He querido ver Dunkerque en la única sala de España -así lo he leído- dotada del proyector adecuado a sus 70mm : el cine Phenomena de Barcelona. Vale la pena, sobretodo en estos tiempos de multicines y minisalas. Allí sentado en el centro de la fila 4, se me ha manifestado el cine de mi infancia en todo su esplendor. Allí estaban mis ojos inundados por la luz de la pantalla, más allá incluso del límite de mi visión, mientras la banda sonora -un conjunto de magnéticos zumbidos aderezados con explosiones de bombas, disparos, gritos y el crujir de los buques en zozobra- se instalaba en mis oidos, ajenos a las pocas y casi innecesareas palabras de los protagonistas.

Podría tratarse de un documental minucioso de lo sucedido en aquel lugar, pero se nos describe mucho más. Personajes de carne y hueso, jóvenes casi adolescentes entre la vida y la muerte, sufriendo la espera angustiosa de su rescate improbable, cercados en la playa de Dunkerque por los alemanes que acaban de invadir Francia. Curiosamente no aparece ningún soldado alemán en el film. Interesante decisión del realizador.
Estamos en 1940 y aún faltan algunos años para que llegue el famoso desembarco de Normandía.
Con la precisión de un engranaje de relogería Nolan introduce diversas tramas en la historia. Veremos la lucha de los spitfires ingleses contra los stukas alemanes. Sufriremos la tensión en el espigón con miles de soldados esperando el embarque mientras caen las bombas. Viviremos con un pequeño barco civil, que entre otros cien van a Dunkerque a salvar soldados. Seguiremos la tensión en el barco holandés varado en la playa y los soldados que lo ocupan en espera de que suba la marea...
Todas las historias se entrelazan, se interrumpen, se alimentan y se complementan en un mosaico de imágenes trepidantes que confluyen en el desenlace final.
Aunque estemos ante un alegato contra la guerra, épico pero humano, nada nos impide que como aficionados al cine disfrutemos de un excepcional espectáculo.

Atraído por el éxito del film en San Sebastián y por el buen sabor que me dejaron los anteriores trabajos de Alberto Rodríguez, he visto con placer "El hombre de las mil caras". Pero "Grupo 7" y "La isla mínima" eran historias relativamente sencillas, que se desarrollaban en geografías limitadas (Sevilla o las Marismas del Guadalquivir) donde la ambientación de la época, sus retratos sociales y el submundo policial y político tenían tanta importancia como las propias tramas.

El mérito de "El hombre de las mil caras" es que tratándose de una historia compleja, no lo aparenta gracias a un guión muy trabajado y sobrio, donde unos inteligentes diálogos apoyados en magníficas interpretaciones, logran dar vida a lo que en esencia partía de un documento periodístico.

Definir el resultado como thriller no encasilla del todo bien el film, porqué -al menos en España- conocemos perfectamente lo que se nos va a narrar antes de verlo, y además, ni siquiera se dispara un tiro. Por eso, lo meritorio es que te atrape y te mantenga en tensión desde el primer momento al último.

Ha sido premiada la actuación de Eduard Fernández con merecimiento, pero viendo el film me ha encantado José Coronado en el papel del piloto, y sobretodo, Carlos Santos como Roldán. Su interpretación del ministro me ha hecho llegar a sentir cierta compasión por el personaje real, por ese año terrible que pasó encerrado en París a merced de Paco Paesa, que seguramente lo dañó más que la carcel posterior. Tanto dinero robado -debió pensar- ¿para qué?

No estoy seguro, sin embargo, que la película se vea fuera con el mismo interés que aquí. Los que no conozcan ni les concierna lo sucedido, los que sigan la historia como una mera intriga, quizá no entiendan muchos detalles de fondo y no la valoren igual.

