Comenzamos con el principio del final. La entrega anterior nos mostro el argumento y bases con las que se sostendría ese último capítulo, la gran batalla está por comenzar, pero Harry Potter debe de buscar antes los pedazos de alma de lord Voldemort para que este vuelva a ser mortal.

Vamos a empezar tomando como punto de partida el guion basado en la novela de J.K. Rowling, Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, donde por primera vez Harry y sus amigos vivirán sus aventuras fuera de los castillos de Hogwarts. Lo cierto es que la escritora ha redactado un libro de forma que la adaptación a la gran pantalla fuera más cómoda para el guionista Steve Kloves, dejando a lado las sub tramas y enfocándose en la lucha contra Voldemort. De este modo y hasta de una forma intencional esta última etapa de la serie se parece en muchas formas a la épica El señor de los anillos, sustituyendo a Frodo y Sam por Harry, Ron y Hermione, el anillo único por Horrocruxes y el largo y difícil camino lleno de obstáculos, mientras en ambas la batalla para liberar a sus respectivos mundos continua.

Desde el primer plano se nota la idea de David Yates de que esta nueva entrega sea mucho más madura que sus antecesoras, en palabras del ministro de magia este mundo viviendo tiempos difíciles, la guerra que se encuentra en la actualidad. No solamente son problemas dentro de la historia sino en nuestra propia realidad. La cinta vuelve a tocar temas muy importantes como el racismo y terrorismo, asi mismo intenta abarcar varios géneros, desde el épico y de aventuras hasta el thriller, incluso tiene sus toques del género de mafia. Sin embargo es un afán de abarcar tantos termina por dejarlos muy descuidados, durante la primera hora no encuentra el tono adecuado, escenas muy rebuscadas, y continua el mayor problema de la saga, son tantos los conceptos e ideas que unas solo las dicen de paso, a diferencia del libro en el que se explica todo con más claridad y con mucho más tiempo, de este modo para los lectores de la saga es muy fácil saber de qué va la historia, pero los ajenos al texto literario se pueden perder entre tanto concepto, nuevos personajes e ideas que apenas se mencionaban en los filmes anteriores.

A partir de la secuencia del Ministerio (uno de los puntos más bajos de toda la serie) la cinta comienza a elevar, se convierte en una especie de road movie donde se empieza notar cierta evolución dentro de los personajes principales, temas como el amor, la amistad, los celos y la frustración salen al aire. Los adolescentes entregan actuaciones bastante convincentes, siendo una a veces sorprendente Emma Watson la que sale mejor parada. Conforme avanza el metraje la película coge mayor agilidad, pero también hay escenas donde el silencio es el mayor protagonista. Ahora también hay que decir que hay muchos baches de guión, y algunos aspectos son sacados de la manga y poco creíbles, incluso en el mundo mágico.

En un mundo futurista el dinero ya no existe, ahora todo se paga con minutos, horas, días o años de vidas y si lo administras bien podrías vivir todo lo que desees, incluso alcanzar el sueño máximo del hombre, la inmortalidad. De este interesantísimo argumento se desprende la película In Time, nueva película del director Andrew Niccol, director de la bien valorada Gattaca.

El director consigue un muy buen dibujo de su mundo futurista, ahora que todo se paga con la vida hay que tener mucho cuidado de saberla administrar y sobre todo cuidar, porque todo el mundo siempre quiere más vida. Yo veo como un gran acierto poner en la película un tema muy actual como es la inflación, aquí sucede lo mismo y por lo tanto también hay clases sociales.

Hay muchas preguntas que la película te va planteando conforme avanzas los minutos sobre este modo de vida ¿Qué harías si tuvieras 100 años de vida? ¿La estas aprovechando al máximo? ¿Cuál es el valor de tu vida? ¿El ser humano está realmente hecho para ser inmortal? ¿Todos sin excepción deberíamos de morir? Cada quien responderá subjetivamente estas cuestiones, y lo que uno esperaría de una película con un argumento tan sólido es que siguiera en esta misma línea, no es asi, de pronto al director le entra el pánico de lo que pudo ser un parte aguas del cine moderno de ciencia ficción y se va por la línea segura, como bien se dice durante la película, no arriesga.

Tras esa media hora excelente el tono cambia y el personaje de Justin Timberlake se convierte en una especie de James Bond (con gusto por el póker, los autos y las mujeres) y entonces tenemos una película de acción con un excelente ritmo, buena ejecución de algunas escenas, otras no tanto, sobre todo en la acción le falta para llegar a esa adrenalina que uno esperaría, sin embargo bien llevada y que más que a otra película me ha recordado a Bonnie & Clyde.

La película peca de evasión y obviedad, está claro que si la película tiene éxito comercial se buscara realizar una secuela, o al menos esa impresión me ha dejado. Se trata de un producto con muy buen hilo argumental que se ayuda de este para crear una muy entretenida película de acción, con sus baches de guión pero que te hace pasar un excelente rato por dos horas, pero como dije después de ese gran arranque de propuesta uno queda decepcionado por el camino que Andrew Niccol ha decidido tomar.

Tenía tan solo 7 u 8 años cuando vi por primera vez las aventuras de Woody, Buzz y compañía. Esa vez no solo el niño que era salió entusiasmado sino que nació la animación por computadora, toda una novedad, ahora una tradición, ahí comenzó el fenómeno Pixar. Cinco años después realizan la segunda parte de esta cinta, considerada una de las mejores secuelas en los últimos tiempos. Este 2010 ponen cierre (o tal vez no) a la trilogía más importante en la historia del cine de animación, Toy Story.

