El “Triple Axel” es uno de los saltos más espectaculares y difíciles de ejecutar en el patinaje artístico, el cual consiste en dar tres giros en el sentido contrario a las agujas del reloj antes de volver a aterrizar en el hielo. Este movimiento únicamente ha sido realizado en Juegos Olímpicos por tres atletas: las japonesas Midori Ito en 1992 y Mao Asada en 2010; y la estadounidense Mirai Nagasu en los recién concluidos de PyeongChang. No obstante, la primera norteamericana capaz de ejecutar dicha hazaña fue Tonya Harding, quien en 1991 fue capaz de realizar el salto en unas competencias nacionales.

Desafortunadamente, Harding se hizo famosa no por sus proezas deportivas sino por haber estado implicada en el ataque sufrido por Nancy Kerrigan, una de sus rivales en la búsqueda de conformar el equipo de Estados Unidos que iría a las olimpiadas y que en 1994 fue golpeada con una barra de metal en la rodilla cuando salía de una rutina de entrenamiento. Tras una serie de investigaciones, resultó que Jeff Gillooly y Shawn Eckhardt, esposo y guardaespaldas de Tonya, fueron los autores intelectuales del ataque, situación que puso a la atleta en el ojo del huracán y que culminó con su inhabilitación de por vida para practicar dicho deporte a nivel profesional.

La historia de la “villana del patinaje” es llevada a la gran pantalla por el director Craig Gillespie (The Finest Hours, Million Dollar Arm) en un biopic que muestra la complejidad de un personaje que fue víctima de la violencia intrafamiliar durante toda su vida, situación que sin duda dejó huella dentro y fuera de la pista. Iniciando el relato desde la niñez del personaje, serán los mismos protagonistas quienes con su propia voz narrarán los hechos, cada uno desde su punto de vista y dejando que sea el mismo público quien juzgue su grado de culpabilidad en uno de los sucesos más bochornosos en la historia del deporte en los Estados Unidos.

Con un guion muy bien adaptado por Steven Rogers (P.S. I Love You, Love the Coopers) la historia se desarrolla con buen ritmo, presentando escenas de violencia intrafamiliar que transitan sobre la delgada línea entre lo cómico y lo trágico, y cuya gravedad se aligera con el tono sarcástico de los mismos narradores. Así, con escenas muy bien cuidadas en su edición para resaltar las habilidades de Tonya en la pista, sus realizadores dejan un sutil pero conciso mensaje acerca de los prejuicios y la falta de oportunidades que sufren aquellos quienes no cuentan con recursos económicos suficientes para encajar en disciplinas que, además de habilidad, exigen a sus atletas cumplir con requisitos banales relacionados con su imagen.

Margot Robbie (The Wolf of Wall Street, Suicide Squad) ofrece la mejor actuación en lo que va de su carrera, encarnando de forma extraordinaria a la polémica patinadora y a quien lo único que se le pudiera reprochar es no poder aparentar ser una adolescente en una parte de la película por el simple hecho de que su físico y edad ya no le dan para ello. Por otra parte, Allison Janney (The Hours, The Help) roba cámara ganándose la admiración (y el odio) del público como LaVona Golden, la madre de Tonya que sin duda quedará como una de las más perversas en la historia del cine. Completa el reparto Sebastian Stan (conocido por ser Winter Soldier en el MCU) como Jeff Gillooly, quien convence como el torpe y violento esposo de la protagonista. Merece una mención especial la pequeña Mckenna Grace (Gifted) quien vuelve a demostrar su gran talento interpretando a la protagonista durante su niñez.

El filme cumple con su cometido al mostrar cómo, un poco víctima de las circunstancias y otro tanto por ser incapaz de poner en orden su vida, Tonya Harding se convirtió en el blanco perfecto para que los medios de comunicación pudieran explotar y hacer crecer una historia que poco tuvo que ver con lo deportivo, provocando que la sociedad estadounidense emitiera juicios de valor parciales en contra de una atleta que buscó abrirse paso en un deporte de ricos. El tono sarcástico de toda la película sirve para aminorar las emociones y permite que el público sea el encargado de emitir sus propios juicios de valor al respecto de uno de los personajes más controversiales en la década de los noventa y cuyo escándalo quedó como la antesala de otro aún mayor: el juicio de O.J. Simpson.

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Después del vacío que dejó It en aquellos amantes del género de terror y de la grata sorpresa que fue Get Out hace unos meses, las expectativas generadas por el nuevo trabajo de Darren Aronofsky (Requiem for a Dream, Black Swan) eran bastante altas, puesto que por lo poco que se mostró en sus promocionales se tenía la impresión de que sería un filme de horror distinto a lo que se acostumbra ver en el cine. Tal vez este fue el primer problema de mother! puesto que el público esperaba ver una historia al estilo de Stephen King y no una alegoría acerca de cómo, desde su muy particular punto de vista, el director neoyorkino entiende ciertas realidades del mundo moderno.

