Esto es un actor de Hollywood que va y le dice a un amigo:
- Titu, voy a dejar mi carrera como actor y me haré cantante de hip hop.
- Vale nanu, le dice el compañero.
- Además, haré un documental mostrando mi salto al vacío a ver si alguien se caga encima de mi cara y tú serás el director.
- Vale, yo me apunto a lo que quieras, pero, ¿lo harás de verdad?
- pues no lo sé, eso lo dirá la gente.

La película es como esto que acabo escribir. Si es un chiste no tiene ninguna gracia y si es un diálogo no sabes muy bien lo que dice.

“Si es un chiste no tiene ninguna gracia”, por dos motivos. El primero, por su estructura caótica y sin rigor alguno, y el segundo, por su contenido, ya que nada de lo que sale te da ganas de reír. Está todo diseñado para hacer caer un mito. Escena tras escena lo persigue. Y lo consigue. El héroe sale drogándose, jugando con prostitutas, insultando a los amigos, riendo esperpénticamente, tratando mal a la gente, gritando y pegándose con gente del público (caso concierto), entre otras. Hasta aquí, brillante. No hay brecha en su objetivo. No tienen ninguna gracia. De ésta, el ave Phoenix, no renace.

“Si es un diálogo no sabes muy bien lo que dice”. Confusión de ideas, falto de peso discursivo y fuerte miopía conceptual. Es de manual, en un documental hay que tener muy claro el mensaje y aquí es un tanto vago, impreciso e inmaduro (¿malcriado?). Incapaces de salir de la dialéctica americana del Éxito/Fracaso intentan, mediante un sinfín de insultos, escupir varios mensajes al espectador. Es incluso insultante ver como el chico se siente emocionalmente destrozado porque no puede expresarse y liberarse del personaje público. “Lo tengo todo, pero no tengo nada”. Hace muchos años que se hizo Ciudadano Kane y ya la hemos visto, la hemos comprendido, la hemos llorado, la hemos analizado y sí, estamos un tanto cansados de este discurso de niños ricos. La diferencia entre Kane y Phoenix es, entre muchas otras, la diferencia entre una guitarra y un "video del niño saltando en el lago".

Sales del cine con un 4 rozando el 5 en la cabeza...pero pasan las horas y te convences de que es un 5. Al día siguiente te ves explicándosela a un compañero y te das cuenta de que merece un 6, sin duda es interesante. Pero ya cuando vas a la cama empiezas a construir un discurso que separa la película de las demás…”si si un 7, ésta película es buena”, te dices. Por último, te decides hacer una pseudo-crítica en FA y mientras la escribes el 8 te ataca y confirmas que es sin duda una película notable. Finalmente, auguras que una vez le hayas dado al “Enviar” habrás querido ponerle el 9, porque señores, esta película es muy buena.

Ver la película no es tarea fácil, se recomienda tomar un par de cafés antes para luchar contra el sueño, ya que te encuentras (como acertadamente dice GVD) con un sinfín de “planos fijos peleándose por ver cuál dura más” y eso mata a cualquiera. Habría que decírselo a Weerasethakul que eso no se hace. Pero vamos, si tachamos y suspendemos la película por eso es que hemos visto muy poco cine, pues tendríamos que barrer una cantidad ingente de CINE (con mayúsculas) que goza de gran posición y de grandes discípulos. Bresson, Dreyer, Bergman, Leone, Peckinpah, Haneke o el catalán Serra (y demás terroristas cinematográficos) caerían en las manos de la demagogia y del dogma del mercado americano, la cual cosa es una tarea un tanto absurda y cansina. Vamos, que no es necesario centrar tu crítica en la duración de los planos de una película. Por ello prefiero centrarme en el impacto del contenido: la materia de la película.

El señor Filmaffinity puso tan sólo “Drama” en el apartado de género, imagino que poner los tópics; “comedia dramática”, “costumbrista”, “fantástica”, “cine experimental”, “cine independiente”, “fantasmas”, “comedia absurda”, “surrealismo” y/o “vejez” no le cabía, se entiende. La película da para mucho. Yo propongo uno: "Cine Fade-Out”.

(sigue en spoiler)

En la que parece ser la penúltima película del director británico Ken Loach conocemos a James Gralton. Jimmy para los amigos. Un activista político y líder comunista irlandés de principios del siglo XX, quién fundó un espacio donde intercambiar ideas, cantos y bailes, en su pequeña comunidad natal y se encontró con la firme oposición de la iglesia y las clases dominantes de la época. Lo que en un principio puede parecer una película con fuerte carga política se va desvelando como un film pequeño y muy mimado. Sin buscar el melodrama entre los personajes y sin anclarse demasiado en debates ideológicos se persigue un toque ligero muy lejos de las películas de este género. A medio camino entre Swing Kids (93) y Belle Époque (92), la película no peca de grandilocuencia ni de dogmatismo. Loach se viste de abuelete que nos cuenta un cuento de injusticias con carácter universal.

