“TERCIOPELO…” trata sobre la conspiración de maldad que descubre un curioso joven llamado Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan). Todo producto que camino a su casa encuentra una oreja humana rebanada. El fortuito hecho, puede ser algo casual o cosas del destino. Todo ocurre en una idílica ciudad maderera, donde nunca pasa nada malo y donde se cree que todos pueden vivir tranquilos indefinidamente. Sin embargo, la ciudad también es alcanzada por la virulencia de la mente retorcida de algunos malhechores de poca monta, representado por un correcto Dennis Hooper, en el personaje de Frank. El encuentro de la oreja, sólo será el principio de la pesadilla para el joven Beaumont, él cual nunca pensó que tales grados de maldad eran posibles en su provinciana ciudad de Lumberton.

Entre dos amores

En “TERCIOPELO…la “curiosidad mato al gato”. Jeffrey no dimensiona la escoria que descubre y el peligro que representa para él y Sandy (una discreta Laura Dern) su investigación. Sólo sigue su instinto y se ve inmerso en un destino que ronda en la fatalidad. En su afán de seudo investigador privado, Jeffrey se enamora de Sandy, la cual representa la seguridad, el amor verdadero, bueno y perfecto. No obstante, también se siente atraído por la sensual y misteriosa cantante Dorothy Vallens (Isabella Rossellini) que representa el lado retorcido que descubre. Al quererla ayudar, se involucra con ella hasta tocar fondo. En un momento se siente atrapado y confundido ante tal disyuntiva. Imposibilitado de elegir, se deja arrastrar por los tormentosos acontecimientos, para llegar hasta el final de una historia, donde se involucró voluntariamente.

Paradójicamente, el mismo compositor italiano es el único quien aprecia y entiende la música del genio. Ojo con el final de la opera Don Giovanni acto II (una de mis escenas preferidas), cuando el público brinda un tibio aplauso a la obra, sin darse cuenta del significado que tenía para Mozart, y el auto mensaje que se estaba dando, con respecto a su manipulador padre Leopoldo, incluso después de estar muerto. Es una escena reveladora, que muestra la personalidad y la psicología de Wolfgang. Para mí el relato en off de Salieri, es explicativo, sobre lo incomparable que estaba presenciando sus ojos; pese a sus oscuros planes en contra del compositor austríaco.

LA VOZ DE DIOS

Es importante mencionar la banda sonora del filme, que es sin lugar a dudas, es protagonista principal del filme. Las secuencias de las representaciones musicales de las óperas son magníficas. Dan ganas de levantarse del asiento y aplaudir hasta no poder más, realmente la música, como en ninguna otra película te traspasa su fuerza y energía. Como se traduce, el nombre de Amadeus, el cual significa: El amado de Dios, es algo que queda completamente claro. Un comentario a parte es que además de cinéfilo, soy rockero de corazón y tengo que admitir que la música clásica, es la reina de todas las músicas e influyente importante de muchos músicos y compositores de la historia sonora.
En cuanto al epilogo, me conmovió absolutamente, no podía comprender, como el más grande de los compositores de la historia, haya sido sepultado en una fosa común, aquella escena me dejó helado. Como dicen los historiadores, los grandes personajes, los genios, nunca fueron comprendidos, ni valorados en su época. Un talento divino, que permaneció pese a todo lo tramado por un Antonio Salieri, que sí pasó al olvido, en el túnel de la mediocridad.

MEJOR ESCENA: Como muchos de mis amigos cinéfilos, estamos de acuerdo que una de las escenas más emotivas, fue cuando el compositor italiano revisa las composiciones de Mozart traídas por su esposa Constanza. Es una escena de antología e imperdible. “Esto ya no es coincidencia, ni es un accidente”.

LA FRASE: El desfile final de Salieri en una silla de ruedas delante de aquellas almas pérdidas, que habían perdido la razón. Y como sumo pontífice les dice: “Hombres mediocres del mundo, yo os absolvo”, mientras se cierra el telón de esta inolvidable obra, con la risa fantasmal del genio.

¿Realmente es la mejor?

En cuanto a la discusión si es la mejor película de la historia del celuloide. Recuerdo que en la universidad nuestro profesor de apreciación de TV y cine, nos explicaba que en el cine existen películas buenas y otras que no lo son tanto. Agregaba que era contraproducente encasillar el cine en el denominado grupo de “cine arte” donde sólo algunas cintas con características especiales pueden pertenecer al exclusivo conjunto. Lo anterior según el maestro reducía al séptimo arte en grupos elitistas que no corresponden. El gusto por el cine son infinitamente variados, como películas y géneros existen en el firmamento del celuloide. De todas formas hay que respetar a las personas que no gustan de películas como Ciudadano Kane. Simplemente no les gustó la película y punto. No vale la pena, polemizar al respecto.

