"Amor Carnal" en España, "Amores Caníbales" en América (The Bad Batch) es una película estadounidense de 2016 dirigida por Ana Lily Amirpour, ambientada en un futuro distópico donde una sociedad se ha derrumbado, dejando a aquellos que no encajan en el sistema social —los "bad batch"— fuera de la ley, marginados y abandonados en una zona desértica. La historia sigue a Arlen (interpretada por Suki Waterhouse), una joven que es capturada por una comunidad caníbal. Después de ser marcada y mutilada, logra escapar y encuentra un refugio en una comunidad distinta, liderada por un hombre llamado Miami Man (Jason Momoa).

En su travesía por este desierto brutal, Arlen cruza caminos con Miami Man (Jason Momoa), un miembro del grupo caníbal que resulta ser tanto un enemigo como un interés romántico inesperado. Este encuentro la lleva a replantearse sus valores y decisiones en un entorno donde la moralidad está distorsionada por la lucha por la supervivencia.

La película combina imágenes estilizadas y un ritmo pausado que enfatiza la brutalidad del mundo que retrata. Más allá de su temática de supervivencia y horror, también aborda el amor y las conexiones humanas en circunstancias extremas.

Amor Carnal es una obra que mezcla elementos de western, romance y crítica social. Ana Lily Amirpour mezcla géneros como el horror, la ciencia ficción y el western distópico. A través de un estilo visual único, la directora crea una atmósfera inquietante que explora temas como la exclusión social, la supervivencia, la libertad y las relaciones humanas en un contexto post-apocalíptico.

El estilo visual de The Bad Batch es uno de los aspectos más notables de la película. Con una cinematografía cargada de colores saturados y planos fijos que dan una sensación de calma inquietante, Amirpour crea un contraste entre la belleza visual y la brutalidad del mundo en el que se desarrolla la trama.

La película explora el tema de la supervivencia en un mundo en ruinas, donde las normas sociales han desaparecido y las personas deben crear nuevas reglas para vivir. Los "bad batch", aquellos que son etiquetados como inadaptados, son arrojados a una zona desolada sin leyes ni orden. Esto plantea preguntas sobre la exclusión social, la discriminación y cómo los seres humanos intentan encontrar sentido o comunidad en situaciones extremas.

La dinámica entre Arlen y Miami Man es un punto clave en el desarrollo emocional de la trama. Aunque al principio la película parece centrarse en la lucha por la supervivencia y la violencia pura, a medida que avanza, el enfoque cambia hacia las relaciones entre los personajes y su lucha interna por encontrar un sentido a sus vidas. Miami Man, interpretado por Jason Momoa, es un personaje aparentemente rudo y peligroso, pero su relación con Arlen introduce una complejidad que sugiere que la humanidad aún puede existir en los rincones más oscuros de este mundo.

Un aspecto que subyace a la película es una crítica a las estructuras sociales y económicas, especialmente al capitalismo. Los personajes son forzados a una constante lucha por la supervivencia y se ven reducidos a objetos en un sistema que los margina. La película puede ser vista como una alegoría de la alienación social y económica en el contexto de la marginalidad y la pobreza.

The Bad Batch es una obra enigmática y estilísticamente audaz que no da respuestas fáciles ni ofrece una narrativa convencional. En lugar de centrarse en un desarrollo narrativo claro, se enfoca en la creación de un ambiente opresivo donde los personajes deben enfrentar la violencia, la alienación y sus propios deseos.

Mientras la veía, trataba de imaginarme la película sin canibalismo. Con otras formas de brutalidad y alienación, pero sin canibalismo. Las posibilidades de deshumanización en una sociedad de seres excluidos son infinitas. Creo que a Ana Lily Amirpour debieron ocurrírsele más ideas, pero ignoro las razones que la han llevado a decidirse por una tan despiadada.

Hostel (2005) es una película de terror dirigida por Eli Roth y producida por Quentin Tarantino.

La trama sigue a tres jóvenes mochileros, Paxton, Josh y Óli, que están viajando por Europa en busca de aventuras y diversión. En Ámsterdam, son convencidos por un extraño para visitar un hostal en Eslovaquia, que promete mujeres hermosas y desenfreno. Sin embargo, lo que parece ser un paraíso se convierte rápidamente en una pesadilla cuando descubren que el hostal sirve como tapadera para un negocio oscuro: turistas son secuestrados y vendidos a millonarios que pagan por torturarlos y asesinarlos en un ambiente controlado.

La película retrata el descenso de los personajes principales a una trampa mortal, explorando temas como la explotación humana, el turismo y la decadencia moral.

Hostel polarizó a la crítica y a los espectadores. Por un lado, fue alabada por su audaz representación de la brutalidad, su atmósfera inquietante y su comentario social implícito sobre la cosificación y explotación en el turismo. Por otro, fue criticada por su exceso de violencia gráfica, su trama simplista y por ser considerada gratuita en su uso del gore.

Aspectos positivos: Introdujo un estilo de terror visceral y gráfico que influyó en películas posteriores. La dirección de Eli Roth consiguió un tono opresivo y claustrofóbico. Fue un éxito de taquilla, recaudando más de 80 millones de dólares con un presupuesto de 4.8 millones.

Aspectos negativos: La representación de los personajes femeninos es superficial y estereotipada. La violencia eclipsa el desarrollo narrativo.

Los efectos especiales, a cargo de Greg Nicotero y su equipo, son uno de los puntos fuertes de la película. Las escenas de tortura y mutilación son extremadamente realistas, lo que aumenta el impacto psicológico en el espectador.

La iluminación y el diseño del set contribuyeron al ambiente opresivo y sucio, realzando el impacto de las escenas violentas.

Hostel es una obra emblemática dentro del cine de terror extremo, pero su contenido gráfico y su atmósfera angustiante no la hace apta para personas sensibles.

