Vinterberg nos sorprende con un drama psicológico, que acumula toda su fuerza en un guion construido con precisión, narrado en una atmósfera fría y paranoica que logra enfriarnos el alma, relatando el acoso que sufre un profesor por ser acusado en el peor de los delitos, escudado por la admirable actuación de Mads Mikkelsen.

Film experimental y de culto que consiste en dos largas y minuciosas secuencias, en las que una criatura sobrenatural (Dios) da luz a la humanidad y un hombre solitario es torturado por misteriosas figuras con máscaras. "Begotten" es una inclasificable película que se la ama o se la detesta, en cualquier caso una experiencia completamente única. La revista Time la declaró una de las 10 mejores películas del año 1991.

Begotten, no es una película de terror al uso, a pesar de que posee algunas escenas bastante violentas, es una pelicula única e inclasificable. Estéticamente comprobamos que sus fotogramas están sucios, pero obviamente se trata de un efecto deseado y no de la falta de interés visual. Especialmente el contraste es empujado a su punto culminante, de manera que la película es en dos colores, blanco y negro expandidos de una forma granular, sin dejar espacio al gris. La mezcla de los sonidos pacíficos y crudos logran resaltar la crueldad más feroz y aliarse con sus imagenes para hipnotizar al espectador. El director E. Elias Merhige, realiza con Begotten su particular versión del Génesis, una versión que se aleja de la eclepciastica, carente de adornos, cruda y desagradable, pero que logra atrapar al espectador con cada fotograma. Begotten, representa la historia de la creación de Adán y Eva, su expulsión en la que Dios les castigó con la muerte, el dolor, la vergüenza y el trabajo y la posterior creación de la tierra tal y como la conocemos.

A pesar de que es ampliamente reconocida como una de las peliculas más influyentes del cine, una obra maestra del cine mudo y contemporáneo porque nunca ha dejado de estar de actualidad y sea posiblemente el pináculo del expresionismo alemán, Metrópolis de Fritz Lang ha disfrutado de una vida accidentada. De hecho, no existe una versión definitiva de la película. La versión original de 1926 fue destruida y ahora existen en torno a media docena de diferentes versiones, de diferente duración y calidad.

Incluso hoy en día, con todos los poderosos efectos visuales que ofrece la tecnología, Metropolis sigue teniendo la capacidad de impresionar a su público con sus impresionantes efectos visuales, siendo este uno de los motivos que le han permitido alcanzar un estatus de clásico de culto y lograr su reputación como obra maestra. Es sobre todo por la magnitud y la calidad de sus imágenes, pero no debemos olvidar que Metropolis también tiene un fuerte mensaje alegórico (que refleja el sentimiento marxista de su tiempo, pero que sigue siendo relevante hoy en día) que los trabajadores y líderes (la mano y la cabeza) deben trabajar juntos para crear un mundo mejor.

La película fue concebida como una fantasía, una interpretación del mundo como lo era entonces, no como un documental especulativo informado acerca de la tecnología y la organización social dentro de cien años. Su visión del mundo mostrada en Metropolis en 1927 mantiene una fuerte similitud con el mundo actual, convirtiendo la pelicula en una obra atemporal.

La idea para hacer la pelicula nació en una visita a Nueva York de Fritz Lang, donde los lugares de interés dominados por imponentes rascacielos dejaron una impresión duradera en él. Él escribió el guión junto con su esposa Thea von Harbou, basada en la novela que escribió ella con mismo título. Brigitte Helm, quien protagonizo la película en el doble papel de María y su réplica androide, posteriormente se convirtió en una gran estrella en la Alemania nazi.

Cualquier cinéfilo que se precie debe visionarla obligadamente.

Primera Guerra Mundial (1914-1918). Una obra maestra del cine mundial sobre la camaradería y las relaciones humanas que retrata el día a día de unos prisioneros franceses en un campo de concentración alemán durante la Primera Guerra Mundial. Cuando llegan al campo dos oficiales de la aviación francesa, son informados por sus compañeros de barracón de que están excavando un túnel para poder escapar de allí.

Seguramente no hay otra película en la que Renoir parece ser tan completamente involucrada, en el que revele sus preocupaciones políticas y humanistas con tanta calidez, sinceridad y lucidez. Es la película en la que con mas claridad a plasmado su sello personal, es más reconocible, su fe en la decencia intrínseca del hombre común, su desprecio por las divisiones de clase, su aborrecimiento de la guerra. Todo lo que se necesita saber acerca de Jean Renoir se puede extraer de esta película, todo lo demás es mera repetición y elaboración.

