Una experiencia inquietante donde un surrealismo con momentos grotescos nos lleva a un viaje delirante entre la realidad y la locura. Su enfoque impredecible desafía las convenciones del cine, ofreciendo algo único para quienes buscan una propuesta diferente y rompedora dentro del cine japonés. (Yakuza, Yokais).

El simbolismo experimental de la película fusiona el horror con el absurdo, creando una atmósfera de desasosiego. A través de los Yokais, Miike explora la fragmentación de la identidad y la relación entre lo humano y lo monstruoso.

Gozu es como una pesadilla en la que los límites de la realidad se deshacen, envolviendo a uno en una atmósfera pesada, sumiendo al espectador en un abismo de imágenes distorsionadas y sensaciones de desesperación. Donde la película juega con la percepción del individuo sujeto y prendido a la pantalla, sabiendo que se trata de una pesadilla en ciertos momentos donde los personajes parecen atrapados en un ciclo interminable de horror psicológico.

Deja una sensación extraña y singular. Sumergiendo al público en un mar de incertidumbres, la sensación es la de estar atrapado en una dimensión enloquecida, donde cada escena se despliega como una manifestación de los miedos más oscuros y las obsesiones más extrañas.

La película monta un laberinto de imágenes donde las historias surgen y se desvanecen sin un hilo que las una. Lynch fragmenta la realidad en escenas de sueños rotos y una ciudad devoradora de almas, pero la trama no avanza, solo se repliega sobre sí misma hasta volverse un relato difícil de descifrar.

Su atmosfera puede ser hipnótica, pero se disuelve en sí misma. La confusión no lleva al asombro, solo deja preguntas en el aire sin intención de responderlas, ni sueño ni pesadilla.

El exceso de simbología solo provoca desconcierto. La imagen pretende fascinar, pero su propio artificio la ahoga. Más que deslumbrar, Mulholland Drive te pierde en la nada, y en esa nada, el espectador decide si hay algo que rescatar.

Aun así, hay momentos de extraña belleza, cuando Lynch juega con la música y la luz para envolvernos en su espejismo. Pero como un sueño que se desvanece al despertar, esa belleza es efímera, dejando solo la sensación de haber transitado un enigma sin respuesta.

Béla Tarr, talento innato de este hombre para la fotografía, lleva al espectador al borde de la paciencia y la espera, mostrando la insoportable carga de lo cotidiano. Curiosa comparación con su acertado Sátántangó, que en ningún momento colma el vaso de la impaciencia como este film. A pesar de ello, es un camino que, tras habituarte a él, se convierte en su película más dramática e inquietante, esperando a todos que, sin creerlo, ya hemos visto toda la película.

Brutal actuación del señor Mihály Kormos. Su mirada vacía y su rostro ausente son el reflejo perfecto de la desesperación que envuelve a su personaje. Solo decía disparates, según algunos...

Sedante banda sonora que se impregna con el sonido del viento y la maleza para mostrar esta monotonía. Los sonidos naturales se convierten en una extensión de la atmósfera opresiva que construye Tarr. Acierta en mostrar cómo la tragedia se presenta una tras otra.

Un descenso a la locura, la cual el caballo había previsto el primer día. El animal, en su quietud, se convierte en un presagio, un símbolo de la inevitabilidad. El fin se acerca y no puedo evitarlo. Adoptan la actitud del animal, resignados, pero con un final que hace referencia a algo que todos conocemos y que todos ignoramos...

Pequeños y solemnes momentos aquellos que disponemos.
Aquellos que son en familia. En casa. En moto. En el mar. En las comidas. En las aficiones...

Sorrentino nos presenta una película dolorosa y a su vez ácida en el humor al que acude con concurrencia, hay cosas que no cambian en esta vida y, Paolo nos enseña el arte y la importancia de amar y sentirse amado por la familia.

Familia que no debería acotarse ni acabar nunca, que las escenas familiares no acaben en recuerdos mustios y lejanos de nuestro presente y que perduren únicamente por y para cada individuo.
Un tesoro.


Homenaje y bien traído a Maradona para el film.

Resulta inevitable detenerse en Henry Fonda, este hombre, cuya aparición transciende la actuación para convertirse en un eco casi mítico de su carrera: sobrio como la arena del desierto, cargado de una autoridad intachable, y con una mirada que habla en susurros donde el diálogo calla. Fonda, como un alquimista del alma, se sumerge en su personaje y lo eleva a senderos donde callar es sobrevivir.

Triste es ver cómo su legado, rico y lleno de matices, ha sido olvidado por el gran público contemporáneo. La honestidad de su presencia y su inclinación hacia personajes humanos y sinceros lo alejaron del estrellato vacío, pero para el cinéfilo que se aventura a descubrirlo, Fonda es un tesoro que no cesa de brillar. Maestro de la contención y la emoción, dejó una huella imborrable en cada plano que tocó, como la humeante pólvora en el cañón de su revolver.

Visualmente, El hombre de las pistolas de oro es un tapiz bordado con hilos de arena, roca y horizontes: grandes planos que respiran inmensidad y soledad, acompañando una narrativa que, aunque avanza lentamente, se siente orgánica y eficaz. Vestuarios curtidos por la vida y una música que, lejana y precisa, se funde con las emociones como un viento persistente.

Al final, El hombre de las pistolas de oro se cierra con la misma dignidad con la que comenzó, reflejando una vez más la profundidad del humano Henry Fonda. Su actuación, contenida sí, pero siempre potente, es un encanto al que apreciar.