Es extraño que las dos películas más conocidas y más accesibles de Luis Buñuel (Un perro andaluz y El discreto encanto de la burguesía) también sean las dos más ambiguas y resistente a la interpretación. Realizadas en los dos extremos de la carrera de Buñuel, cuando el director se acento temporalmente en Francia. Estas películas no podría ser más diferente estéticamente, pero sin embargo, ambas son obras maestras surrealistas que están claramente concebidas como golpes a la convención de la clase media. En contraste con la aparente aleatoriedad de "Un perro andaluz", "el discreto encanto de la burguesía" al menos tiene una apariencia de estructura sobre la misma, pero esto no significa necesariamente que su significado sea más fácil de adivinar, podremos ver esta película cincuenta veces y cada vez hacer una lectura diferente.

Un tema que corre a través de gran parte de la obra de Luis Buñuel, en particular en sus películas posteriores, es la interpretación de las convenciones burguesas como un bloqueador de la libertad individual. Los protagonistas de las películas de Buñuel se retratan a menudo como prisioneros de su entorno social, y esto es quizás más evidente en "El discreto encanto de la burguesía". Aquí, seis amigos de clase media (y un obispo muy peculiar) no sólo parecen estar encadenados entre sí y obligados a repetir el mismo ritual de una fiesta interrumpida hasta el infinito, pero realmente parece como si estuvieran encerrados en una burbuja, una que encoge progresivamente en el curso de la película. Así son estos discípulos de la conformidad que viven con las reglas no escritas de la etiqueta burguesa, reglas que convierten en ajeno las cosas extrañas que suceden a su alrededor. En lugar de mostrar sorpresa (una reacción natural cuando un pelotón de soldados irrumpe en su casa y exige refrescos), se limitan a repetir los mismos gestos anodinos y trivialidades sin sentido, como si fueran autómatas sin alma con un repertorio muy limitado de expresión. Evidentemente, la discreción es la mejor parte de gentileza del burgués.

La fusión perfecta de los sueños y la realidad es fundamental para "El discreto encanto de la burguesía", acentuando tanto su opacidad y su oscuro humor, cada vez más extravagantes. Hay por lo menos cinco secuencias de sueños señalizados en esta película. La película consiste en una serie de episodios (algunos reales, otros no) en la que los personajes fracasan constantemente a la hora de lograr la satisfacción de sus deseos. Cada vez que se sientan a comer juntos el acto se interrumpe, los intentos de hacer el amor se ven frustrados de manera similar por los visitantes inesperados, incluso un esfuerzo para conseguir una bebida en un café está condenado al fracaso. Cada uno de estos episodios juega a favor de una manera onírica, que nos muestra el deseo que nunca se cumplió.

Una interpretación de la película es que está haciendo una declaración sobre la naturaleza característicamente estéril de la existencia de la clase media. Buñuel parece estar dando a entender que las restricciones de la conformidad burguesa son tan rígidos, por lo que la limitación de que cualquier persona que se suscribe a ellas está inevitablemente condenado a vivir una vida sin color o significado. Normalidad burguesa tiene su propia tiranía que es tan degradante como el fascismo que llevó a Buñuel al exilio en 1930. Las personas dejan de ser personas, se convierten en máquinas sin alma. Conservan un vestigio de deseo carnal, pero han perdido los medios para saciar este deseo. Esto podría explicar uno de los motivos recurrentes centrales de la película, el grupo de amigos burgueses caminando tranquilamente por un camino sin fin en el medio de la nada. Ellos no saben de dónde vienen; no saben a dónde van. Ellos sólo siguen deambulando, buscando una existencia como zombies huecos que ha dejado de tener sentido o propósito, una muerte en vida.

Aguirre, la cólera de Dios, es posiblemente la peliculas más conocida y celebrada de Werner Herzog, es un retrato de la obsesión y la locura, logrando ser una pelicula fascinante y absolutamente escalofriante. La película marca el comienzo de una legendaria colaboración entre Herzog y su actor principal Klaus Kinski. Es difícil imaginar a alguien más adecuado para el papel de Aguirre que Kinski. El actor había previsto en un principio interpretar a su personaje como un loco desvarío más convencional, pero Herzog insistió en que Aguirre se debía retratar de una manera más restringida, para transmitir la amenaza que suponía de una manera más sutil y eficaz.

Bajo la dirección de Herzog, Kinski logra crear uno de los personajes más grotescos y más memorables de su repertorio. Su Aguirre es un monstruo monomaniaco que está tan absorbido por sus ambiciones, tan seguros de su confianza en sí mismo que no logra ver los peligros reales de su alrededor, por lo que, inevitablemente, se convierte en el líder condenado de una misión suicida.

