La desdichada vida de Van Gogh fue adaptada al cine en 1956 por Vincent Minnelli (Lust for life fue el título original), quien no pudo estar más acertado al asignar a Kirk Douglas el papel de genio atormentado. A pesar del carisma que desprende en cada gesto interpretando a Espartaco o el temor que produce el desfigurado rostro de Einar en Los Vikingos (1958), fue la personificación de Van Gogh su papel más aclamado. Más allá de su increíble parecido físico, pocas veces se ha visto en el celuloide una interpretación tan descarnada de un hombre que lucha contra sus propios demonios, contra sí mismo. Un hombre impulsivo, desordenado e irritable, y en cuyo cerebro hierve un talento capaz de plasmar, únicamente, en un lienzo, demostrando sentimiento, fuerza y belleza pero, como el bueno de su hermano Theo dice "nunca llegará a ser feliz", azotado por los miedos y el fracaso.

De esta manera, naufragan cada uno de sus proyectos: su deseo de ayudar a los más necesitados en su primera etapa como sacerdote, las relaciones amorosas, la convivencia con Gauguin, el taller de artistas que pretendió crear en Arlés, y así hasta el final de sus días.
Además de Douglas, el papel de Paul Gauguin es interpretado por Anthony Quinn. Ambos nos muestran con maestría, mediante una escena en la que discuten acaloradamente, como era la tortuosa relación que los unía, sus desacuerdos artísticos y sus anhelos en la vida.

Por otra parte, el cuidado que aplica Minnelli en la elaboración de las reproducciones de sus cuadros alcanza la perfección, sorprendiéndonos con decorados y exteriores muy precisos de obras tan conocidas de Van Gogh como Los comedores de patatas, El café nocturno o El dormitorio de Van Gogh en Arlés. Así, podríamos afirmar que se trata de una film muy recomendable para cualquier aspirante a actor, cinéfilo o aficionado al arte. Una película de altura, que dista mucho de ser un simple biopic, al tratar temas vinculados al sentido de la vida y la vana búsqueda de un hombre, a pesar de contar con poderosas armas, un hueco en la vida.

Excelente retrato de una época marcada por una ley, como dicen en la película, mal hecha, un error, que es la Ley Seca, y la trampa que acarrea dicha ley, el contrabando y la mafia que se enriquece a su costa, encarnada en la película por el ambicioso Eddie Bartlett (James Cagney) y el criminal sin escrúpulos George Hally de Humphrey Bogart. Narra el ascenso y caída de un ex-combatiente de la 1º G.M. que regresa a casa para encontrarse que el mundo ya no es como antes, sintiéndose abandonado por el país que defendió con su vida. Es en esta situación de precariedad en la que decide ganarse la vida ilegalmente.

Esta historia del gángster Cagney le sirve al director para contarnos la dureza de esos años veinte para la sociedad americana, una sociedad acostumbrada a la opulencia que en su mayoría tuvo que apretarse los machos para superar la crisis, pero otros como el personaje de James Cagney se aprovechó de las circunstancias para forrarse.

No es que sea un erudito en cine negro, pero considero que la película es de suma importancia dentro del género porque es un reflejo fiel de los años veinte, la época dorada de los gángsters en América, fuente principal de la que bebe el cine negro y porque tiene unas interpretaciones magníficas, un Humphrey Bogart que ya despuntaba y al que le quedaban un par de añitos para saltar a la fama con "El último refugio", también de Raoul Walsh, y un James Cagney supremo, cuya interpretación de gángster bajito (más bajo que Bogart, que ya es decir), nervioso y con más mala leche que un perro chico seguramente sirvió de inspiración a Al Pacino para su Tony Montana, más seguro que la de Paul Muni en la "Scarface" original, o al menos eso me parece.

Walsh es uno de los grandes del Hollywood clásico, no os la perdais.

Que técnicamente esté bien hecha con dinero y las tecnologías actuales es algo que se da por sentado.

Que un herrero francés que vive donde Cristo perdió el mechero se convierta de la noche a la mañana en el líder cristiano de Jerusalén resulta, siendo educados, increíble.

Que encima lo consiga por ser “hijo de” es ya de una vagueza intelectual vergonzosa.

Y que lo interprete “Míster inexpresividad” Orlando Bloom es para echar de comer aparte a Ridley Scott. ¡Menudo ojo!.

Chorrada.

“La casa de las dagas voladoras” es una película coja, descompensada.
Por un lado, el apartado técnico es de una factura intachable lo mires por donde lo mires: vestuario, fotografía, maquillaje...
Las coreografías son para quitarse el sombrero, vamos que los del circo del sol se parecen a mí cuando intento hacer la vuelta lateral al lado de esta gente. Es espectacular.
Los efectos especiales son de traca, al igual que el sonido, para hacerse polvo en el cine.

Pero el corazón de toda película es el argumento, y si este falla, como es el caso, no hay película, y por tanto no puedo aprobarla. Está cogido por los pelos, rozando el disparate. La relación del trío protagonista no se la cree ni el Tato. Las situaciones que se nos plantean a lo largo de la película son ridículas, al igual que las supuestas sorpresas (y no quiero profundizar mucho porque tendría que ir al spoiler y no me apetece).

Puro espectáculo visual carente de sentido.
Suspenso.

Hace unos días vi Incidente en Ox-Bow (1943), dirigida por William A. Wellman, una película de esas que te dejan pensativo y con mal cuerpo, sabiendo que acabas de ver un peliculón pero que aquello que cuenta no puede ser más duro y cierto. En un pueblo perdido del Oeste americano, llega la noticia de que un ranchero vecino del mismo ha sido asesinado por unos salteadores. El sheriff no se encuentra en el pueblo para impartir justicia, por lo que se forma una patrulla integrada por varios vecinos para buscar a los asesinos. Una vez les dan alcance, la patrulla mantiene una fuerte división de opiniones, pues los tres apresados (Dana Andrews, Anthony Quinn y Francis Ford, hermano del director John Ford) muestran claros síntomas de inocencia. La película de Wellman realiza una profunda reflexión sobre las masas, cuando inconscientemente se toman la justicia por su mano y los peligros que conlleva, es decir, la facilidad con la que nos podemos dejar llevar cualquiera por un mero indicio o un análisis sesgado, sin haber pensado antes en el daño que podemos provocar, es más, escudándonos en el grupo y sin importarnos lo más mínimo estar en lo cierto o no, ya que me ampara que la decisión es conjunta, no personal, y nos creemos a salvo de responsabilidades.

En cierto modo, me recordó a otra película que vi hace mucho tiempo, la maravillosa Furia (1936), de Fritz Lang, en la que, esta vez, era Spencer Tracy el centro de las iras del populacho. También se pueden ver ciertas similitudes en esta historia con Doce hombres sin piedad (1957), incluso el bueno de Fonda comparte su posición en ambas películas, basándose en la presunción de inocencia de los acusados hasta que no se demuestre lo contrario.

Sin embargo, lo que más caracteriza a Incidente en Ox-Bow es su facilidad para hacerte sentir, al igual que el personaje de Henry Fonda, un espectador impotente ante un juicio sin ley ni justicia, en el que impera la ligereza en la toma de decisiones y el rigor en aplicarlas, por lo que, en ese sentido, podríamos estar ante un evidente alegato de la ley y el orden, claramente ajeno a la anarquía y a tomarse la justicia por su mano.
Y ya por último, decir que es una lección de como contar una historia en tan sólo ¡Una hora y cuarto!, que más de un director debería repasar y no hacer peñazos de casi tres horas, que no digo que no las haya buenas, pero si vas a hacer una castaña...lo mejor es ser breve.