No vamos a descubrir ahora a Chaplin, que sin duda es uno de los mayores genios que ha dado el cine a lo largo de su historia, sino el mejor. Sus obras ya han pasado a la historia, aunque es verdad que si nos piden a los espectadores que nombremos sus mejores obras, a la mayoría, incluido yo mismo, nos vendrían a la cabeza La Quimera de Oro, Tiempos Modernos o Luces de la Ciudad sin dudarlo. Se nos olvidaría esta pequeña joya que es El Circo, última película muda rodada por Chaplin.

Una película que me parece sencillamente maravillosa, rodada de forma que sus gags encajen en el conjunto de la película perfectamente, con un hilo conductor sencillo (como casi todos los de Chaplin) pero que muestra todas las características típicas de sus películas. Una mezcla de risas y ternura, de crueldad y romanticismo, de tristeza y de amor. Realmente esa fórmula que utiliza una y otra vez Chaplin y, sin embargo, no nos cansamos de ver nunca. Sencillamente porque eso solo lo puede hacer un genio como él.

Que puedo contar yo sobre esta película que no se haya escrito ya, evidentemente nada. Cuando era pequeño y la ponían en la televisión, con publicidad incluida, se extendía durante toda la tarde. Era difícil seguir el hilo argumental tanto tiempo y más para un niño tan pequeño. Hoy en día, cada vez que la veo, se me pasan las cuatro horas de metraje rapidísimo, simplemente porque cada vez la valoro mejor y me parece mejor película. Indiscutiblemente, los años no pasan por ella. Si te dicen que la han filmado hace unos años, te lo crees.

Pocas películas aglutinan en sí mismas acción, aventuras, amor, venganza, odio, guerra, segregación, paz, riqueza, hambruna...como Lo que el viento se llevó. Todo en una misma película. Lógicamente, los avanzas técnicos de la película son innegables (hablamos del año 39 claro está), la calidad del color es increíble, las imágenes del incendio de Atlanta son espectaculares para la época, la secuencia de los heridos en la estación del tren todavía siguen sobrecogiendo después de tantos años. Una guerra devastadora que va a transformar el mundo perfecto y precioso de la gente del Sur completamente.

Hablar de esta película es hablar de Vivian Leigh, un personaje con esa garra, esa fuerza, ese pundonor para sacar a su familia adelante pase lo que pase, sacarla de la hambruna aunque sea robando, esa mano cogiendo la tierra roja de Tara, ese puño en alto jurando que su familia jamás volvería a pasar hambre....es historia viva del cine. Como contrapunto, un jugador, un bebedor, un mujeriego, un vividor...Red Butler. Esa sonrisa canalla que muestra toda la película Clark Gable es sencillamente increíble. Pero detrás de esa fachada, se muestra realmente una persona enamorada de Scarlett O´Hara.

Sin lugar a dudas, un clásico en toda regla, una película que da gusta seguir disfrutando y que desde luego, el tiempo ha tratado bien... como el buen vino, mejora con los años.

Es innegable que Oliver Stone ha sido siempre muy crítico con su propio país y con los gobiernos que se han ido sucediendo en él. En la mayoría de sus películas lo muestra y creo que JFK es el culmen de ese pensamiento antiamericano.
La película nos narra desde el punto de vista del fiscal del distrito de Luisiana su lucha personal en busca de la verdad en el asesinato del presidente Kennedy, aunque la película va mucho más allá; trata de hacernos participes de los valores de una sociedad en torno a sus poderes políticos y judiciales, tratando de hacernos entender que lo que nos ponen delante de nuestros ojos, tanto el gobierno, la prensa o la televisión, no siempre es la verdad absoluta.
El director consigue engancharnos de tal manera a la película que nosotros mismos nos damos cuenta que tenemos la potestad de quitarnos la venda de los ojos e intentar buscar la verdad de los sucesos que pasan a nuestro alrededor y creo que esa es la verdadera genialidad de esta película.
Todo ello queda reflejado en el alegato final del fiscal que me parece, sin sonar descabellado, una de las mejores escenas que se han rodado siempre.