Como todos los que vimos la primera parte cuando niños sufrimos los mismos cambios que el niño Andy, hemos crecido y abandonado la infancia y nuestros juguetes los hemos olvidado, ante ese temor los juguetes de Andy deciden ir a una guardería donde esperan conseguir ese cariño que les hace falta desde hace tiempo y asi comienza esta emocionante comedia familiar que contiene muchas risas, mucha acción, algo de romance, suspenso y grandes emociones.

Las últimas películas de Pixar han sido realizadas tomando como bases imágenes por parte de sus creadores, una rata en una cocina en Ratatouille, un robot solitario en WallE, y ahora con una casa flotante con la ayuda de globos llega su décima producción, Up.
Realmente todo empieza a pedir de boca, con el desarrollo del personaje de Carl, su amor eterno con Ellie, y sus sueños explorador de viajar juntos a Sudamérica, todo esto en 10 minutos realmente bellos y de muy buena narratividad, nuevamente la ausencia del diálogo este presente.
Y entonces nos encontramos con un buen panorama que daba cabida para lograr un verdadero retrato sobre la vejez, asi como el intento de alcanzar las promesas hechas con el corazón, y un ejemplo de lo que los jóvenes pueden aprender de las personas mayores. Otro muy buen personaje el de Russel, que es la viva imagen del Carl adolescente. Pero en vez de todo esto tenemos una aventura a la Indiana Jones, simpática y con buenos momentos pero que le falta garra y madurez, volviéndose predecible pero disfrutable sin duda alguna.
La música es magnífica asi como su excelente sonido y hermosos paisajes sudamericanos, pero es precisamente en este territorio donde el guión tiene varias lagunas, peca de infantil y los personajes secundarios no tienen la suficiente fuerza, cuando en otras películas de la productora eran los que se llevaban las palmas.
Esta bastante bien, pero creo pudo haber llegado a más, tal vez con Andrew Stauton o Brad Bird llevando a cabo el proyecto.

No es la primera vez que Clint Eastwood entra en terrenos musicales (en cuanto al género cinematográfico), ya antes había demostrado su valía de forma superficial en El aventurero de medianoche y ya más en forma en Bird donde realizo un biopic del legendario Charlie Parker. Ahora el director llega con Jersey Boys, una cinta que narra la historia musical de Four Seasons, un grupo que tuvo gran auge en los 60s con éxitos como Big girls don´t cry o Can't take my eyes off you.

Para la narración de su Jersey Boys Eastwood toma una decisión que pudo resultar arriesgada pero que es bastante acertada, buscando hacer una especie de homenaje al cine de Martin Scorsese más específicamente a su Goodfellas, de echo podemos afirmar que se trata de un homenaje constante, desde la presentación de los personajes, el dibujo de varios de ellos, la progresión de la historia, incluso se dan pequeños guiños al cine de gangsters.

Los personajes de Eastwood miran a la cámara e interactúan con el espectador, evolucionan a través de los años y manejan de forma alterna su carrera con su vida privada, como si de un documental se tratara somos testigos de la creación de Four Seasons, de cómo se une cada uno de sus integrantes, de sus primeros éxitos, de su llegada a la fama y finalmente su caída, todo narrado de forma elegante y clasicista.

Nuevamente el director de Million dólar baby da muestras de su maestría tanto a nivel narración como su trabajo con la cámara y manejo de actores, a medio gas este señor es capaz de conseguir lo que otros a su cien por ciento, manejando fantásticamente los tiempos utilizando elipsis y flashbacks ejecutados de forma eficaz, mientras que el trabajo de cámaras es para degustar lentamente, paneos, close up, todo marca de la casa.

Para la formación del casting principal Eastwood recurre a actores desconocidos, tres de los cuales cumplen con sus papeles, mientras que Vincent Piazza (Boardwalk Empire) se come a todos sus compañeros de elenco, su Tommy DeVitto es un personaje fantástico, tan fácil de querer y tan fácil de odiar, es el motor del filme y aunque termina por ser relegado después a un papel secundario (en beneficio del personaje de Frankie Valli) es al final quien se queda en la mente del espectador.

Hablando de Tommy DeVitto, el filme no pierde oportunidad para hacer alusión a Joe Pesci cuyo personaje en Goodfellas es prestado del integrante de Four Seasons, abriendo incluso la relación entre el actor y el músico. Frank Sinatra y Ringo Starr son otros de los mencionados en este filme, incluso a modo de cameo Eastwood aparece unos segundos en pantalla.

El punto débil de Jersey Boys viene en un guion bastante elemental, justito y poco trabajado en personajes y diálogos, por momentos hace más fuerza y carisma en la historia y en sus protagonistas (sin contar a DeVitto), aunque bien el filme posee uno que otro chiste que harán soltar la carcajada. Todo termina siendo muy predecible. También hay que decir que la parte inicial se pudo haber pulido más a nivel narrativo, media hora en la que Eastwood tarda en hacerse por completo de la historia sintiéndose un poco tropezada, terminando este bache el ritmo es excelente. Christopher Walken por su parte no pinta nada en la película, pasado de rosca en todas sus escenas.

No, no se trata del Eastwood de Unforgiven, Million dólar baby o Letters From Iwo Jima, tampoco el de Los puentes de Madison, Un mundo perfecto o Changeling, Jersey Boys viene a unirse a sus filmes menores como Deuda de sangre o Flags of our fathers, pero sí de esta calidad son los filmes menores de esta leyenda de la dirección, por mí que siga en activo otros diez años más. Eso sí; cuando vuelva a tener un guion a su altura, atención señores, atención.