y entrometido como el del fútbol, salga escandalizado del mundo de las redes. Tiene que ser difícil convivir con una pareja donde todo es instragrameable, todo es inmortalizable, y todo es grabado y vivido a la vez, nunca por separado.

La otra pata de este taburete cojo es su hermano, también creador de contenido y que esta en la tendencia opuesta que su hermana. Los segmentos de mercado de ambos nunca han estado tan separados. Él con el Lamborghini de un lado para otro de Andorra, y que la parte sentimental que le tiene que aportar queda muy relegada al final y de una manera curiosa. Él que fue el iniciador tendría que ser el hilo conductor, la persona que metió a su hermana en la creación de contenido. Este punto de la familia queda mucho mejor desarrollado en el documental de Dulceida donde se expone mucho mejor a la familia así como el desarrollo de la trayectoria de la catalana desde sus inicios a reinar en las redes.

Para la tercera pata de este taburete, es la monárquica o las malas compañías. Para la fiesta del cumpleaños de Alice Campello (merece un documental) reúne a todo su grupo de amigas, conocidas, compañeras de foto y collabs. Marta esta ahí juntos a otras muchas entre ellas Victoria Federica, mujer de reconocida falta de oficio y mucho beneficio que ahora está en la cresta de la ola por ser creadora de contenido. Esta parte de La vida de Marta Díaz no aporta y no deja ver al núcleo duro de Marta Díaz, o por lo menos no se comportan como núcleo duro. Siempre esta presente ese halo de desconfianza y superficialidad en la relaciones entre ellas, que seguro genera mucho inseguridad y no pocas puñaladas.

*Más bisturí

Tiene muchas lagunas La vida de Marta Díaz. El principal y más doloroso es la errónea selección de los temas a tratar durante la grabación. Otros documentales como el de Tamara Falcó tenían claro su propósito y qué querían contar. Estaba dentro de una temática caótica y cursi pero cumplía su objetivo con gran éxito. Sin embargo Marta, nos deja con la miel en los labios. Dentro de su personalidad y actividad se pasa de puntillas por asuntos que tanto el follower como el espectador medio echarán de menos.

El primero de ellos es su presencia en Cannes, Marta apareció en la costa azul con un vestido hecho por el modisto Lorenzo Caprile que demuestra en el documental aunque no hacia falta porque lo sabe todo el mundo, que es un genio. El documental nos deja ver a cuentagotas el proceso de confección del traje, una belleza en amarillo con una cola interminable. La presencia de Marta en el festival y entendiendo los problemas con la privacidad sabe a poco.

Otra parte muy importante del mundo influencer es el hate, es algo que no se puede obviar y aquí se pasa muy de soslayo. Las influencers, muy mayoritariamente mujeres son las que padecen el estercolero que en ocasiones son las redes sociales. Usuarios que bajo apodos absurdos se dedican a criticar, cosificar y amenazar a mujeres que se sacrifican en la plaza pública cada vez que suben algo de contenido y mucho más cuando abren las boca. Aquí se ve la cosificación de las redes, queremos influencers, pero los queremos callados, sin opinión, no vaya a ser que nos ofendan. En el documental de Dulceida se veía el proceso del juicio contra una acosadora y todo lo que eso le generaba.

*Vendrán más

Marta por ejemplo, con sus problemas de acné ha hecho una tarea extraordinaria para visibilizar esa situación. Esta exposición que por una parte le granjeará comentarios canallas, también la pondrá de ejemplo para niñas con esa u otras situaciones similares. Es una referencia que con su ejemplo guía a muchas niñas. En La vida de Marta Díaz parece más joven y vulnerable de lo que es en redes. La vemos con la ingenuidad propia de su edad y con mostrándonos al final su corazón. Como decía Hovik si no sabes no opines, para vivir lo que viven estas mujeres imagínate levantarte un día y que cientos de personas se metan contigo, critiquen tus inseguridades y juzguen cada paso que des en tu vida. Cuando seas consciente de eso, sabrás de verdad valorarlas.

Este tipo de creaciones han venido para quedarse, como siempre el mercado verá capaz de que cantidad de estos productos es capaz de atiborrarse sin vomitar. Giorgina, Ferragni, Dulceida y más que vendrán, en ellos queremos lujo, exceso, evasión y si se puede emoción. Parece fácil pero no lo es.

Escrito por Carlos Gómez Puebla

*El largo viaje del amante añorante

En Una película póstuma un hombre maduro, Pere Ponce, recibe una llamada de la mujer que amó por lo que comienza un largo viaje por el campo para reunirse con ella. Siguiendo a un guía caminan por un terreno escarpado e inhóspito.