Aunque pareciera sencilla de explicar, la historia es bastante difícil de entender: un matrimonio, ella joven y él bastante mayor, viven plácidamente en una casa aislada de cualquier signo de civilización. La mujer se encarga de restaurar la mansión con una dedicación casi artesanal mientras deja que su esposo se dedique a escribir, aunque últimamente ha estado carente de inspiración. Inesperadamente, un extraño toca a su puerta en busca de alojamiento, y a pesar de la inconformidad de su pareja, el artista permite que éste se quede por unos días. Al incómodo huésped le siguen su esposa, sus hijos, familiares y un sinnúmero de personas que buscarán vivir dentro de la casa, motivados por la admiración que sienten hacia el escritor. Evidentemente, un gran número de visitantes indeseados bajo un mismo techo solo puede tener una inevitable consecuencia: el caos.

Y ese es precisamente el mejor calificativo que puede recibir esta película: un completo caos. Dividido en dos partes bien definidas, en un principio se muestra la disfuncional relación de la pareja, la cual resulta aún más evidente cuando aparecen los primeros dos huéspedes y culmina con un evento cuya relevancia dará pie al segundo acto. Cuando termina la primera parte uno todavía conserva la esperanza de que los acontecimientos siguientes llevarán la trama hacia algún lado, no obstante, el segundo episodio resulta ser una acumulación desordenada de elementos que se apilan sin ningún orden, haciendo que la última media hora del filme sea un reflejo de los cinco días que tardó el director en “vomitar” (como él mismo lo expresó) el guion, puesto que parece que las ideas fluyeron rápidamente en su mente y no fue capaz de ordenarlas con la coherencia suficiente para que el público pudiera entender de qué trata la cinta.

En lo que respecta a las actuaciones, el elenco no podía ser de mejor calidad. Jennifer Lawrence (Silver Linings Playbook, Joy) es la encargada de encabezar el peculiar desorden, demostrando con su interpretación de la abnegada esposa el porqué es una de las actrices más reconocidas de los últimos años. Su contraparte es Javier Bardem (Biutiful, No Country for Old Men) con una buena participación en su papel de escritor ensimismado en su propio mundo y quien junto con Lawrence realiza un buen trabajo al mostrar a una pareja totalmente disfuncional y distanciada. Asimismo, aparece una extraordinaria Michelle Pfeiffer (Dangerous Liaisons, Love Field), quien hacía bastante tiempo que no brindaba una actuación de gran calidad como en esta película, encarnando convincentemente a una mujer llena de malicia. Completa el elenco Ed Harris (Apollo 13, The Hours), cumpliendo como de costumbre con su papel del inesperado primer huésped.

De esta forma, a pesar del fallido intento de Aronofsky por transmitir su mensaje, debe de reconocerse al director que su realización es impecable, ya que la sensación de aislamiento se transmite desde los primeros minutos, mientras que la frustración e impotencia de la mujer se percibe de manera convincente durante toda la película. Asimismo, la filmación en 16 mm y los efectos de sonido resultan ser bastante efectivos para crear la atmósfera de aquel microcosmos que pretendió crear el director. Lo anterior, aunado al buen trabajo actoral, son lo más rescatable de un filme que aún con sus virtudes no es capaz de satisfacer a su audiencia.

Es así como, con una serie de simbolismos que hacen a uno pensar y volver a pensar para intentar a entender el mensaje del director, se llegará a la conclusión de que la cinta manipula referencias bíblicas en su intento de dar una alerta sobre los vicios que aquejan a la condición humana. Así, el filme navega entre reflexiones acerca del amor incondicional y la forma en cómo se puede abusar de éste, la búsqueda desmesurada de admiración y reconocimiento, la ceguera que puede provocar el éxito, la maternidad, el maltrato a la mujer, las relaciones familiares y un sinnúmero de tópicos que, si uno así lo desea, podrá ver reflejados en la película. No obstante, el mensaje es demasiado confuso y queda bastante abierto a un público que tal vez no estaba en la disposición de presenciar un viaje tan estridente.

Si bien existen filmes con finales ambiguos que son capaces de dejar al espectador pensando incluso varios días después de que aparecen los créditos, cuando el director deja muy para sacar una conclusión convincente lo único que le quedará a la audiencia será una sensación de vacío el cual, más que despertar el deseo de repetir la cinta con tal de encontrar respuestas, hará que decida alejarse y desentenderse de las motivaciones de su creador. Así, Aronofsky intentó jugar a ser dios queriendo abarcar todo en su película y, como normalmente sucede en esos casos, dejó a su público sin nada.