Parece ser que Woody Allen estructuró el guión de Café Society como una novela, convirtiendo luego los capítulos en escenas. Y creo que eso se nota en el resultado del film, porqué en apenas 90 minutos no se puede condensar tanto material. Parece que el tiempo apremia, y las situaciones y las peripecias se suceden sin tregua, mientras los personajes van fluyendo sin que apenas queden esbozados. Por una vez ni siquiera me ha gustado el casting de la película, empezando por el protagonista Jesse Eisenberg.
Solo falta que para redondear el aire de novela, el mismo Allen, con su propia voz en off, actúe de narrador de principio a fín. Demasiado texto, muy apretado, muy superficial. Todo el mosaico se subordina a la verdadera intención de la película: la recreación del ambiente de los años 30, objetivo que, hay que reconocer, se logra ampliamente, tanto en los lujosos interiores, como en el magnífico vestuario, todo envuelto en una preciosa fotografía ambarina. Incluso la historia del hermano gánster tiene más aire de tributo a la época que de necesidad narrativa. Por eso a mii modo de ver, en su simplicidad, su personaje parece de chiste.
Al final, lo que pretende ser un melodrama de época se frustra en lo principal: que no transmite emoción alguna, muy propio de Woody Allen, aunque me duela escribirlo.

Si Birdman fue para mi una maravillosa película, aquí el esfuerzo de Iñárritu queda muy lejos de aquella magia a pesar de haberlo intentado. Se trata de una aventura portentosa, rodada en parajes naturales sublimes y con una fotografia de óscar. Pero a pesar de los terribles avatares de los protagonistas, especialmente de DiCaprio, las imágenes no logran trasmitir emoción alguna, como si se contagiaran de la frialdad del ambiente.
Luego está el metraje, excesivo para mi gusto. Y en el Oscar al mejor actor para DiCaprio no se entiende que se valore tanto el mero esfuerzo físico, puesto que más allá de tal demostración ¿donde está la actuación que merece el óscar?. Creo que DiCaprio nunca superará alquel prodigioso papel en de "A quien ama Gilbert Grape".

Trancurrían los primeros años setenta, era verano y hacía calor. No era momento de grandes estrenos y muchos íbamos al cine por el aire acondicionado. En el Pelayo de Barcelona un cartel anunciaba: "en setenta años de cine no se ha hecho un film como El Cameraman". No recuerdo qué me impulso a entrar aquella tarde. ¿Qué sabía yo de Buster Keaton?. Lo cierto es que nunca olvidaré aquella hora en la oscuridad de la sala. Fue como una revelación, una epifanía cinematogáfica. Claro que me reí, como todos, pero algo indeleble quedó grabado en mí para siempre. Desde entonces habré visto El Cameraman unas diez veces, en video y en DVD. Pero el domingo 28 de agosto (¡que oportunidad!) tuve la ocasión de revisitar el film con público en la Sala Jamboree de la Plaza Real, y con una cuidada y perfectamente sincronizada banda sonora, interpretada en directo por dos excelentes músicos.
Para mi esta obra maestra no es solo la mejor de Buster Keaton, sino la mejor película muda que nunca haya visto. La crítica oficial, incluso el mismo Keaton, han preferido "El maquinista de la General" o "El navegante" pero para mi este film es insuperable. Aunque es cierto que esta película contó con los mejores guionistas de la Metro y con más medios que cualquier otra, quizá no haya sido tan considerada como las citadas, por el hecho de haber sido rodada en pleno ocaso del cine mudo, que coincidió con la decadencia del propio cineasta.
Pero los abundantes y brillantes gags de la película no te dan respiro, ni en la guerra de Chinatown ni en la piscina de Coney Island. Algunas secuencias son geniales, como la llamada telefónica de la chica, cuando Buster inventa con su velocidad una especie de teletransporte casero. O la escena de Buster subiendo al coche de bomberos, Y siempre, esa mirada, esos grandes ojos que lo expresan absolutamente todo.
¿Qué participación tuvieron los guionistas?. ¿Qué incidencia tuvo el director oficial?. ¿Qué se debe al cómico?. Nadie lo puede saber del todo: una película siempre es la obra de un equipo. Pero para la historia del cine "El Cameraman" siempre se asociará al genio de Buster Keaton, ese personaje torpe y limitado al principio, pero cuya tenacidad, valentia y ausencia de complejos, lo llevan siempre al éxito, enseñándonos que todo puedes lograrlo si realmente lo amas, sea el dominio de la cámara o la chica.
Cabe recordar lo importante que Keaton fue en su momento histórico, no solamente para el gran público. Sin ir más lejos su obra fue admirada por los protagonistas de la generación del veintisiete, como García Lorca y Alberti , que le dedicaron poemas. Y por Luís Buñuel, que lo prefería a Chaplin al que censuraba su "contaminación sentimental". En suma, todos coincidieron que fue el más cinematográfico de todos los cómicos del cine mudo.