Humor vulgar, zafio, disparatado, plagado de palabras malsonantes y... la voz de Quique San Francisco. No busques rastro de elegancia en esta película. Yo no lo hice y lo pasé bien, risas de vez en cuando, el nivel se mantiene sin altibajos importantes y las sensaciones son positivas.

El argumento se sostiene: un gallo obsesionado con la guerra, un oso polar que no evita que se profanen tumbas, una hiena en la clandestinidad, un cerdito adoptado por ovejas, el león como símbolo de opresión y un oso hormiguero, que siempre viene bien.

Y algo nuevo, la única película hecha en animación flash.

Con eso me vale, sin más pretensiones por esta vez.

Me interesé en esta película al saber que su guión es de Fernando Arrabal, y mis expectativas de ver algo peculiarísimo se han cumplido con creces. Es la ópera prima de Jodorowsky y sin duda me ha convencido para ver el resto de su filmografía, que promete ser sorprendente y capaz de transmitir emociones puras de toda índole.

Relación enfermiza la de la bella, dulce, paralítica y triste Lis con el ingenuo Fando, tan cariñoso como violento, que pasa del amor por Lis a la ira contra ella cada dos por tres. En un mundo decadente y ruinoso, sólo se tienen el uno al otro, y con una carretilla, un gramófono y un tambor como equipaje parten en un viaje entre desoladas montañas buscando la ciudad prometida de Tar, a la que nadie ha llegado, pero les queda la esperanza. Tar representa a todos los anhelos que las personas persiguen.

El sonido es malo (pasos, mordiscos, etc suenan con demasiado volumen e irreales), pero la música y las tonadillas que cantan son buenas.

Las interpretaciones son malas, pero los personajes tienen encanto.

Hay multitud de escenas bizarras, extrañas y extravagantes, pero son hermosas a su manera. Algunas de ellas se insertan transversalmente en la trama y tienen un sentido a interpretar, aunque algunos, tal vez miopes mentales, sin duda las considerarán una sucesión de imágenes indiferentes o absurdas.

La película está plagada de simbolismos, metáforas visuales y poesía surrealista, formando un trabajo profundamente espiritual y metafísico, sobre las propiedades y principios del ser humano y también de diversos estamentos que se ven reflejados a lo largo de la película, entre otros la Iglésia, la sexualidad, etc. Aunque realmente todo se deja a la interpretación del espectador porque creo que la película quiere decir mucho más de lo que sus limitaciones le permiten.


Nota: 8,2

Un joven de 24 años llamado Orson Welles, con gran éxito en el mundo del teatro y la radio, carga con el peso de la muchas veces considerada mejor película de la Historia, dirigiendo y protagonizando Ciudadano Kane.

Atrevida y provocadora política y socialmente, tanto para su época como para la actual, ya que el personaje de Kane está basado directamente en William Randolph Hearst, dueño del mayor monopolio periodístico de EEUU e inventor de la prensa amarilla: su ansia por vender periódicos era tal que provocó en gran medida la Guerra de Cuba de 1898, su campaña mediática logró convencer a los estadounidenses de la culpabilidad española en el hundimiento del Maine. Al día siguiente de la explosión del Maine los periódicos de Hearst señalaron a España como enemigo sin investigación previa, sólo por sensacionalismo, demostrando que la prensa podía ser el cuarto poder. Gracias a su influencia muchas grandes salas de cine se negaron a emitir Ciudadano Kane.

La película comienza con la muerte de Kane en su monumental palacio. En el instante antes de morir pronuncia una enigmática palabra: Rosebud. Durante la semana siguiente un grupo de reporteros prepara un documental sobre la vida de Kane y, para llegar más allá, se proponen descubrir el significado de Rosebud, pues lo consideran el anhelo más íntimo de un hombre tan poderoso. Para su investigación se entrevista a la gente más cercana al magnate de la prensa, sirviéndose de flashbacks para contar pequeños episodios desfragmentados de sus 75 años de vida. Welles interpreta a Kane desde su juventud hasta su muerte, con un maquillaje que hace creíble el paso del tiempo.

Los diálogos son notables y la última escena, todo lo que Rosebud simboliza, da para escribir páginas y páginas sobre existencialismo, esencia de la felicidad, nostalgia, sencillez VS ambición y aterradora conciencia oculta tras el éxito.