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Codicia y galones de petróleo son el enemigo en la nueva cinta del director Peter Berg (Lone Survivor, The Kingdom), quien en un largometraje de excelente realización es capaz de emocionar y hacer reflexionar al espectador al presentar las causas que originaron la mayor catástrofe petrolera sucedida en los Estados Unidos de América, cuando el 20 de abril de 2010 la plataforma contratada por la empresa British Petroleum para perforar pozos se hundió en el Golfo de México, en un accidente que dejó un saldo de once muertes y el desastre ecológico más grave registrado en la actualidad a causa de un derrame petrolero .

Con un inicio en el cual de forma brillante y sencilla una niña de diez años explica al público cuál es la función de la plataforma y cómo fue que el accidente sucedió, la cinta se divide en dos partes claramente identificables para abordar dos problemas distintos pero ligados entre sí. La primera parte es un intento, muy bien logrado, de exhibir la forma en cómo los intereses económicos de las empresas petroleras suelen sobreponerse a la seguridad tanto su propio personal como del medio ambiente. De esta forma, quizás con un exceso de tecnicismos que pueden llegar a confundir a aquellos que no estén familiarizados con el trabajo en la extracción de petróleo, se muestra detalladamente la forma en cómo diversos procedimientos y protocolos de seguridad fueron violados o pasados por alto con tal de que el trabajo no se saliera del presupuesto contemplado.

La segunda parte, de una forma mucho más dinámica y siendo la parte fuerte de la película, se centra en el desastre, y con secuencias muy bien realizadas se convierte en una verdadera cinta de acción en la cual se detalla la forma en cómo los sobrevivientes pudieron salir adelante. Así, la forma de presentar la catástrofe es llevada de forma dinámica y bien estructurada, logrando que el público no se pierda entre el caos y logrando una conclusión simple y sin heroísmos exagerados.

Aunque la cinta nunca pierde su esencia, ya que se trata de una película de desastre, tiene el mérito adicional de que sin llegar a ser un documental, presenta de forma concisa cuales fueron los intereses económicos que causaron el accidente, incluyendo de forma acertada los hechos históricos que rodearon el problema. Además, aunque tampoco ahonda en el tema, deja referencias muy marcadas acerca del daño ecológico originado por la catástrofe y de las consecuencias legales que tuvieron que afrontar los responsables de la misma, dejando un espacio para que, después de sobreponerse a tantas emociones, el público pueda detenerse un poco a reflexionar acerca del trabajo que realizan estas grandes corporaciones, el cual muchas veces pasa desapercibido.

En cuanto al reparto, a pesar de que no cuenta con actuaciones que podrían considerarse memorables, la realidad es que el elenco en general cumple de forma satisfactoria. De esta forma Mark Wahlberg (The Departed, Lone Survivor) asume el protagonismo como Mike Williams, el encargado del equipo de técnico de electrónica quien, aunque en la vida real no realizó hazañas de la magnitud que se presentan en la película (aunque el gran salto que dio sí es verídico), sí ayudó a salvar muchas de las vidas de sus compañeros. Por otra parte, Kurt Russell se encarga de interpretar a Jimmy Harrell, quien mejor conocido como “Mr. Jimmy” era el oficial mayor encargado de la plataforma el día en que sucedió el accidente. Por último, destaca la participación de John Malkovich como el negligente Donald Vidrine, un ejecutivo de British Petroleum que presionó para que la operación continuara a pesar de no haber cumplido con las revisiones de seguridad correspondientes.

Es así como Deepwater Horizon es una excelente opción para quienes gustan de las películas de acción y desastre, puesto que logra mantener la atención del público en todo momento. Lo anterior con el mérito adicional de que expone de forma clara y coherente las causas que originaron una catástrofe que de ninguna forma podría ser considerada como natural, situación que invita a la reflexión acerca de cómo, una vez más, la negligencia de unos pocos guiados por intereses económicos causaron daños irreparables tanto al medio ambiente como a las vidas de cientos de personas.

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Ahora que el tema de la discriminación hacia los mexicanos en Estados Unidos ha adquirido un nivel alarmante por los discursos de Donald Trump, Jonás Cuarón (no confundirlo con su padre Alfonso) aprovecha la coyuntura para presentar Desierto, película mexicana que trata acerca de un “cazador” estadounidense dedicado a perseguir inmigrantes ilegales que cruzan la frontera para perseguir “el sueño americano”. Así, un grupo de mexicanos que queda a la deriva en el desierto texano es encontrado por el fanático y su perro, iniciando así una persecución de vida o muerte en la cual muy pocos se salvarán.