El largo trayecto es duro para el hombre a quien le cuesta gran esfuerzo avanzar, jadeando y teniendo que parar con frecuencia. Su destino está en la cumbre de la montaña. Allí está asentada una comunidad proscrita de hombres, mujeres y menores.

El costoso recorrido campo a través es magníficamente retratado por la dirección de fotografía de Alfonso Sanz. La cámara va recogiendo no solo imágenes de la travesía sino sobre todo sensaciones palpables.

La relación del hombre y su guía es distante y estricta desde el principio, con pocas palabras entre ellos y a veces intencionados silencios muy expresivos por parte de quien va marcando el camino.

Con un argumento sencillo la trama de Una película póstuma es muy intensa por el clima psicológico creado en los muy cuidados diálogos, escuetos pero bastante elocuentes.

La percepción como espectador es una interacción sensorial y sensitiva, muy emocional e intimista. Una gran experiencia interactiva donde priman las sensaciones sobre las palabras y los sentimientos sobre las ideas. Una vivencia subjetiva pero muy espontánea y directa.

*Una gran experiencia sensorial y emocional

Una película póstuma se rodó en plena pandemia con localizaciones en el área geográfica de Arenas de San Pedro y Guisando, en la provincia de Ávila.

El a veces inquietante paisaje se convierte en un protagonista más de Una película póstuma. Una muy cuidada selección de temas de música clásica ambienta perfectamente el clima dramático de la esforzada travesía.

El largometraje mantiene un clima intimista durante el largo camino donde viajan solos el amante y su guía. Un tempo lento que hace intensificar la parte vivencial que puede percibir el espectador.

No es una película convencional en absoluto. Es una demostración completa de que se pueden hacer interesantes películas con bajo presupuesto, argumentos sencillos y un equipo técnico pequeño. Según comentó Sigfrid Monleón en la rueda de prensa posterior todo el equipo de la película cabía en dos furgonetas para trasladarse al lugar de rodaje. El largometraje tiene un gran desarrollo argumental, una buena dirección y grandes actores.

Una película póstuma hay que verla con todos los sentidos bien despiertos, paladearla con calma y sin prisa, hacerla nuestra a sorbos, muy lentamente en pequeñas dosis. Así nuestra vivencia será máxima y saldremos mejor de la gran experiencia ritual del viaje.

Para Pere Ponce, protagonista principal, “Esta película es un acto de amor. Es pequeña, aunque con una gran semilla en su interior. Un viaje mágico y poético, a través del cual el personaje se dirige a una parte muy oscura de su vida”.

Vito Sanz, otro destacado intérprete, comentó resumiendo su experiencia actoral en la película. Se sintió como cuando actúa en teatro con la trama discurriendo como un gran río donde van apareciendo los personajes a medida que fluye.

El director comentó el gran trabajo preparatorio previo con los trabajos de cámara en las localizaciones coreografiando los catorce largos planos secuencias de la película.

Igualmente explicó su metodología actoral, con los protagonistas ensayando los movimientos teatrales, aportando una gran expresión e improvisación espontáneas de silencios y respiraciones intensas.

*Referencias literarias y filosóficas

Para el director y guionista Sigfrid Monleón la película se basa en El libro de la pobreza y de la muerte de Rainer Maria Rilke. El escritor reflexiona sobre “la muerte propia” que todas las personas llevamos dentro como una semilla que ha de madurar. Para Rilke la muerte da sentido a la vida en la finitud y vulnerabilidad de las personas.

En la rueda de prensa también añadió otras referencias, La Odisea, de Homero así como los tercetos de Dante en La Divina Comedia. Pero sobre todo el libro Condición póstuma, de la filósofa Marina Garcés.

En Una película póstuma el amante poco a poco va ascendiendo a la cumbre de la montaña siguiendo a su guía hasta llegar a una comunidad proscrita. La figurinista Laura Renau diseñó un acertado vestuario atemporal tanto para los dos caminantes como para hombres, mujeres y menores de la comunidad. Ropas confeccionadas que podrían ser tanto de época medieval como de la década hippie o actual de alguna comuna ecológica alternativa.

Cuando llegan a la cima se produce finalmente el reencuentro con su hace tiempo amada produciéndose mucha emotividad recíproca, especialmente muy expresiva a nivel no verbal sobre sus caras. Es la demostración palpable que para el amante ha sido una historia que nunca pudo olvidar por la gran huella afectiva que dejó en su vida.

Todo el elenco actoral interpreta sus papeles de manera equilibrada y muy al servicio de la expresividad de las emociones. Componen el cuadro de protagonistas Pere Ponce, Vito Sanz, Francesco Carril, Ana Risueño, Camilo Rodríguez, Alexandra Restrepo y Paula Usero.

Una película póstuma se mueve oscilando entre lo onírico y lo trascendental haciendo que sintamos agitarnos como espectadores.