Si las opiniones políticas de Renoir fueron inequívocamente de izquierda, sus puntos de vista sobre la guerra fueron sorprendentemente ambivalentes. Esta ambivalencia es evidente a lo largo de La Gran ilusión, mientras que la película es ampliamente y correctamente interpretada como una película antibelicista, que con fuerza argumenta la inutilidad de un conflicto militar, sin embargo, tenía otro propósito, que era sutilmente promover la unidad en el pueblo francés en un momento de crisis nacional. Si la guerra era inminente e inevitable , lo mejor era que Francia entrara en la refriega como una nación unida por ideales comunes , no dividido por tales preocupaciones triviales como la raza y la clase.

La gran ilusión , sin duda tiene un subtexto antibelicista , pero este es quizás silenciado por una preocupación aún mayor de Renoir, su preocupación por los límites de clase en la sociedad. La ironía central de la película es que la clase social es un modo de segregar más potente que los seres humanos, la raza o la nacionalidad. Es más fácil para los soldados de un regimiento popular entenderse unos a otros , ya sea porque hablen el mismo idioma o porque culturamente son afines, que para los soldados de diferentes estatus sociales que tienen la misma lengua materna . Renoir injuria distinción de clases, pero parece aceptarlo como una consecuencia inevitable del orden social que hemos heredado. El sistema de clases continúa, pero eso no quiere decir que sea un fenómeno estático.

Se trata de una pelicula con mucho que contar y ofrecer, digna de un amplio estudio con resultados asombrosos.

Akira Kurosawa, el dotado director japonés, tuvo la inusual decisión de hacer una película coproducida por la industria del cine soviético y japones, se había dado cuenta que era imposible conseguir financiación en Japón para producir sus proyectos, pero afortunadamente contó con el respaldo de la productora Mosfilm, quienes querían que el director firmara un producto de espectáculo crudo y simplista, pero en vez de eso el director firmo una pelicula conmovedora, una historia sobre la amistad, sobre el choque de dos culturas, el encuentro de dos hombres que se miran con curiosidad para entender la necesidades y finalmente vivir una de relación de fusión.

La idea de la pelicula fue extraída de las novelas autobiográficas de un explorador militar que se encontró con un habitante del bosque, un anciano trivial, que da vida a un cuento transparente y sincero sobre la soledad y la amistad entre el capitán ruso y el anciano nómada, entre el mundo "primitivo" y el mundo "civilizado".

En esencia, "Dersu Uzala" es una parábola sobre el encuentro del poder ciego y sordo de la civilización con la percepción y la impotente magia de la naturaleza. Ambientada en los bosques asiáticos de Rusia imperial a principios del siglo 20, nos habla de la relación entre una expedición cartográfica militar y un viejo y solitario cazador que actúa como guía de su destacamento, gracias a que posee un sentido de la orientación sagaz

En "Dersu Uzula" podemos ver el estilo característico del director para la acción, pero en lugar de la erupción de la violencia que expresa habitualmente sus secuencia de lucha, aquí plasma la lucha que enfrenta a los protagonistas contra lo elementos naturales, los protagonistas luchan para sobrevivir en un pantano congelado por el frío mortal de la noche, o en un episodio en el que Dersu accidentalmente va a a la deriva en una balsa en aguas peligrosas.

El humanismo de Kurosawa hace brotar la flor que es Dersu Uzala. La forma y las perspectivas poco sofisticada de Dersu lo hacen objetivo de diversión para los hombres de Arseniev, pero su inagotable ingenio y sabiduría hacen que finalmente se gane el respeto de los hombres civilizados.

Dersu, es un espejo en el que debemos mirarnos, es una perfecta mezcla de espiritualidad, de bondad y de honestidad, todo lo que le rodea por insignificante que sea, es tan importante como él, por lo tanto tiene el mismo derecho a existir que tiene él. Para Arseniev, Dersu encarna algo que los hombres civilizados han perdido, algo que ya no puede sobrevivir en el mundo que el está ayudando a construir. Ninguno de los dos puede realmente entender el otro, y ese hecho es precisamente lo que hace que su amistad sea tan especial.

"El sol es gente, gente muy importante. Si el sol muere todos mueren"

"A veces la montaña, el bosque, parece que nos den la bienvenida, pero en otras ocasiones se muestran salvajes, hostiles"