La cinta es buena sin llegar a ser brillante, cargada de momentos de bastante intensidad pero que no terminan por cuajar para hacerla verdaderamente emocionante. Asimismo, el filme falla en cuanto a que sus personajes no fueron trabajados lo suficiente. Así, uno solamente puede indagar qué es lo que realmente motiva al despiadado Sam a asesinar a sangre fría a otras personas, dejando pasar una buena oportunidad para profundizar en un tema que merece ser analizado más a fondo debido a sus implicaciones sociales y al interés que puede despertar en el público.

Sin embargo, hay que considerar que Desierto no pretendió ir más allá de una película de persecución, con secuencias muy bien logradas pero con personajes unidimensionales, destacando la participación de Gael García (Amores Perros, Babel) únicamente por nombre, ya que su actuación como el inmigrante Moisés (referencias bíblicas aparte) dista mucho de ser notable. En la otra parte está Jeffrey Dean Morgan (Watchmen), desarrollando un trabajo aceptable en el papel del fanático Sam. Así, los protagonistas no pasan de ser los clásicos estereotipos: el cazador es malo, muy malo, lleno de defectos, bebedor, fumador y mentalmente inestable; mientras que la presa es una persona buena, muy buena, quien ayuda a sus semejantes, protege al débil y es compasivo.

Considerando lo anterior, se utilizó un tema muy controversial (tal vez para atraer la atención de grandes audiencias) para ser trabajado de manera muy superficial y solo para contar una historia más de suspenso, que bien pudo haber sido presentada de una forma mucho más detallada para hacer una crítica profunda que acerca de las raíces de la discriminación racial y sus efectos, los cuales pueden llegar a ser brutales si se continúa alimentando el discurso que incita a la xenofobia por parte de quienes contienden al poder en el vecino del norte.

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Un curioso capítulo más sobre el enfrentamiento entre los Estados Unidos y la Unión Soviética durante la Guerra Fría es llevado a la gran pantalla. Del director Edward Zwick (Blood Diamond, Defiance) llega la historia verídica de Bobby Fischer, un genio del juego del ajedrez cuya obsesión por ser el mejor del mundo es aprovechada por el gobierno estadounidense para enfrentarlo en diversas ocasiones en contra de Boris Spassky, un soviético que ostenta el título como el mejor del mundo. La imposibilidad de derrotar a Spassky, aunada a un delirio de persecución, provocarán la inestabilidad mental de Fischer, suceso al cual los estadounidenses restarán importancia con tal de ganar una batalla más contra “la amenaza roja”. El resultado final será una partida considerada como la mejor en la historia de la humanidad.

Se trata así de una película con una historia interesante que es muy bien llevada por el director, con el elemento adicional de estar inspirada en hechos reales, lo cual la hace más atractiva. Como era de esperarse, el filme está soportado por la excelente actuación de Tobey Maguire (Spider-Man, The Great Gatsby) quien hace un magnífico trabajo interpretando al excéntrico y paranoico Fischer, demostrando que tiene talento para desempeñar papeles exigentes. En cuanto al resto del elenco, destaca Liev Schreiber (Spotlight, The Butler) como Spassky, el némesis soviético que tampoco está exento de desórdenes de personalidad.

Además de la actuación de Maguire, llama la atención la forma en como la película plasma, de excelente manera, la paranoia que podían llegar a vivir los ciudadanos de ambas potencias que en cierta forma se veían involucrados en episodios que las enfrentaban. Asimismo, presenta un mosaico muy significativo del sentir de las sociedades de ambos países. No obstante, en ciertos momentos la película pierde ritmo, por lo que en algunas partes resulta un poco tediosa.

Como dato curioso, cabe mencionar que la cinta debe su nombre a una estrategia en el ajedrez en la cual uno sacrifica a su peón (pawn en inglés) para obtener cierta ventaja como el tener más espacio para las piezas o posicionarlas en mejores cuadros para desarrollar subsecuentemente un ataque. El propósito es crear posiciones desbalanceadas, no obstante, si no se aprovecha pronto la ventaja temporal, el jugador que utiliza la técnica perderá el juego debido a la inferioridad de piezas.

En resumen Pawn Sacrifice es una película muy bien llevada con una trama interesante que podrá gustar a todos aquellos que disfrutan de los temas relacionados con la historia del mundo de la posguerra y los juegos de poder. No obstante, para otros puede llegar a ser tediosa en ciertos momentos, por lo que la excelente actuación de Maguire podría no ser suficiente para gustar a quienes no están interesados en estos asuntos.

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