*Conclusión

Una película póstuma es una extraordinaria historia muy diferente a los largometrajes convencionales por lo que nos aumenta la confianza en la utilidad espiritual y vivencial del Cine con mayúsculas.

Argumento sencillo pero profundo, con una localización muy especial y un tempo del aquí y ahora que encuadra perfectamente la evolución de la acción.

Película de cine de autor que quedará como gran referente en la mejor filmografía española del año 2022. Éste film precisa del espectador vivirlo en la gran pantalla, así como una actitud muy atenta y abierta para impregnarse en todos sus poros.

Escrito por Fernando Gálligo Estévez

*Un completo caos

Desafortunadamente o al menos a ojos de este crítico, esta entrega de El escuadrón suicida (The Suicide Squad) se caracteriza por exprimir durante todo su metraje, un caos narrativo sin sentido aparente. Siempre es de agradecer y tienen un gran encanto aquellas películas de superhéroes que no se toman muy enserio, pero no si el ánimo es vender un despropósito como el que vemos en esta cinta. Tiene un comienzo esperanzador, pero poco a poco va denotando su falta de claridad en el argumento que pretende desarrollar. Es cierto que hay alguna que otra escena de acción que deja cierto buen sabor de boca en el espectador, pero en líneas generales es una cinta que va cuesta abajo y sin frenos.

Tira de cierto humor negro que tampoco consigue entusiasmar, causando más vergüenza ajena que carcajadas. Hay un momento como a mitad de metraje, que la trama pega un volantazo de guion sin venir para nada cuento; demostrando que el director confunde lo desenfadado, con la absurdez desmedida.

*Margott Robbie y poco más

Parecido a lo que ocurrió con la película de 2016, Margott Robbie es la única que consigue sostener la trama de esta nueva entrega de El escuadrón suicida, volviendo a encarnar a la maravillosa Harley Quinn. De hecho, la escena de acción que protagoniza es el momento más álgido que maneja este film de largo. Graciosa, locuaz y sádica, el personaje de Harley Quinn es el único que albergar cierta complejidad y trasfondo. Los demás, son una banda de personajes simplones, que ya hemos visto en infinidad de ocasiones en otros films del género.

Por ejemplo, el personaje de Idris Elba es el típico hombre testarudo pero de buen corazón, que sus errores vitales le han llevado a distanciarse de su familia; en este caso, de su hija. En cuanto a John Cena, es el alivio cómico de la mayoría de situaciones, que poco le diferencia del típico cuñado que tienes que aguantar todas las cenas de navidad. Si hablamos de Viola David, es incomprensible que una actriz de su talla haya accedido otra vez, a hacer este papel tan insulso. También incomprensible lo de Sylvester Stalone, que encarnado a esta especie de tiburón mercenario, no ha llegado a asemejarse en nada a lo que James Gunn pretendió con Vin Diesel y el personaje de “Groot” en “Guardianes de la Galaxia”.

*Golpes de estado y extraterrestres

Por último, toca hablar de la misión encomendada a la que están este grupo de villanos. Por un lado, nos venden que la misión que tienen que llevar a cabo es la de derrocar a un gobierno, que ha pegado un golpe de estado en una región remota de Latinoamérica; gobierno que está encomendado por el personaje que encarna el gran Juan Diego Botto, que a decir verdad, acaba brillando por su gran ausencia en el devenir final de la trama. Cuando piensas que la cosa no se puede volver más absurda, la película nos cuela a un extraterrestre con forma de estrella de mar, que pretende hacerse con el control de todo.

¿Puede haber peor villano que un alíen con forma de estrella de mar? Sinceramente, no lo creo y no entiendo en que momento el director vio factible que el desenlace final de la trama, girara en torno a este ser que trasmite más vergüenza ajena que respeto. Luego esta entrega de El escuadrón suicida, tiene momentos algo gores y a su vez momentos que son tremendamente infantiles; una propuesta que no llega a funcionar en ningún momento.

*Conclusión

El escuadrón suicida (The Suicide Squad) es una película que pretende ser irreverente y desvergonzada, pero que acaba por ser un auténtico despropósito a nivel narrativo. James Gunn se ha quedado sin ideas, planteando una “Guardianes de la galaxia” versión DC, que carece del carisma y autenticidad de la saga de Marvel. Es cierto que cuenta con algunas buenas escenas de acción, que consiguen que las más de dos horas de metraje se hagan más digeribles. En cuanto al elenco se refiere, únicamente Margot Robbie es la que consigue sostener a la película y alejarse de ese sabor a vergüenza ajena que dejan el resto de personajes. En definitiva, una película para olvidar y que no consigue llevar a buen cauce la propuesta con la que parte.

Escrito por Daniel Jiménez