Una de las mejores películas que el cine haya dado sobre la maleable, eterna y fascinante figura de Cristo. Es más, de lo que yo he visto, tan solo "El evangelio según San Mateo" de Pasolini resulta superior a esta adaptación de Scorsese de la novela homónima de Nikos Kazantzakis.
Con guión del gran Paul Schrader, la figura de Cristo se nos presenta sacada de la típica forma de hombre evangélico y de infinita bondad, personaje miméticamente mítico. Aquí Cristo es, nada más y nada menos, que todo un hombre. Es decir, que Cristo era humano en todos los sentidos (resultó ser muy polémica la parte en que se encuentra y es incitado por una desnuda María Magdalena -una bella Barbara Hershey-), capaz de sentirse atraído por una mujer, capaz de enamorarse -de la propia María Magdalena-, capaz de equivocarse, un hombre asediado y desbordado por la ingente misión que lo ha encomendado Dios, y que se debate entre un mar bravo de conflictos entre la carne y el espíritu, entre el cuerpo y el alma, que se bate en un oleaje de preguntas y dudas. Este Cristo cumple su misión y resulta ser un hombre admirable, pero es todavía más admirable por haber logrado superar tal cúmulo de dificultades. Por eso, "La última tentación de Cristo" ofrece la "versión oficial" de la vida de Cristo, extraída y deducida directamente de lo que sobre él se pueda leer y otra versión, libre y figurada, solo planteada como posibilidad y como elemento enriquecedor para el enfoque argumental según la cual Cristo, como mero hombre, resultó engañado por un falso ángel de la guarda(Satanás), que libera su alma y satisface su cuerpo, pecando como un hombre, viviendo y muriendo como tal. Lo que hay que sacar como conclusiones de ésta, comprensiblemente polémica película (aunque para emitir juicios hay que verla y no lanzarse a una cruzada de oídas; Scorsese no hace sino aplicar el texto bíblico: "Y el verbo se hizo hombre y habitó entre nosotros"), que resulta idónea para un debate; y para quien esto suscribe loable y magnífica, sería la postura que el católico Scorsese plantea, creo yo, no solo ya de la religión católica sino de toda la religión existente; en todas ellas hay 4 pilares básicos y nada más, no hay más verdades absolutas o verdades a secas, solo dudas e incertidumbres. Y esto da como resultado la figura de ese Cristo humano, temeroso de la inmensidad de su misión divina en la Tierra, abrumado por una lucha interior terrible.
Gran interpretación de Willem Dafoe en el personaje de Cristo.

Thriller escabroso y de ínfulas oscuras que narra la historia de un psicópata que se dedica a asesinar víctimas ritualmente y a seccionarlas un hueso de su anatomía. Una joven policía (Jolie) descubrirá uno de ellos y será la encargada de esclarecer los crímenes, guiada por el experto e inválido policía (Washington) que antes llevaba este tipo de investigaciones.
"El coleccionista de huesos" no aporta nada a un género tan trillado y con claros síntomas de agotamiento como el thriller comercial y psicopático americano, aunque logra entretener. En esta película se acusan influencias directas de la inolvidable "Seven" y se añaden la informática y técnicas actuales para buscar mayor complicidad e interés en el espectador.
Hay truculencia, lluvia y oscuridad, se intentan crear momentos de pánico y leve suspense, y un argumento dónde además de predecible todas las claves se destapan con sospechosa e inteligentísima habilidad.
Queda una buena interpretación de Washington y una correcta fotografía, así como una penosa creación de Jolie, que únicamente sabe lucir "morritos", aunque esté a punto de ser asesinada o de descubrir un horrendo crimen. Queda, pues, un hijo regular de "Seven", uno más de la infinidad de thrillers americanos llenos de tópicos, justos de entretenimiento y faltos de cine.

El cine iraní guarda unas muy reconocibles y generalmente bastante apreciables señas de identidad: siguiendo la senda del venerado Kiarostami, cada vez hay más precocidad en los cineastas de aquellos lares y hasta las mujeres inician carreras cinematográficas. Tal es el caso de la joven de solo 19 años Hana Makhmalbaf. La joven directora aplica la austeridad, la sencillez y el sentido común para contarnos la que en muchos otros países pudiera ser un anécdota pero que en sitios como Afganistán es una odisea: la que emprende una niña afgana de seis años que solo desea ir a la escuela para aprender cosas bonitas y que no encuentra más que obstáculos, a partir del uso de metáforas, dónde los niños juegan a la guerra embebidos de la violencia (talibán o americana, lo mismo da), y las tradiciones y el fundamentalismo religioso esquinan, cuando no anulan, el desarrollo humano. Muy bien la niña y la dirección de unos actores que dudó sean profesionales. Ya quisieran mucho cineasta de renombre y con la buchaca llena de dólares saber dirigir y hacer cine como esta joven de ¿19 años!.

