Benh Zeitlin con esta su ópera prima ha dejado boquiabiertos a crítica y público, una particular creación que va cosechando premios allá por donde pasa (mejor película y fotografía en Sundance, cámara de oro y Fipresci en Cannes…etc) y que le ha permitido darse a conocer y triunfar a nivel global a través del circuito de festivales de primer nivel. El joven director ha participado igualmente en la creación del guión de la película junto a Lucy Albar, autora de la obra original en que se basa.

“Bestias del sur salvaje” nos narra la vida de Hushpuppy, una niña que vive en un tiempo en que la humanidad se ha recluído tras gigantescas presas que la protegen de la inminente crecida de las aguas por la disolución de los casquetes polares. Pero ella no se encuentra dentro de esa seguridad, sino al sur de los muros, en unas tierras salvajes que sus arraigados habitantes se niegan a abandonar. La niña habita junto a su padre, un hombre enfermo que abusa del alcohol poniendo en peligro su tranquilo día a día en la naturaleza. El desastre se aproxima y los corazones de las ancestrales bestias que duermen bajo el hielo comienzan a sonar de nuevo…

El film, un crítico cuento de hadas que roza la sordidez en su planteamiento e invita a la reflexión, está narrado a través de una colección de metáforas y simbologías que tocan temas de gran actualidad y temas eternos a un tiempo. Su puesta en escena, creativa y artística, demuestran cómo las mayores fantasías no requieren de los más espectaculares efectos especiales, sino de la imaginación y del saber explotar al máximo los mínimos recursos.

Por otra parte, los personajes de la película representan el corazón de la historia. Caricaturizados y extremos, enganchan al espectador y lo arrastran a la aventura, y entre todos ellos, destaca aquel interpretado por Quvezhané Wallis, Hushpuppy, la niña a través de cuyos ojos, reflexiones, creencias, miedos y sueños, veremos el mundo. La joven actriz roba el aliento al espectador y borda un papel que la convierte en toda una “fuerza de la naturaleza”, como han apuntado diversos críticos, dotando a la película de gran vida, energía e inocencia, encarnando la esencia luchadora del hombre contra la adversidad.

Extraña, hipnótica y diferente, “Bestias del Sur Salvaje” es una propuesta independiente, que si no fácil, resulta de gran interés, calidad y profundidad. No para todos los paladares, pero sí satisfactoria para aquellos ávidos de buen cine innovador.

-Enoch-
www.raven-heart.com

Los amantes del terror ya teníamos fichado a Christopher Smith desde la irreverente, divertida y sangrienta Severance, un film que aunque no era redondo si que nos descubría a un realizador muy prometedor. Cambiando de temática dentro del fantástico, el director británico regresa a la palestra tras varios años de ausencia y lo hace dando un salto de calidad indiscutible. No en vano, algunos entusiastas ya han señalado a Triangle como una de esas obras que, sin hacer casi ruido, están destinadas a convertirse en clásicos con el paso del tiempo.

En la vida de Jess no hay lugar para el descanso, ocupada entre el trabajo y el cuidado de su hijo autista. Cuando un amigo le propone hacer una excursión en velero en compañía de otra gente guapa, la sacrificada madre decide tomarse un respiro. Por desgracia, una inoportuna tormenta termina con la travesía, hasta que la embarcación naufragada es rescatada por un viejo trasatlántico aparentemente desierto. Dentro del barco fantasma una inexplicable sensación de memoria recuperada comienza a apoderarse de la protagonista.

Engaña -y mucho- la historia de Triangle cuando transforma su punto de partida en una historia de viajes temporales que convence gracias a un trabajadísimo guión. La trama que Smith ha ideado está medida al milímetro y deja caer sus piezas una encima de otra hasta formar esa figura que da título al film. O muchas otras, porque Triangle muta en una espiral retorcida hasta el infinito, un bucle dentro de otro bucle que pasa del terror al thriller, siempre psicológico. Se consigue así un ambiente cargado y desasosegante en su conjunto de destino inevitable. Al igual que el Origen de Nolan, los diferentes niveles de complejidad argumental exigen del espectador una cierta atención. Es de agradecer que la película nos tome por entes pensantes e incluso inteligentes.

Solo una cosa le pesa a Triangle y le impide alcanzar esa quinta estrella y son sus referencias, esos constantes deja-vu con los que juega el argumento y de los que no se puede escapar, por mucho que cite a las Bermudas o al mito de Sísifo. Porque estas historias de paradojas temporales las hemos visto ya muchas veces en películas como Atrapado en el tiempo, Regreso al futuro, El efecto mariposa o Los cronocrímenes de Vigalondo, quizás su fuente de inspiración más evidente y dolorosa. Por lo demás, un trabajo muy bien planteado en un guión que hila fino y que se erige como una de las sorpresas más inesperadas de la temporada. No debería pasar inadvertida.
Keichi

En 1897 el escritor irlandés Bram Stoker publicaba Drácula, una de las novelas más influyentes de la literatura moderna. Precedido por otros autores como Polidori o Sheridan Le Fanu, el texto de Stoker asentaría definitivamente el arquetipo del vampiro en el imaginario colectivo. Drácula supone pues el origen incontestable de muchas de las historias sobre este ser de las tinieblas, especialmente las cinematográficas. Casi cien años más tarde, el director Francis Ford Coppola quiso regresar a ese punto de partida para rodar uno de sus mejores trabajos.

La historia es conocida por todos, no así sus orígenes. En esta película el Conde fue antaño un poderoso caballero defensor de la fe cristiana que tras la injusta muerte de su enamorada abrazó los poderes de la oscuridad. Siglos más tarde nos reenganchamos al argumento original de la novela con la llegada del abogado inglés Jonathan Harker a las brumosas tierras de Transilvania. Harker se convierte progresivamente en un prisionero dentro del castillo del Conde pero el destino se interpone cuándo el vampiro descubre una fotografía de su prometida, un calco exacto de su perdida Elisabeta.