Estamos de acuerdo que varios factores hicieron que CITIZEN KANE fuera elegida por la AFI (American Film Institute) como una de las mejores películas norteamericanas de todos los tiempos. Pero ojo, sólo fue elegida como la mejor cinta del país del tío Sam. En lo personal las tres mejores son “El padrino” (1972); “Ciudadano Kane” (1941) y “La naranja mecánica” (1971). Son cosas de gustos y hasta el momento no se ha escrito nada al respecto.

Recordemos que con “Ladrón de bicicletas” (1948) De Sica inicia su trilogía de oro del neorrealismo, conformada por “Milagro en Milán” (1950) y “Humberto D” (1952). En 1970 fue votada una de las 10 mejores películas de la historia del cine, lo que no es menor, considerando que estas películas de la corriente neorrealista tenían como característica principal trabajar con actores no profesionales. Eran historias del diario vivir, rodadas en ambientes naturales, prescindiendo de aparatosos equipos técnicos y de presupuestos elevados. Cabe mencionar, que el filme ganó el Oscar a la mejor película extranjera, lo cual influyó en varios directores europeos, sobre todo italianos y franceses.

Es así, como De Sica de la mano de su guionista Cesare Zavattini, contaban verdaderos dramas sociales, los cuales no pierden su vigencia y frescura. Son acontecimientos sacados de las crónicas policiales y con los cuales seguramente nos identificamos. Además sus personajes tienen un aura propia, brillan por sí solos. Se nota la mano de su director y su afecto hacia cada uno de ellos. Por ejemplo, en “Ladrón… la inútil búsqueda de la bicicleta sustraída, servirá de pretexto para que padre e hijo tengan la oportunidad de reencontrarse, conocerse y amarse. Estrechando aún más sus vínculos familiares. La frenética búsqueda de un medio fundamental para salir de la pobreza, permitirá que Antonio y Bruno, se apoyen mutuamente. Esto se puede observar claramente en el emotivo plano final, cuando la manito de Bruno estrecha la de su padre. Es un símbolo de amistad, amor y esperanza, ante el oscuro panorama de la Roma de la post- guerra. Una hermosa obra maestra, por cierto.

Después de ver la versión completa (Redux). Cabe mencionar, las actuaciones de Martin Sheen, y de Marlon Brando, Capitan Wilard y el Coronel Kurtz, respectivamente. El primero, es un “mercenario” esperando una misión, que le llega como pedido a su habitación. Sabe que la guerra destruyó su vida, su familia, sus esperanzas en el futuro y en el presente, lo único válido e importante para él es la guerra, como medio de escape, para su muerte espiritual. Cuando el capitán estaba en la jungla, echaba de menos su casa; cuando estaba en su hogar, echaba de menos, no tener una misión en Vietnam. Wilard comienza a admirar a una persona, que en algún momento tendrá que eliminar. Para ello tendrá que sumergirse en las profundidades del infierno humano. Décadas mas tarde, Charlie Sheen, su hijo, interpretaría a un soldado, en el mismo contexto de la guerra de Vietnam. En esta oportunidad el joven actor, descubriría la otra cara del horror y el sinsentido de esta guerra. Aceptable interpretación del Charlie, indudable que acá, tenemos a “un hijo de tigre”. De todas formas, Martín su padre, dejo la vara muy alta, con sus espectaculares y memorables escenas.

En cuanto al sorprendente Coronel Kurtz (Marlon Brando) entrega una interpretación breve, pero extremadamente sólida y efectiva. Es como si realmente la locura y el vació, lo habían invadido por completo…”El horror tiene rostro…Brando marca presencia, su calvicie, es un acierto, da una sensación de que ya no queda absolutamente nada.

Incluso Brando, dentro de toda esta oscuridad y vacío de su personaje, nos brinda una escena muy simpática, cuando se encuentra leyendo poesía y algunas incoherencias y el reportero gráfico, le explica a Willard que a lo que se refiere el coronel tiene que ver con dialéctica. Inmediatamente Kurtz trata de mixto a Hopper (muy gracioso). “Como un perro callejero”, exclama y le tira un libro, una más de aquellas míticas escenas a las cuales nos tiene acostumbrado Brando, derrochando su exquisita técnica y capacidad de improvisación, las cuales quedaran por siempre en nuestras retinas.

“Tienes derecho a matarme, a asesinarme, pero no a juzgarme, eso es justamente, lo que no hace perder, el juzgar”, declara Kurtz, en una memorable ultima intervención, antes que unas certeras estocadas, le proporcionen la liberación final de su alma.

Observación: Hay que tener en cuenta, que no es una película de corte bélico, sino más bien trata sobre la oscuridad del alma, lo que puede llegar a ser más aterrador.