Con una mirada nostálgica y un tanto condescendiente, propia de estos films rurales, se saborea aquello que pudo ser y no fue. Pero dicha nostalgia no recae en un pasado. El director es consciente de su rigurosa actualidad. Lo que antes era la iglesia, hoy son los grandes mercados. El relato de Gralton le sirve para narrar la lucha de cualquier activista allí donde los haya. Sirvan las PAH de ejemplo. Cualquier espectador, mínimamente hábil, encontrará muchas similitudes en la escena del desahucio, donde un grupo de campesinos lucha para que una familia recupere su hogar de las manos de los grandes caciques. Es preciso medir mucho las palabras antes de tachar el film de demagogia barata. El poder siempre actúa de la misma forma. No tiene ni nacionalidad ni tiempo. Loach lo sabe y lo señala.

El guión firmado por Paul Laverty (guionista de la mayoría de sus films) tiene grandes aciertos: la construcción del párroco, rico y sofisticado en matices; la insólita relación de amor entre los protagonistas; la coral de secundarios muy bien afinados; la preciosa escena de cuando algunos ven por primera vez una gramola; algunas sentencias al estilo de "usted solo escucha a la gente cuando está de rodillas”, refiriéndose a la sordera religiosa; y algunas cosas más que no es preciso desvelar.

Pero no perdamos el norte. Quien confíe encontrarse con el mejor Ken Loach continua teniendo que ir a su pasado. Las cosas como son. Otros de sus films llegan a la categoría de necesarios y este es un film tierno, bonito, sensible, pequeño, blando, sensato y todo lo que quieras, pero no, necesario. A quien busque metralla fina, no la va a encontrar. Quedan avisados.

En King of Comedy (99), Stephen Chow, continua con su línea de protagonista perdedor con gran corazón que, salvando las distancias obvias, huele a Chaplin. En esta cinta interpreta a un actor que no sirve ni como extra, lo cuál le sirve para dos cosas; una, mostrar sus registros faciales y niveles interpretativos, y dos, meter un cameo de Jackie Chan que ilumina y simpatiza el momento.

Aquí Chow está en estado de gracia. Si omitimos la rigidez occidental con la que se guían los géneros cinematográficos, encontramos que el hongkonés mezcla a sus anchas (y con dominio de cada uno de los lenguajes) acción, comedia, romance y drama. Dentro del marco paródico donde se encuentra toda su obra, siempre hay espacios donde la película no tiene ninguna gracia. Algunas veces, por simple tontería y otras por la controversia o agresividad a la que nos evoca. Vamos, que mientras aún te ríes le dan una paliza a una prostituta. ¿Cómo sentirse con eso?

En la comedia, y más en la comedia paródica, los personajes suelen presentarse con caracteres muy marcados y claramente distinguibles. Digamos que no existen los grises. El diálogo entre blanco y negro queda claro. Chow en cambio, incluso en medio de la estupidez más absurda presenta personajes con ciertos tonos. Queda como ejemplo máximo el personaje de ella. Presentación sobrecargada y bruta de sus intenciones y poco a poco humanización, mediante pequeños detalles, de la dama de las camelias y el Richard Gere hongkonés. Este momento de colorido y de ciertas tonalidades a los personajes cargan la cinta, en su esencia, de seriedad. Y aquí en casa, si el personaje es profundo, se toma en serio y si se toma en serio, el tema es serio y si el tema es serio, no se hace burla y si se hace burla, mal, caca. Luego, ¿cómo ver esta película?

Salvando las distancias, aconsejo ver las películas de Chow, y en especial ésta, con el mismo prisma con el que miramos las comedias clásicas americanas. Hombres mujeriegos inmaduros o directamente tontos, mujeres florero con carácter, etc. Donde el rol de cada uno sirve de disfraz y escenario para contar historias cómicas y preciosas a la par.

Lo mejor: las imprevisible piernas de ella.

Imagino que este sería el comentario del responsable de la traducción del título al español, una vez vista la película.

Imagino, también, que sus dotes como traductor son bien merecidos. Gran devorador de cine de género, el hombre tuvo que estudiar varios años de carrera y algún que otro Máster especializado en publicidad para conseguir tan brillante trabajo. Claro, si la película se titula en original "M", la traducción más lógica, (y viendo el desarrollo de la película), seria "el vampiro de Düsseldorf". Bravo, bravo, bravo, bravo.