Pero si tenemos una Obra Maestra por la forma, también la tenemos por el contenido. Porque Oharu es un canto a la tolerancia, al amor y a la dignidad. Porque Oharu, que es puro amor, pura inocencia, lo pierde todo por amar. Su visión inocente de la vida se enfrenta a una sociedad clasista, basada aparentemente en la religión, la tradición y la ley, pero absolutamente hipócrita, pues no hay otra cosa más que el dinero detrás de todo, y las inamovibles leyes morales dejan de serlo cuando el oro se cruza ante ellas. Oharu siempre valora el amor únicamente, el dinero no es algo que pretenda acumular y lo desprecia en tanto que no sea imprescindible para su supervivencia. Por lo tanto, es una rebelde en su entorno. Pero su doble papel de mujer y librepensante hace de ella una marginada permanente, en lugar de una mesías. Oharu mantiene la dignidad en cualquiera de sus pasos, pero su inocencia hace que sus "venganzas" no vayan más allá de travesuras infantiles (el robo de una peluca, un curioso strip-tease, la imitación de una bruja, huir para cumplir libremente lo que se le ha ordenado como última condena; siempre dejando en evidencia las debilidades de los demás, nunca dañándolos directamente).

El viaje de Oharu es un viacrucis descendente que atraviesa toda la sociedad japonesa del siglo diecisiete: hija de samurai, concubina (trasunto de una moderna "Madre de Alquiler", sorprendente), cortesana, sirvienta, artesana, novicia, fugitiva, mendiga, prostituta callejera y, finalmente, penitente sin haber pecado. La sociedad la maltrata por ser un elemento ajeno a ella, por basar su existencia en amar en lugar de en tener y ambicionar. Y así, también le es arrebatado sucesivamente el amor de su amante, de la sociedad, de sus padres, de su hijo, de su marido y de las instituciones religiosas. Y a excepción de su madre (que hace lo que puede, sometida a la voluntad del esposo), ese amor que está dipuesta a dar, solamente lo recibe de criados, prostitutas y desgraciados.

Estamos así ante un film feminista y hasta cierto punto socialista. De hecho, las últimas palabras del amante ejecutado piden la desaparición de las clases, aunque no poniendo el énfasis sobre lo económico sino sobre
Y lo que más llega es que la vida de Oharu es similar a la de muchas mujeres de nuestros días, incluso en nuestros países "civilizados", oprimidas por la sociedad, la religión y su propia condición femenina, parece como si en 400 años poco hubiese cambiado. Y de hecho sorprende como en un film de hace cinco décadas Mizoguchi expone temas tan actuales (no por ser novedad, sino por la reciente pérdida de su condición de tabú en nuestra cínica sociedad) como la prostitución, el tráfico de mujeres, el maltrato, el acoso psicológico y sexual, el consumismo de una manera muy abierta pero a la vez muy delicada. Así que el film sigue vigente en sus reivindicaciones.

En fin, una maravilla.

También encontramos diferencias en la protagonista: si la Marion Ravenwood del primer film, aparte poseer una resistencia sobrehumana a los efectos de la ingesta de alcohol, siempre estaba dispuesta a coger una sartén o un palo para noquear al nazi o mercenario de turno, Willie Scott (Kate Capshaw) solo sabe gritar y correr cada vez que algo la asusta. Es decir, el papel típico de la clásica heroína de aventuras: un lastre. Eso sí, también una fuente inagotable de gags.

Podemos reprochar un puntito racista. Bueno, qué narices, el cine que tratan de homenajear pasaba olímpicamente de cualquier tipo de corrección política. Y, por seguir criticando, si bien al final suele renunciar a las reliquias que encuentra, el concepto de arqueología del Profesor Jones es tan predatorio como la actitud del Museo Británico con los Mármoles Elgin y tesoros similares.

Con escenas tan inolvidables como la de los vagones de la mina o la del puente colgante, un diseño de producción impecable y un trabajo muy destacable de la ILM en el uso de maquetas, Lucas y Spielberg vuelven a lograr su objetivo: entretener, emocionar y divertir al máximo. Ahora parecen arrepentidos de haber hecho un film tan oscuro; no deberían estarlo.

Narra como unos regimientos de Caballería, liderados por John Wayne, se internan en territorio sureño para destruir un centro de comunicaciones, a sabiendas de que su retorno es casi imposible. El encuentro con una dama sureña y su esclava cambiará el curso de los acontecimientos, así como la animadversión existente entre el coronel y el médico de la tropa (William Holden).

La primera mitad es divertidísima, a ritmo casi de screwball comedy. Después tenemos la acción, el drama y los sentimientos a flor de piel. El sentido del honor y del juego limpio dominando en una guerra cruel pero necesaria, con la violencia siempre como último recurso (destaca el "enfrentamiento"con un batallón de niños y adolescentes de una academia militar). La complicada relación entre el médico y el coronel, con dos visiones opuestas de la vida. Aunque sobre todo, como siempre, parece que John Ford solamente es capaz de hablar de la bondad del ser humano.Y una extraña historia de amor, con dos finales imposibles...

No hay desenlace, solamente unos que se quedan y otros que se van, pero a pesar de todo, permanece la emoción de una esperanza... o quizás la misma sensación que al final de Dos Hombres y un Destino...

Además la serie está fotografiada, montada y musicada como pocas veces se han visto, por no decir nunca, en este país. Incluso la secuencia de los créditos, a lo HBO, y la canción de Loquillo que la acompaña, anuncian que estamos por fin ante algo diferente, con una calidad mucho mayor de lo que acostumbran la televisiones de España. El formato también es HBO, 50 minutos en lugar de esos 70 que son el estándar de la ficción nacional desde Médico de Familia porque salen más rentables y que hacen que se resientan tanto las series de nuestro país de escenas y personajes de puro relleno... Pero sobre todo destaca la interpretación de Pepe Sancho como Rubén Bertomeu. Grande en cada gesto, en cada palabra, en cada silencio, en cada mirada. Un genio. Alicia Borrachero "clava" a la Silvia de la novela, mientras que la Mónica de Juana Acosta transita con verosimilitud entre la fuerza de la ambición y la debilidad de los sentimientos. El resto del reparto está en general muy bien, salvo contadas excepciones.

En fin, una serie muy recomendable, diferente, pesimista en cuanto al retrato de nuestra sociedad, esperanzadora en cuanto al futuro de nuestra producción televisiva. Ojalá se emitiera en un canal en abierto, tanto por lo que muestra de lo que estamos viviendo como por lo rematadamente bien hecha que está. Y aprovecho para recomendar el libro: gracias a que las dos obras son tan diferentes y tan parecidas a la vez, se pueden disfrutar leyendo primero y viendo después o viceversa...

Quisiera solamente añadir una reflexión sobre el final: aunque Chirbes cita al final de la novela a Scorsese como una de sus influencias, la serie termina siendo bastante Coppoliana, con venganzas de última hora y Silvia Bertomeu convertida en Michael Corleone...