La película costó alrededor de 350 mil dólares, incluso entonces era un presupuesto ridículamente pequeño para una pelicula tan ambiciosa. El rodaje duro entorno a cinco semanas, y se llevo a cabo en la selva peruana, un calvario que exigía una planificación meticulosa y una considerable iniciativa por parte del equipo para realizar una compleja y muy exigente sesión de ubicación.

Uno de los puntos fuertes de la película es la forma en la que se componen sus planos, realizadas por el cineasta Thomas Mauch. Los movimientos de cámara desigual (una novedad en ese período) se suman al realismo y ofrecen un sentido inquietante de confinamiento. La impresión es que los conquistadores se ven atrapados en una trampa, totalmente a merced de fuerzas invisibles que los conducen a una fatalidad ineludible. Mientras tanto, la ubicación y fotografía, ofrecen un visión casi surrealista repleta de serenidad y esplendor natural, ofreciendo un contrapunto profundamente irónico a la vorágine frenética del miedo, traición y el sufrimiento que parece encubrir a los conquistadores.

Evitando la suavidad y elasticidad de la arcilla, Barta, el genio checo de la innovadora tecnica stop-motion, tenía miles de personajes y escenarios talladas a mano en madera dentada, tosca por su inusual estética de fantasía y horror, pero que dota de fuerza a las imágenes, logrando una belleza visual extraordinaria. Llena de falsas perspectivas, ángulos oblicuos y caminos imposibles, la película de Barta toma el cuento de los hermanos Grimm a través del cubismo y el expresionismo alemán, dejando un sabor claramente Checo.

El núcleo de la historia original se mantiene, un flautista misterioso que le ofrece al puedo de Hamelin hacer desaparecer las ratas haciendo sonar su flauta, a cambio de una recompensa. Sin embargo, el principio y el final son alterados para dar a la historia un tono más oscuro (opuesto a la mayoría de las adaptaciones de cuentos de hadas) y un mensaje más macabro y certero. Barta representa Hamelin como una guarida plagada de pequeños avaros, los ciudadanos realizan trabajos perversos,y alimentan a la codicia en todas sus formas. Probablemente no es un accidente que la ciudad sea golpeada por una plaga de ratas que parecen empeñadas en quitarle las únicas cosas que el pueblo de Hamelin ama, la comida, el dinero y las joyas. En el bullicio de este capitalismo en miniatura sin alma, la humanidad se ha torcido en caricaturas monstruosas.

Bronson es prácticamente un espectáculo de un solo hombre. Tom Hardy, un actor cuyo cuerpo es muscularmente esculpido, para ofrecer una actuación estrella, increíble e inolvidable que brilla con luz propia, logrando ser escalofriante, emocionante, divertido, aterrador, patético y peligroso a la vez. Bronson solo hace frente a la realidad y a las personas sólo cuando luchan contra ellos, en otras situaciones es un tímido, torpe y solitario con prendas ajustadas y un gran bigote. Es un hombre a quien nadie le prestaría atención, sin embargo, se trata de una persona que debe ser tenida en cuenta.

La pelicula ofrece una inmersión en el mundo de un personaje totalmente fascinante. Bronson, es el retrato de Michael Peterson, quien adoptó el nombre del actor para llegar a ser el preso más conocido de Gran Bretaña, un hombre tan reflexivamente violento que ha estado recluido en régimen de aislamiento durante 30 de sus 34 años de encarcelamiento. Se trata de un personaje excelente para construir una película a su alrededor, y el director danés Nicolas Winding Refn obtiene hasta la última gota de sudor de Hardy, que interpreta al peligrosamente carismático Bronson, como un dios olímpico con una inclinación por la floritura de Shakespeare y los instintos de un matón de bajo nivel.

La pelicula es una meditación sobre el arte de la rabia, una pintura de acción haciéndose pasar por una película de acción. Se trata de una película diferente y muy particular, que por momentos puede resultar chocante a causa de su extravagante hilo de narración tan poco convencional, pero sin duda se trata de una pelicula con mucho estilo con una coherencia visual impoluta y cuidada hasta el ultimo detalle, pero sin embargo, no se trata de una pelicula apta para todos los públicos, puesto que la pelicula contiene grandes dosis de violencia, que se muestra de una manera literal y sin concesiones, pero sin embargo, las escenas desprenden autentico lirismo arropado por los estándares de la ópera y la música clásica.

Burda imitación de los intocables de Eliot Ness que desiste en el intento para asemejarse a títulos como los mercenarios, con ritmo trepidante, aptitud en sus planos, reparto estelar, acción a raudales, que no logra salvar su nefasta creatividad e inexistente originalidad de sus diálogos