Al ser novato, y gracias a la inusual libertad de creación que le ofreció la RKO, Welles quiso experimentar todos los recursos posibles para rodar una película. Lo consiguió, hasta el punto de que su dirección se convirtió en un gran legado para el estudio de realización cinematográfica. Las claves de su vanguardia formal, prodigio de técnica y narrativa, son:

* Uso del documental dentro de la misma película, rayando y decolorando esa parte del metraje para darle aspecto antiguo.

* Se dice que Welles es el creador del flashback en el cine.

(sigue en spoiler, no cuento nada)

El personaje principal es Serafín, muy bien caracterizado y construido por Ernesto Alterio, como un dibujo animado pero real, en sintonía con toda la escenografía y conjunto de la obra. En un principio Serafín se nos muestra como una persona muy metódica y ordenada, tanto por su trabajo científico como por los detalles (sus tres despertadores, sus jerseys de rombos o cuadriculados), cuyo punto de inflexión es conocer a Ariadna, entonces sus esquemas de vida se desmoronan y evoluciona creíblemente hacia una neurosis cada vez mayor.

Héctor Alterio da entidad al proyecto en su papel de padre de Serafín, siendo la primera vez que los Alterio padre e hijo actúan codo con codo en una película. Leticia Dolera da vida a Ariadna, pero a pesar de su encantadora presencia la interpretación es demasiado lineal.

El título, Semen, está justificado, pero su sonoridad puede ser engañosa respecto al tono agradable de esta película, no de risa, sino de sonrisas. Parece ser que todos los que han trabajado en ella tenían Amélie en mente, llegando a inspirar desde el planteamiento de la historia hasta los elementos visuales que conforman la escenificación (iluminación, colores vivos, primeros planos), pasando por la presentación de la infancia del protagonista, anécdotas que imprevistamente enlazan con la historia principal por casualidad e incluso la música, guardando las distancias con Yann Tiersen. Todo ello es un arma de doble filo porque Semen agradará a los amantes del universo Amélie, pero no deja de estar bajo su sombra, que es muy alargada.

También es patente la influencia del cine mudo de Buster Keaton y, concretamente, el cambio de estaciones es calcado al de Notting Hill.

Donde sí es original esta película es en su argumento, pues no es una comedia romántica al uso y bajo su apariencia ligera plantea cuestiones de gran magnitud social, como el instinto paternal y el hecho de que lo que realmente forja una relación padre-hijo no son los genes sino el trato. Tiene curiosos giros de guión y situaciones entre lo entrañable y lo entretenido, pero en su última media hora pierde la soltura de la primera.

Joseph K. empieza la película enfrentándose a la angustia de lo inexplicable. Este sentimiento no se separará de él, y cuanto más intenta encontrar una explicación a su detención, más indefenso se verá ante el entramado de poder. Desde la escena de la detención, en la propia habitación de K., los encuadres logran una composición que oprime al personaje, resaltando su agobio y claustrofobia entre las cuatro paredes y también entre el suelo y el techo, a los que Welles busca dar importancia. Se utiliza el gran angular con distorsión y mucha profundidad de campo, para relacionar en distintos términos al protagonista y a aquellos que le consideran culpable.

El proceso judicial pasa a ser el motor de vida de K., el cual inicia un proceso de búsqueda activa de una solución para su caso. El personaje cruza puertas constantemente y pasa de unos espacios a otros aún más inverosímiles, reflejando su proceso interno y la confusa burocracia que debe sortear. K. llega a pensar que puede ser culpable, se dice que todos los humanos son impuros y las contrastadas luces y sombras de la iluminación lo reafirman. K. está acusado pero lucha, de lo contrario su condición de culpable lo convertiría en una especie de infraser arrastrado, como el que vive como un perro en la casa del abogado. Esta subtrama y la de su romance con Leni en esa misma casa están filmadas con los personajes más o menos estáticos creando movimiento mediante un montaje agresivo. Aparte de esas situaciones, la película está dominada por la búsqueda infructuosa, filmada con planos larguísimos en movimiento, a menudo en localizaciones amplísimas que hacen de K. una persona diminuta ante un mundo que le queda grande y no puede controlar. Algunos de estos espacios (oficinas, juzgado, teatro) están llenos de personas anónimas y, aunque K. ha sido señalado, cualquiera de ellas es culpable de pertenercer a semejante sociedad. Es posible crear tantas y tan difusas leyes que uno pueda ser culpable de cualquier cosa, y lo más injusto en una defensa es que se invierta la carga de la prueba.

(Sigo abajo un spoiler leve y opiniones personales)