Es menester empezar esta reseña sentenciando que el título de la película es intencionadamente engañoso. Si bien Drácula se vende como una adaptación fiel de la novela de Stoker, lo cierto es que esta fidelidad es meramente formal. En efecto, el film reproduce de manera casi anecdótica los extractos de diarios y cartas que forman la estructura del libro. Ante todo, Coppola y el guionista James V. Hart quisieron presentar a su vampiro no como un muerto viviente sediento de sangre, sino cómo un ser atormentado y desesperadamente vivo, casi un antihéroe romántico podría decirse, una humanización del monstruo apoyada además en un intercambio de personalidades con su antagonista, el profesor Van Helsing.

A pesar de un discreto palmarés en los Oscars (cuatro nominaciones de las cuales ganó las de mejor maquillaje, vestuario y edición de sonido) y una recepción controvertida, la película obtuvo un notable éxito en taquilla y devolvió a su director no solo el crédito artístico perdido en los últimos años, sino también una estabilidad económica mermada después de numerosos fracasos comerciales. Vilipendiada por los más acérrimos seguidores de la novela, apasionada hasta la incoherencia e irregular en su desarrollo, detrás de la cámara se intuye en todo momento la megalomanía de un visionario amante del cine. No cabe duda de que Drácula, de Bram Stoker es ante todo el Drácula de Francis Ford Coppola.
Keichi

Este "Crimen Americano", basado en hechos reales, nos narra la la historia de un ama de casa (Catherine Keener) con una gran prole de hijos y una triste vida autodestructiva, depresiva y enfermiza. Necesitada de dinero acoge en su hogar a dos niñas a cambio de un dinero que los padres de estas deberán entregarle mes a mes. Pero las cosas se tuercen y esta desequilibrada mujer paga sus desgracias con una de las niñas (Ellen Page). La encierra en el sótano donde comienza a torturarla, arranca un juego macabro en el que no sólo participará la madre, sino también sus hijos, amigos y vecinos... la humillación es extrema, la crueldad total y el destino de esta niña más negro no puede dibujarse.

Tommy O'haver dirige esta película ambientada en los sesenta que se sustenta, sobre todo, en sus dos afamadas actrices principales. Catherine Keener, siempre interesante, borda con su mirada fría y perdida a esta demente ama de casa. Ellen Page, acostumbrados como nos tiene a papeles de calidad, sale de esta sin pena ni gloria, no será esta película una mancha en su currículum ni tampoco un logro. "An american Crime" cuenta unos duros hechos reales, pero su cuidado en no caer en lo macabro, cruel o extremo, en ser "políticamente correcta" frente a los ojos del espectador le hace perder credibilidad, incluso aburrir y termina revistiendo el conjunto de un aspecto de "telefilm de sobremesa". No se puede contar algo tan fuerte de una manera tan suave.

Muy en su contra tiene la existencia de otra película que narraba el mismo hecho, hablamos de "The Girl Next Door", basada en la novela de Jack Ketchum y dirigida por Gregory Wilson. En ella se nos contaba lo mismo, con menos dinero, rostros desconocidos... mas resultó un film muy efectivo, un puñetazo directo al estómago (en este caso, era cruda, muy cruda de ver, pues no tenía clemencia con el espectador) que recibió grandes críticas dentro del circuito independiente así como de grandes nombres como Stephen King. Para todos aquellos que habíamos visto esta versión, "An American Crime" se queda en algo "light", en un producto de serie, sin riesgo alguno.

Simplemente correcta, para pasar el rato sin grandes espectativas.
Enoch.

Bernardo Bertolucci, mítico realizador de films como “El último emperador”, “Belleza Robada”, o “Soñadores”, entre otras muchas, vuelve, tras años alejado por factores de salud, a situar su talento tras las cámaras para dirigir “Tú y yo”, una intimista película con la que participó en el Festival de Cannes y en la sección de perlas de la 60 Edición del Festival de Cine de San Sebastián.

“Io e te” nos ubica en el seno de una familia desestructurada, donde cada miembro vive al ritmo que su independencia le marca. El más joven de sus integrantes, un adolescente, miente a sus padres indicándoles su participación en una excursión a la nieve que realiza el instituto para, en su lugar, encerrarse solo en el sótano del edificio a pasar tiempo consigo mismo y sus hobbies. Pero allí tendrá una compañía inesperada, la de su hermanastra y su adicción a la heroína. Juntos, en la oscuridad del subsuelo y en absoluta soledad, habrán de lidiar con sus fantasmas interiores.

Pese al gran nombre de su director, estamos ante una película pequeña, con escasos actores y escasas localizaciones, una película íntima, de sensaciones, sentimientos, emociones y pensamientos. Bertolucci, en el claustrofóbico y decrépito emplazamiento donde desarrolla la narración nos encierra con los dos actores (Tea Falco y Jacopo Olmo Antinori) que encarnan con gran verdad a los hermanastros para acercarnos a su visión de la familia, la adicción, el arte, la soledad, la sociedad… un caleidoscopio de grandes ideas contadas desde lo más común y pequeño que no sería posible sin una más que meritoria adaptación de la novela de Niccolo Ammaniti a un guión ágil y cercano.

“Tú y yo”, si bien no representa una cumbre dentro de la carrera de su director, sí que nos demuestra que sigue en forma y que con lo mínimo en recursos y lo máximo en buen hacer cinematográfico y creativo puede hacerse una buena película. Entretenida e interesante.

-Enoch-
www.raven-heart.com