La película es bastante recomendable debido a su contenido, que resulta muy interesante desde un punto de vista social y de mentalidades. La narración nos situa en un momento muy importante de la historia de Japón, traducido en la culminación de la evolución tecnológica e industrial que le ha convertido en el gigante asiático actual y en uno de los países más poderosos del mundo. Pero se trata de una evolución que siempre ha estado ligada al poder de la mafia japonesa personificada en la yakuza. Con sus pros y sus contras.

Con este escenario como telón de fondo Ridley Scott presenta a sus personajes, que son inmediatamente anteriores a los noventa pero que guardan toda la esencia de los ochenta en su forma de hacer las cosas. El mayor exponente de ello es el papel de Michael Douglas, un rudo policía neoyorquino con un modo de vida típicamente estadounidense (con todo lo que eso conlleva), pero que cambiará su forma de ver las cosas a medida que se van sucediendo los acontecimientos en Osaka. En mi opinión, la caracterización de este personaje es cojonuda (chulito, putero, con tendencia a la bebida, violento...), pues se ve claramente su dificultad para adaptarse a una cultura totalmente ajena a la suya (sobriedad, sencillez, tradiciones, modo de trabajar) al mismo tiempo que libra su propia lucha interna.

Aunque la película puede pecar de comercial, ilustra muy bien el choque entre ambas culturas, el modus operandi de la mafia japonesa así como determinadas circunstancias históricas que no debieron ocurrir y que llegan a condicionar el desarrollo de los acontecimientos actuales. Existe una buena dosis de acción con varias escenas muy buenas (hay que ver cómo controlan las motos los japos), a lo que se añade una enigmática mujer (K. Capshaw) que guarda ciertas similitudes con la forma de ver la vida que posee el personaje de Douglas y que nos aporta una visión ciertamente turbia y melancólica de los clubs de los bajos fondos japoneses.

Aprueba de sobra.

Sin ninguna duda me parece la mejor película de Mike Nichols junto a El Graduado, aunque ésta última no llegue al nivel alcanzado en la primera. Lo cierto es que teniendo como punto de partida la genial obra de teatro de Albee no es para nada extraño que el guión sea prácticamente magistral, algo que unido a la buena dirección de Nichols y a las interpretaciones de estos dos titanes que son Taylor y Burton, dan como resultado una de las mejores películas de los sesenta, y en general, de toda la historia del cine.

Los sentimientos de frustación, incapacidad, desengaño, rabia, cólera, agonía, infelicidad, pesar y sufrimiento, entre otros muchos de la misma índole, desembocan en una vida que transcurre agonizante por una senda espinosa que tiene como parada final la destrucción de estas dos personas tan espectacularmente interpretadas. La imposibilidad de la forzada vida en común entre cónyuges nunca había estado tan bien reflejada en la pantalla como en este gran film.

Elisabeth Taylor y Richard Burton están que lo bordan en la totalidad de la película, siendo muy posiblemente la mejor muestra perenne (junto a otra grande: Cleopatra) de que han sido actores insuperables que nos brindaron el gran privilegio de verlos juntos cara a cara en la gran pantalla. Su aportación es sin duda enorme, dando la impresión de que estos personajes fueron creados especialmente para su lucimiento maestro en el mundo de la interpretación.

La ironía con la que se tratan todos los oscuros pasajes del matrimonio, los pullazos dolorosos escupidos a la cara, el alcohol regando cada rincón de la casa, y el tenso ambiente de destrucción palpable en todo momento, anuncian una explosión final digna del más sonoro apocalipsis. Memorable y muy recomendable.

Es una de las películas con mayar dosis de realismo filmadas por Rossellini. De eso no hay duda. Alemania año Cero se constituye como un verdadero documento histórico de la posguerra alemana, constatando a todas luces la invalidez del orden establecido y las crudas consecuencias de un conflicto armado eterno. El compromiso vivo e inmortal de la cámara del director italiano no nos despega ni un instante de la tragedia colectiva de un país hecho pedazos y que quedaría marcado de por vida por los dolorosos estragos de la guerra.

