Distinto biopic de JACKIE KENNEDY, revisando las horas posteriores al asesinato de su marido, con una estructura original e interesante, en la cual, se muestran dichas horas, momentos de asesinato y secuencias muy atractivas de su llegada a la casa blanca en forma de documental en el que se entremezclan imágenes en blanco & negro y en color. Durante todo el metraje se hace énfasis de la soledad de la primera dama y en como tuvo que afrontar la situación.

La dirección corre a cargo del chileno PABLO LARRAIN, dando muestra de su originalidad y ejecutando el formato de la historia y su buen hacer detrás de las cámaras con gran maestría. A todo ello, sumar una perturbadora banda sonora que se entrelaza con las imágenes, una maravillosa recreación de los escenarios en los que trascurre la trama y en especial un excelente trato de los vestuarios y caracterización de los personajes.

Dejamos el plato fuerte para el final y no es otro que el trabajo de NATALIE PORTMAN. No me atraen los papeles que tienen como objetivo ser “cazaestatuillas” pero en este caso solo queda abrir los ojos y observar su trabajo impresionante de principio a fin, enfatizando a la perfección la pronunciación (merece la pena escucharla en versión original), gestualmente perfecta y trasmitiendo continuamente su emoción desmedida.
Destacar también el trabajo del veterano JOHN HURT como sacerdote.

Como resumen, indicar que disfrutaran los seguidores de la historia de Estados Unidos, los amantes de la PORTMAN y a los que nos gustan las historias bien contadas, sin prisa y sin esperar fuegos de artificio. En cambio, puede que pese a su corto metraje, se le pueda hacer pesada y lenta al gran público.

Innegable la originalidad de LICORICE PIZZA, personalmente me deja descolocado y no es la primera vez que me sucede con PAUL THOMAS ANDERSON. Acabo algunas de sus películas y me siento encantado, pero después me pongo a pensar y la sensación que se graba en el recuerdo es confusa, o exactamente lo contrario, durante el metraje me siento confuso pero después se forma un recuerdo imborrable.

En esta ocasión el director, además de ser el autor de la fotografía, construye un guion original sobre una historia de amor, en la que enlaza situaciones con verdaderos personajes de los años 70. Respecto a la historia de amor es muy interesante observar relaciones entre personas en las que la diferencia de edad es destacada. En el trasfondo aparecen multitud de personajes, con situaciones que nos describen sus personalidades, así podemos disfrutar del veterano actor WILLIAM HOLDEN (S. PENN), el productor JOHN PETTERS (BRADLEY COOPER) o el político JOEL WATCH. En este aspecto el film recuerda en cierta medida a la estructura de ERASE UNA VEZ EN HOLLYWODD, pero en lo que se refiere a la atmosfera, está muy cercana a BOOGIE NIGHTS, una de las cintas más destacadas del director, muestra que los años 70 que se representan es la década favorita del director (PURO VICIO también se movía en esa horquilla).

Son muchos los calificativos que describen LICORICE PIZZA, imaginativa, original y vistosa. Pero rezuma una extravagante estructura que puede descolocar al espectador que visiona una historia de amor en la que no queda identificado el trascurso del tiempo, no sabemos cuánto pasa desde el principio al final, nos perdemos y no se nos explica la naturaleza de los personajes ni las historias que van paralelas se cierran. Para mí, esos son los grandes defectos del film, pero siendo ANDERSON el autor, ya estamos acostumbrados a sus rarezas y peculiaridades.

La pareja de jóvenes actores está encarnada por ALANA HAIM, una cantante estadounidense que realiza una labor excepcional, siendo el alma de LICORICE PIZZA. Da gusto ver una joven con semejante frescura, con un distinto atractivo que escapa de los cánones que nos rodean y una naturalidad excepcional, genial su actuación (como curiosidad, su familia ficticia es la real, padre, madre y sus tres hermanas). Frente a ella, el debutante COOPER HOFFMAN, que durante todo el metraje y por su puesto salvando las distancias, me trasladaba en mis recuerdos a PHILIP SEYMOUR HOFFMAN, cuál fue mi sorpresa al descubrir con posterioridad que es el debut de su hijo.

Otro aspecto a destacar es la agradable y reconocible banda sonora que circunda cada secuencia, con canciones de todos conocidas de grupos como THE DOORS, DAVID BOWIE o CHUCK BERRY entre otros.

En síntesis, LICORICE PIZZA es un claro reflejo de la filmografía de ANDERSON, con reminiscencias de los años 70, con su sello en cada secuencia y formando una buena historia de amoríos de edades desfasadas que no deja indiferente, pero que puede resultar confusa en lo que respecta a la mal relatada naturaleza de los protagonistas y en la que los tempos son imprecisos, a pesar de lo cual nos regala una brillante actuación de ALANA que junto a la mencionada historia y una brillante textura con gran banda sonora incluida, consigue un resultado meritorio y distinto.

SAROO BRIERLEY es un joven nacido en 1981 en una zona de la INDIA llamada KHANDWA. Tras una triste situación acaecida cuando contaba con la edad de cinco años, acabó en un orfanato y felizmente fue adoptado por una familia australiana. Después de 25 años no pudo resistir el sentimiento de buscar sus raíces.
Nuestro protagonista escribió sus vivencias durante todos estos años en un relato autobiográfico titulado un LARGO CAMINO A CASA en el 2014.

