Hace algún tiempo que Shyamalan ni sorprende ni perturba, ni siquiera recurre al manido giro de guion de sus primeras películas. A pesar de su desidia, el público sigue pendiente del director, esperando que nos devuelva la emoción profunda de obras maestras como "El bosque". Shyamalan se ha convertido en una marca de suspense paranormal, un trasunto a medio camino entre Hitchcock y Iker Jiménez.

En esta última década el género de "Casa asediada" ha tenido mucho predicamento. El mismo Shyamalan ya tocó el tema en la magistral "Señales", mostrando el juego que puede dar un campo de maíz de noche y una linterna. Volver sobre el tema era innecesario.

"Llaman a la puerta" es totalmente ridícula. Es realmente complicado creer lo que está ocurriendo. De hecho en el cine de Shyamalan siempre hay algo ridículo, algo un poco infantil en sus historias. Un defecto disculpable si la historia, finalmente, nos conmueve. Lo peor de "Llaman a la puerta" no es su ingenuidad sino que no hay ni rastro del demostrado talento del director para transmitir perturbación. Ninguna escena inquietante, ningún montaje de imágenes perturbadoras. Lo más original de la película es la elección de una pareja homosexual como protagonista...y también ese detalle, en manos del director, parece una caricatura.

Guillermo del Toro ha consolidado con éxito una trayectoria dedicada por entero al género fantástico. Una constante de su estilo es la idea del monstruo, que tiene en el actor Ron Perlman y la saga de "Hellboy" al fetiche perfecto. En su cine el director recupera el espíritu romántico desde una lectura pop que bebe de fuentes postmodernas, especialmente del cómic. Sus películas son un carnaval de criaturas mitológicas y mundos esotéricos. Sin embargo su exceso formal es al mismo tiempo su mayor virtud y su peor defecto, porque su barroca simbología es una carcasa hueca. Los monstruos de Del Toro son lúdicos, incluso simpáticos, pero nunca siniestros. Carecen de lo esencial, aquello que Freud denominaba "unheimlich".

"El callejón de las almas perdidas" vuelve a la idea del monstruo y al cine negro de los años 40. Un extraño híbrido que homenajea a "Freaks" de Tod Browning y "Perdición" de Billy Wilder. De nuevo todo es superficie, monstruos que no provocan espanto y un misterio que no provoca suspense. No me extenderé en las debilidades del guión, empezando por esa mujer fatal que es una caricatura. Su relación inverosimil con el protagonista, un aprendiz de mago cegado por la ambición. Del Toro pretende convencer al espectador de que el mago triunfa con trucos rudimentarios que no engañarian ni al niño más cándido. Un despropósito argumental de campeonato.

Como ya demostró en su oscarizada "La forma del agua", Del Toro transmite sensibilidad cuando habla de emociones humanas como el amor, pero su intento por resucitar un cine de otra época se atasca en el tópico de trazo grueso.

Con "Excalibur" no soy objetivo. Personalmente significó el descubrimiento del cine como emoción pura. Todavía hoy entiendo el cine como la imagen del Rey Arturo atravesando a caballo una constelación de pétalos blancos. Caballeros de armaduras refulgentes entre almendros en flor y los coros del Carmina Burana con su hermoso clamor de batalla. Supongo que no fui el único que, gracias a esta obra maestra de John Boorman, descubrí las cantatas profanas de Carl Orff, hoy en día muy manoseadas por la cultura pop, pero que siguen siendo una de las cimas de la épica musical.

Sigo cautivado por la puesta en escena de "Excalibur", sus frondosos bosques, las pesadas armaduras que convierten a los personajes en astronautas metálicos y la fotografía de Alex Thomson con esos reflejos verdosos. Nunca antes la solemnidad operística de Richard Wagner había tenido tanto sentido en cine como en "Excalibur". En realidad un anacronismo histórico, pues casi 400 años separan al compositor alemán de las lejanas leyendas artúricas. Bendito anacronismo.

Una película redonda con unos diálogos bellísimos capaces de convertir a la fe católica al más ateo. Nigel Terry, fallecido en 2015, siempre será el atribulado Rey Arturo y Perceval (Paul Geoffrey) con su pureza de espíritu nos convence de que Dios existe para quien aprende a mirar con los ojos del alma.

Incluso con películas de culto como "Deliverance" o "A quemarropa" ninguna película de Boorman alcanzó el fulgor de "Excalibur". Sin ser un director genial se puede afirmar que con "Excalibur" Boorman alcanzó el mismo estado de gracia que Perceval contemplando el Grial. Obra maestra.

Romance pastoril en la campiña francesa de marcado acento poético. "Scarlet" busca en sus texturas un diálogo romántico con las raíces del propio cine. Celuloide sucio, de grano grueso, como el de aquellas proyecciones borrosas de principios del siglo XX. De hecho Pietro Marcello incluye en la película fragmentos reales de viejos documentales.

El gran problema de "Scarlet" es que su preciosismo bucólico esconde una narración de baja intensidad que deja un poso de ausencia. Marcello se reitera tanto en la forma que se olvida de dar continuidad a lo narrado. Un cuento vaporoso que divaga en exceso y no despierta interés. Eso sí: soberbio y contundente el papel de Raphaĕl Thierry y sus manos rocosas.

En cualquier caso nos queda un ejercicio de artesanía, casi un homenaje al trabajo manual (tanto dentro como fuera de la pantalla) cuya plasticidad parece un manifiesto anti-digital. Nostalgia estética que evoca no sólo a los orígenes del cine, sino también al cuento tradicional, la pintura impresionista de Renoir o la fotografía pionera de Louis Daguerre.

¿Cómo es posible que una película con tantos errores logre entretener? "Jaula" arranca con la amenaza de ser otra historia de terror sobre niños raritos que dibujan compulsivamente escenas siniestras. Afortunadamente el asunto no va por ahí.

No acostumbro a valorar las películas por sus calidad técnica, un factor relativo que con el paso del tiempo convierte películas de baja calidad en obras de culto. Sin embargo la pobreza técnica de "Jaula" es digna de mención. La película tiene un sonido lamentable, los diálogos no se oyen bien y muchas palabras se amontonan. Lo mismo pasa con la imagen, castigada por una penumbra eterna que dificulta detalles visuales del argumento. Con una fotografía más limpia algunas escenas serían magníficas. La indecisión entre géneros, terror y thriller, tampoco ayuda a ubicar al espectador.

Una película que teniéndolo todo en contra logra (milagrosamente) ir creciendo a medida que su director va descubriendo el mejor camino para contar su historia. El camino del suspense. Formidable el papel de Carlos Santos, un actor discreto más fácil de ver en comedias olvidables que en papeles dramáticos.

En fin, hay que seguirle la pista a Ignacio Tatay, un director prometedor que necesita pulirse.