Los Siete Samuráis (Shichinin no Samurai, 1954), dirigida por Akira Kurosawa, es una de las películas más icónicas de la historia del cine japonés y mundial.

La historia se ambienta en el Japón feudal del siglo XVI, en una época marcada por la inestabilidad política y las incursiones de bandidos en las aldeas rurales.

Los habitantes de una aldea campesina, atemorizados por un grupo de bandidos que planean saquear sus cosechas tras la próxima recolección, deciden contratar samuráis para defenderse.

Sin recursos económicos, los aldeanos logran reunir apenas suficiente arroz como pago. Después de buscar en el pueblo más cercano, encuentran a Kambei Shimada, un veterano samurái que acepta el desafío a pesar de la falta de recompensa material. Kambei reúne a otros seis samuráis con diversas habilidades y personalidades.

Los samuráis entrenan a los aldeanos y preparan defensas para enfrentar el inminente ataque.

Los Siete Samuráis es considerada una obra maestra del cine y una de las películas más influyentes de todos los tiempos.

*Aspectos cinematográficos*

Estoy revisionando la película en tramos de media hora para poder apreciar mejor los detalles.

Kurosawa introdujo el concepto de reclutar a un grupo de personajes con habilidades específicas, algo que influyó a futuros filmes de "equipo", como Los siete magníficos y Los vengadores.

Cada samurái tiene una personalidad, una historia y un propósito únicos, lo que los hace memorables.

Kurosawa empleó varias cámaras para captar la acción desde diferentes ángulos, creando una sensación de dinamismo y realismo.

Las escenas de acción son revolucionarias, con movimientos cuidadosamente ensayados y filmados de forma espectacular.

La lluvia torrencial en el clímax intensifica la emotividad y el caos de la batalla final.

Aunque la película tiene una duración de más de tres horas, el montaje mantiene al espectador cautivado. El uso de pausas entre las escenas de acción permite desarrollar las relaciones humanas y generar tensión.

Destacan las tomas panorámicas de los paisajes rurales de Japón y los movimientos de cámara que siguen la acción.

Los siete samuráis no solo destaca por su perfección técnica y narrativa, sino también por su capacidad de retratar temas profundamente humanos.

"El último disparo" sigue la historia de Jessica (interpretada por Jet Jandreau), una exmarine que regresa a casa tras un despliegue en el extranjero, marcada por el trauma de sus experiencias en combate. Al llegar, descubre que su hermana menor de 13 años, Aimee (Jamie M. Timmons), ha sido secuestrada por una red de traficantes de personas liderada por el villano Frank (Julien Cesario). Determinada a rescatarla, Jessica se embarca en una misión personal, utilizando sus habilidades militares para enfrentarse a esta organización criminal. Con la ayuda de su amigo Dan (Eric Pierce), un experto en tecnología, Jessica se adentra en un mundo oscuro y peligroso, desentrañando secretos y enfrentando amenazas mortales en su búsqueda por salvar a su hermana y hacer justicia.

Está bien para pasar el rato si no tienes nada mejor que hacer. Las secuencias de acción son el punto fuerte de la cinta. Los combates, especialmente el enfrentamiento final de Jessica, están bien coreografiados y muestran la destreza física de Jet Jandreau, aunque su actuación carece de matices emocionales profundos.

El guion, escrito por Kara Myers y el propio Whittaker, adolece de falta de originalidad y profundidad. La historia sigue una fórmula predecible de venganza y rescate, con villanos caricaturescos y giros argumentales poco convincentes. Los flashbacks sobre el trauma de Jessica se sienten repetitivos y desconectados del ritmo principal.

La banda sonora a veces distrae más que complementa. Aunque el tema del tráfico humano podría haber dado pie a un tratamiento más serio o impactante, "El último disparo" opta por un enfoque sensacionalista que no explora a fondo las implicaciones de esta problemática.

"El último disparo" funciona mejor como un vehículo para las habilidades físicas de su protagonista que como una historia coherente o emocionalmente resonante. Entretenida, pero olvidable, con momentos destacados opacados por sus limitaciones narrativas y técnicas.

Thelma es una joven tímida que abandona su hogar profundamente religioso para asistir a la universidad en Oslo. A medida que explora su independencia, descubre su atracción por Anja, una compañera de estudios. Este despertar sexual va acompañado de una serie de fenómenos sobrenaturales que parecen estar ligados a sus emociones reprimidas.

Estos elementos paranormales parecen una metáfora del conflicto interno de Thelma: su deseo, condicionado por su educación religiosa estricta, se convierte en una fuerza que no puede controlar. Thelma descubre que tiene la capacidad de manipular la realidad con su mente, un poder que la conecta tanto con el deseo como con el peligro. Esto genera en ella un profundo sentimiento de culpa, reforzado por su educación religiosa, que ve su naturaleza como algo intrínsecamente pecaminoso.

Mientras su familia interpreta su poder como una señal de intervención divina o demoníaca, los médicos intentan explicar sus convulsiones y fenómenos a través de la neurología. Esta dualidad refuerza el tema central de la lucha entre lo racional y lo espiritual.

Los padres de Thelma, especialmente su padre, representan la opresión patriarcal y religiosa. Su control sobre Thelma y su percepción de ella como un peligro subrayan los efectos destructivos de la sobreprotección y la negación de la autonomía personal.

Trier utiliza imágenes simbólicas, como aves cayendo del cielo o la representación del agua (la piscina, el mar), para ilustrar la transformación emocional de Thelma y su conexión con lo sobrenatural.

Thelma tiene muchos elementos en común con Carrie (1976) de Brian De Palma, donde el despertar sexual de la protagonista también desencadena poderes sobrenaturales.

Gregorio