Los escenarios reales son auténticamente dantescos. Es un infierno hirviente con mayúsculas. Los travellings de las ruinas requemadas de grandes edificios berlineses y las antaño preciosas avenidas de la ciudad ahora repletas de cráteres y montones de escombros te ponen los pelos de punta. Todo ello como telón de fondo de la miseria y la pobreza extrema de sus habitantes, que son ejemplos claros de los límites físicos y psíquicos del ser humano.

Edmund nos hace partícipes de lo irremediable con bofetadas de realidad. Un final inolvidable y durísimo que arranca lágrimas de las de verdad.

Ya desde el conseguido opening de los capítulos se nos ofrece la síntesis de lo que vamos a ver: La esencia y la efectividad de las artes marciales más extremas aplicadas en un mundo postnuclear épico, ultraviolento y sin esperanzas. La historia del protagonista, Kenshirô, es apasionante, desde sus comienzos y entrenamiento, narrados con cuentagotas a lo largo de la serie, hasta su madurez y aceptación como sucesor de la técnica del kung-fu más mortífera: el Hokuto Shinken.
Aparte de la estética futurista, que bebe de un buen número de referencias de su tiempo, el recurso a los mejores filmes de artes marciales, aquellos que marcaron toda una época (Shogun Assassin, El templo de Shaolin, Las 36 cámaras de Shaolin, El puño del Dragón, Clanes Asesinos, El Furor del Dragón, Furia Oriental...) es contínuo en toda la serie. Además, la carga mística y didáctica del kung-fu aparece constantemente en las historias de los personajes secundarios, realmente logrados e interesantes, con características definitorias que han configurado una gran cantidad de figuras del anime posterior (por ejemplo, algunos personajes de "Los Caballeros del Zodíaco" e incluso de "Berserk").
Realmente sangrienta y gore en algunas escenas, muestra crudamente la explosión de cuerpos enteros, cortes limpios que seccionan miembros y cabezas, muertes de niños y ancianos, así como vejaciones y ultrajes interminables entre otras lindezas. Todo ello inmerso en la brutalidad y el salvajismo que impera en un mundo devastado y gobernado por dictadores zafios y arrogantes, cuyo poder emana de la fuerza bruta.
En este escenario se desarrolla la trama, donde el protagonista despliega sus técnicas para salvar a los supervivientes más débiles del nuevo orden impuesto por el holocausto nuclear, además de luchar contra su antagonista, su hermano Raoh, por defender la decisión de su maestro de designarle como único sucesor del arte marcial asesino Hokuto Shinken.
Muy recomendable para amantes del anime extremo y para seguidores de topics como Artes Marciales, Épica y Futuro Postnuclear. No les defraudará.

El Doctor Frankenstein se ha convertido en un mito, sí, pero eso no significa que sea una obra maestra del cine de terror. La época en la que fue concebida la película y el atractivo de la leyenda que surgió a partir del personaje creado con pluma brillante por Mary Shelley han contribuido enormemente a que este hecho tenga lugar.

A mi juicio, y como ya se ha comentado, lo más conseguido del film son los escenarios, cargados de una atmósfera gótica y tenebrosa muy interesante cuyas imágenes más sobresalientes son el torreón del Doctor a modo de laboratorio y el gigantesco molino de las escenas finales. Pero en mi opinión no es una película de terror, pues en ella se mezclan varios géneros en los que incluso tiene cabida la comedia (el papel del barón y de Fritz, el ayudante del doctor). Las interpretaciones son muy irregulares, y sí, está claro, la que despunta es la de Karloff, pero no seamos exagerados y no la encumbremos como la mejor de su carrera, ya que indudablemente tiene otras bastante mejores en alguna película posterior. Karloff interpreta bastante bien sin utilizar el lenguaje, especialmente en los primeros planos, porque la verdad no se ve atisbo de humanidad alguno en su rostro y confieso que en alguno de ellos llega a acojonarme. De todos modos es una interpretación que no puede entenderse de otra manera debido a las características y peculiaridades del papel en sí (la criatura se presenta como un monstruo y punto) que además se ve muy ligado al cine mudo.

Lo cierto es que es una buena película que seguirá presente entre las grandes (por una razón u otra) y de obligado visionado para cualquier persona interesada en el cine de terror clásico.