Una película asombrosa, practicamente perfecta y de extraordinaria pegada emocional a partir de un argumento mínimo dónde lo que prima absolutamente es la pasividad e inacción de los personajes, tres, maravillosamente definidos y perfilados: dos masculinos (Pazos y Bolani, el primero heredero de una ya destartalada fábrica de calcetines, el segundo con un próspero negocio de lo mismo en Brasil) y uno femenino (Pascual, una madura y aviejada empleada del primero).
Con un minimalismo pleno a todos los niveles, unos diálogos monosilábicos y repetitivos genialmente incrustados en un guión en estado de gracia y piedra angular de la película, se traza un triángulo de personajes que culmina en un finísimo drama con estupendos brotes de humor negro.
"Whisky" sugiere tanto como muestra, resultando brutal y certeramente elíptica, en una combinación de amargo patetismo con lucidez humana. Impresionante, es un film-isla no ya solo para el desconocido cine uruguayo sino para el cine universal y hasta para los maestros a los que se remite: Ozu, Jarmusch o Kaurismaki. Ellos mismos, no sé si han alcanzado tal cota de genialidad absoluta. Veánla una y mil veces, me sobran las palabras. Y aburránse, aburránse: QUÉ PENA, amiguitos, el no ver la grandeza de esta obra maestra.

Guiado por un guión de inmensa riqueza (historias paralelas, metáforas, ambientes, personajes) del gran Fernández Santos y él mismo, construye Regueiro una originalísima y muy brillante película de incombustible poder simbólico y, sin duda, una de las cimas del cine español en lo referente al tratamiento de la figura de Franco y la posguerra.
Así, bajo un envoltorio fantaseado y mágico, se hace una admirable revisión a la vez transgresora y divertida, venenosa y nostálgica, compleja y fascinante, del dictador que "nunca se metía en política" (antológica frase dañina), su entorno, su idílica y represiva España, su patria pobre y hambrienta, su régimen cobijador de un abanico de personajes y ambientes de lo más rico (memorable la subtrama de la niña que se viste de niño para poder subsistir), de seres con el alma rota pero con el corazón intacto. Es una mirada tan dura como finalmente compasiva, como si casi hubiera un cierto cariño hacia esos años.
"Madregilda" participa para su díficil encasillamiento (al que no se sujeta pues queda ya como una obra maestra inclasificable) de comedia por el constante esperpento hispánico y valleinclanesco que la conduce, por su surrealismo español, por su simbolismo también propio de aquí, lo que la hacen un film de inmensa fascinación para el espectador de aquí, que aún sin llegar a atrapar la multiplicidad de claves que posee un guión tan inmenso como aquejado de una inevitable bajeza en algún momento. Así resultan redondos, de sublime inspiración los momentos de las partidas de mus entre Franco (Echanove), Longinos (Sacristán), Huevines (Gamero) y Millán de Astrall (Galiardo) con el pájaro Paquito al fondo. O la conversación entre un Franco ya muerto y su imprevisto padre (Fernando Rey). O la última secuencia, síntesis sublime de todo el sifnificado metafórico, nostálgico, triste, terrible, compasivo, de oscuras carcajada de esta "Madregilda", película hermética y compleja, sí, pero también maravillosa y apabullante.
Y qué decir del retrato de ese Franco, impecablemente interpretado por Echanove en un prodigio de mimetismo insólito e inalcanzable, un ridículo dictador, una especie de pelele (con un supuesto doble incluido) en medio de su séquito fuera de sus victoriosas partidad de mus o de sus llorosas soledades con el pájaro Paquito. Regueiro ridiculiza a Franco con ingenio pero con bondad, como cabeza de una época y de un momento.
Genial en la fotografía y en sus admirables cambios de ambientes, soberbiamente interpretada por el resto del reparto, es una obra llena de ingenio y riqueza interiores, un film plagado de hallazgos y con tan pocos desaciertos, que no cabe sino volverla a ver y volver a sentirse envuelto, fascinado, hipnotizado, por el intransferible universo creado por Fernández Santos y Regueiro, un universo que nos es tan cercano como a distancia sideral, tan enigmático como reconocible. Una joya (el tiempo lo dirá) y una de las pocas obras maestras del cine español de los 90.