Ahora su historia es llevada a las pantallas, con un guion de LUKE DAVIES basado en dicho libro y con la dirección de GARTH DAVIS siendo su opera prima.
La historia está bien narrada y puede dividirse en dos partes bien diferenciadas. En una primera, podemos observar las desventuras del joven SAROO y su lucha por sobrevivir, en cambio la segunda parte, ya con nuestro protagonista adulto, visionamos una historia de la obsesión del joven por encontrar su pasado y la búsqueda realizada para conseguirlo. Meritorio el trabajo del director, robando la sonrisa del espectador en varios momentos y expresando la dureza de la situación en otros. En mi opinión, mucho más valorable la primera parte, acercándose al cine independiente, expresando la claustrofobia y la mente del niño ante su desgracia y diluyéndose ligeramente en la parte de la búsqueda, siendo un fragmento mucho más comercial. Apuntar también la destacada banda sonora que acompaña a la trama a la perfección.

Respecto a las actuaciones me quedo con los 2 actores que encarnan al protagonista. SUNNY PAWAR como el niño de 5 años, consigue lo que no es habitual y es que el trabajo sea como el de los mayores y DEV PATEL encarnando al SAROO adulto, consigue mostrar todos los sentimientos necesarios para describir su personaje. Buen trabajo también el de la veterana NICOLE KIDMAN con una interpretación auténtica y ROONEY MARA, con grandes trabajos ya a sus espaldas como los realizados en HER o en CAROL, como la novia del protagonista.

No se olviden de visionar los títulos de crédito, con imágenes de los verdaderos protagonistas de la historia y con el enlace que les dejo en el título de la crítica para contribuir con una ONG que se encarga de solventar situaciones como la visionada

MARTÍN McDONAGH nos vuelve a enseñar su particular sello en una comedia dramática basada en los entresijos de la amistad, con un tempo pausado y sencillo, pero con un fondo tan inteligente como interesante.
Con una ambientación que recuerda a sus anteriores películas, nos narra las desventuras de una pareja de amigos que dejan de serlo. Un relato que trascurre en un pequeño y perdido pueblo irlandés, con unos maravillosos paisajes de fondo y con una personalidad de los que allí habitan muy característica.

La potencia del film radica en un excelente trabajo de sus actores (que ya comentaré más adelante) pero en especial, de un excelente guion original de las manos del director, repleto de diálogos oscuros e inteligentes, forrados de un humor muy perspicaz que consigue mantener en mucho metraje la sonrisa en los espectadores. El trasfondo de dichos diálogos versa sobre la desesperación existencial de perdurar en el tiempo, sobre la angustia vital de no realizar nada y de cómo uno de los protagonistas cambia una excelente amistad por todo ello.
Una dicotomía entre la soledad y la amistad, sobre ser recordado como mayor objetivo y de cómo las cosas se pueden torcer hasta ser insostenibles pese a que tengan una buena base.

Como ya he comentado, el trabajo de los actores es magistral, con la lucha entre nuestros protagonistas FARRELL Y GLEESON, donde el veterano actor empieza con más fuerza para que con el trascurso del film, las actuaciones se emparejen con un resultado excepcional. Ambos están acompañados de unos secundarios (KERRY CONDON y el joven BARRY KEOGHAN) que en absoluto desmerecen a nuestros protagonistas.

Son muchas las teorías sobre lo que quiere expresar el director con la lucha entre los protagonistas, no seré yo el que exprese ninguna, pero es interesante leerlas para que cada uno saque sus conclusiones.
Otro debate que se crea es si estamos ante un drama o una comedia, para mí y sin ninguna duda, estamos ante un duro drama sobre la soledad, pero la maestría del director, con su guion, es que lo hace a través de un humor escondido pero que sale a la luz de manera sencilla en la mayoría de las escenas, siendo otro de los baluartes de la película.

Aparte de lo comentado, reseñar una banda sonora muy agradable, que al igual que el guion, lo que parece sencillo es mucho más interesante de lo que a primera vista parece y va de la mano de los tempos que se visionan.

El debut de FLORIAN ZELLER no deja indiferente. De reconocido novelista, pasó a ser un destacado dramaturgo, para ahora dar el salto a la dirección cinematográfica adaptando su obra teatral de gran éxito. No he tenido el placer de verla, pero el film me ha sorprendido gratamente, aportando un aire distinto y sorprendente.
El director demuestra una exquisita dirección de actores, cosa que no sorprende viniendo del mundo teatral. Por otro lado, sabe sacar partido de su maravilloso guion, original y perturbador.

Como he comentado, es muy de destacar la dirección de actores, pero por supuesto, el mérito es de los artífices del trabajo. OLIVIA COLMAN trasmite su desesperación y su enorme tristeza y HOPKINS desentraña un personaje angustioso y aterrador, intercalando risas, temor, desorientación… y todo ello, con una demostración excelente de sus magníficas condiciones. Papel que será recordado tanto como su inigualable HANNIBAL.

Es duro visionar una historia donde se nos va a relatar esa dura enfermedad que es el ALZEHIMER, pero si lo vivimos desde el punto de vista del enfermo, mucho más. Y ese, junto a las interpretaciones, es lo destacable del film, lo que hace que se convierta en una película de terror, donde la claustrofobia que se genera estremecerá al máximo al espectador, convirtiéndolo en una marioneta angustiada, que deseará salir del patio de butacas para poder centrarse y respirar. Conseguir esa sensación es de un valor incalculable y debería apreciarse como se merece, esto es como algo innovador y de resultado impresionante.

Para terminar, valorar también la música de fondo de LUDOVIO EINAIUDI e indicar que el metraje es de 97 minutos, alejándose de esa moda de alargar en exceso las películas y demostrando que a veces que las buenas esencias se encuentran en tarros pequeños.