Realmente cuando no te ha gustado una película es fácil hacer una crítica, pero me da pena porque el guión prometía mucho y tengo que reconocer que la presencia de Tim Roth me llamaba la atención, aunque al final me ha decepcionado la película en global, creo que le han sacado muy poco partido.

La primera parte es bastante aceptable, Tim Roth es un crítico de música que de repente encuentra una posible pista de su mejor amigo de la infancia desaparecido desde hace 35 años. Comienza entonces su búsqueda sobre todo para esclarecer su desaparición repentina justo antes de dar su primer concierto. El niño era un prodigio judío del violín que había escapado de Varsovia y su familia lo refugió con unos amigos en Londres, donde se hacen cargo del niño mientras le dan clases de música. Allí comienza una nueva vida junto con su nuevo "hermano" (Tim Roth), congeniando los dos y haciéndose inseparables.

Las escenas en flashback son lo mejor de la película, mientras pasan la infancia en una Gran Bretaña asediada por la Luftwaffe alemana. Sobre todo hay un duelo con otro niño prodigio también del violín en un bunker que es maravillosa. Pero la película se queda en eso, en buenas escenas al principio y poco más.

La segunda parte se enzarza en una búsqueda con la que se recorre medio mundo, pero en unas escenas que se hacen soporíferas, muy lentas y en las que apenas se aporta nada a la película. Creo que es un error de bulto, porque el director tenía material de sobra, está hablando de los judíos en la Segunda Guerra Mundial, del gueto de Varsovia, los campos de concentración, Treblinka, etc. Tenía muchos temas buenos a los que agarrarse pero pasa de puntillas sobre todos ellos, no sé por qué.

La última media hora es la peor de todas, que justo coincide con la aparición en pantalla de Clive Owen como no, madre mía no sé quién hizo el casting para escogerle pero falló estrepitosamente. Su papel como prodigio judío del violín no es que deje que desear, es que es patético, igual que su barba. Sus escenas carecen de sentimiento total (sobre todo cuando están sentados los dos en el coche) simples, llanas, sin ninguna intensidad.

El final pues no lo voy a comentar, para mí nefasto, bueno más que nefasto, absurdo, o por lo menos a mí me lo parece. Espero que cuando veáis la película no opinéis lo mismo que yo y os guste. Realmente me parece una pena, porque con unos toques más a la película creo que hubiese dado como resultado una muy buena película pero bueno, que se le va a hacer.

Es evidente que el cine de Wenders es diferente, distinto a la mayoría de lo que hacen el resto de directores. De hecho, en mi opinión o lo amas o lo detestas, no creo que haya término medio con el alemán. Siempre saca lo mejor de cada personaje, exprime a cada actor para mostrar realmente sus emociones y todas sus complejidades en pantalla, que se vea reflejado su estado de ánimo en cada momento, en cada escena.

El amigo americano es una muy buena película es ese aspecto, escenas perfectamente rodadas, principalmente un Bruno Ganz que está espectacular, y no mucho menos Dennis Hopper. Durante toda la película se genera esa tensión en los personajes que desemboca en un final brillante. Aunque tengo que ponerle un pero, me parece excesivamente lenta. Por momentos, se ralentiza la película demasiado; reconozco que es un característica de Wenders, lo sé, pero creo que esta vez se le ha ido de las manos.

Tanto en Alicia en las ciudades (1974), París Texas (1984) o Cielo sobre Berlín (1987), sin duda alguna sus películas más recordadas, la ralentización de las escenas no evita que la película siga su linea argumental pero me da la impresión que esta vez si, el curso de la película se ve afectado es exceso. Se mezclan escenas terriblemente complejas a nivel moral y psicológico para los personajes, con escenas carentes de significado alguno e intrascendentes.

Es una pena porque hubiese sido una película sublime, igual que la mayoría de la filmografía del genio alemán, sin duda uno de mis preferidos. Por lo menos, buena película para ver sin duda alguna.