Todos tenemos una predilección especial en esto del cine. Una película que no ha de destacar necesariamente sobre las demás en apartados técnicos, que no ha de estar exenta de fallos; pero que, sin embargo, significa tanto por los motivos que sean que, sencillamente, los dejamos pasar.

Desde esta perspectiva abordo mi segunda crítica de "Pequeña Miss Sunshine". Cuando tengo un momento de bajón, o me siento agobiado por algo, este filme es el remedio perfecto. Y no porque me lo pinte todo de color de rosa, al contrario. El hecho es que me identifico con todos y cada uno de los personajes de esa familia. Me hago partícipe de sus problemas y frustraciones; tanto del padre obsesionado con su dichoso programa que acaba suponiendo su mayor fracaso, como del tío suicida al que le restriegan constantemente su mala suerte, o el abuelo que trata de sacarle el máximo partido a sus últimos años, o el chico que se muestra tan estricto en cumplir su promesa (una promesa que está condenada a irse al garete), o la madre que intenta poner paz y cordura en una familia tan desestructurada. Pero por encima de todos, destaca la niña, Olive Hoover. Un prodigio de naturalidad y de inocencia, una ricura de cría, vamos. De las pocas veces que he visto un menor actuando y no me han entrado ganas de cogerle del pescuezo. Lo hace tan bien, sin adornarse ni intentar quedar por encima de su papel, que no puedo menos que ceder ante su simpatía.
Y por suerte no es solamente ella. Todos, absolutamente todos los miembros de la familia, realizan su papel a la perfección desde el presupuesto de la sinceridad (los gestos, las frases, todo suena tan cercano que cuesta creer que esto sea ficción). La escena del comedor es una de mis favoritas, poquitas veces he visto tanta sencillez y naturalidad juntas. De repente, una panda de "bichos raros" parece más real que todo lo que me rodea, y me siento como si yo mismo estuviera comiendo ahí con ellos. Los grititos, la conversación interrumpida constantemente en la que cada uno sigue en sus trece... Así es como se rueda una escena familiar, sin clichés ni chorradas superfluas, y alejándose de la artificialidad que inunda el cine de Hollywood (no siempre, pero insisto. Muchas veces, por querer reforzar la emoción de una escena, se olvida en las películas lo más importante: creerse al personaje; y se llenan los diálogos de frases lapidarias y momentos tan intensos como irreales). El único fallo que le veo en este sentido es la presencia de alguna frase demasiado subrayada (como por ejemplo la de "la vida es un puto concurso de belleza tras otro") que contrasta con la credibilidad general. Nada grave, de todas maneras.

Evidentemente, no puedo esperar nada de un cortometraje puntuado con un 2,2 en FilmAffinity. Sé que tengo mis rarezas pero hasta para esto hay un límite. Pero al menos pensaba que podría encontrarle alguna cualidad, una razón de ser, qué sé yo.

Nada. Cero. Un vacío rotundo.

Este corto da miedo, pero de lo malo que es. No sólo por estar tan mal hecho y tener un montaje y sonido indignos de alguien con el renombre de Álex de la Iglesia, es que no hace nada, nada de gracia. Yo creo que a los dos amigotes les debió parecer tan graciosa y ocurrente la idea que ya pasaron de todo lo demás. Es decir, como ya tenemos una premisa no nos hace falta el guión, improvisamos y punto pelota. Lo malo es que cuando fueron a intentar improvisar se encontraron con que no podían ir más allá del "Hitler está vivo". Cualquier ser humano con dos dedos de frente habría abandonado el proyecto, pero ellos no. Y aquí está el resultado.

Hitler está vivo, jeje. Hitler con acento andaluz, jejeje. No faltan menciones a lo exagerados que son los datos sobre el Holocausto, jejejeje.

Patético.

"Los amos del tiempo" es el segundo de los tres largometrajes de animación dirigidos por el francés René Laloux, famoso por los diseños surrealistas de sus películas y por su enfoque en argumentos de ciencia ficción conceptual que narran realidades distópicas. En esta ocasión el argumento, basado en la novela "El huérfano de Perdide" de 1958, es una premisa en principio sencilla —el rescate de un niño perdido en un planeta convenientemente llamado Perdide— y con un objetivo claro, pero el largo viaje se complicará con numerosos contratiempos, entre los que se encuentra un príncipe dispuesto a todo para recuperar su tesoro incautado dentro de la nave; mientras la única forma de comunicarse con Piel, el niño perdido, es a través de un transmisor que se convierte en su única compañía en el planeta.

Lo primero que llama la atención de esta cinta es su asombrosa imaginería visual. Los diseños de Moebius recrean un ambiente surrealista fascinante en Perdide, lleno de formas extrañas en un ambiente árido e inhóspito, pero al mismo tiempo con un enorme atractivo. La manera en la que Piel interactúa con un escenario tan retorcido se convierte en la gran baza de la película, y cualquiera de las escenas en las que el personaje camina a través del bosque descubriendo el entorno en el que se encuentra atrapado se cuenta entre lo mejor y más lúcido de la misma. Asimismo, la banda sonora compuesta de sintetizadores es tremendamente atmosférica y acompaña las imágenes a la perfección, dando una sensación constante de desasosiego y perturbación.

Del otro lado de la historia las sensaciones son más irregulares. Sin llegar a convertirse en un fallo, debido a que es una aventura infantil y la ambigüedad no tiene demasiado sentido aquí, los personajes son extremos de heroísmo (Jaffar) o maldad maquiavélica (Matton), y sus interacciones por tanto resultan más limitadas, exceptuando la excéntrica personalidad del viejo Silbad. No ayudan a mejorar esta percepción los dos homúnculos que aparecen a mitad de película y son capaces de leer por telepatía los pensamientos de la tripulación, y no dejan de incidir en ello; aunque sí hacen la trama más divertida y dinámica con sus reacciones y personalidad que choca con la actitud más bien sobria del resto.

"Clannad" (aclaro, antes de empezar, que hablo solamente de la primera temporada en esta crítica) es una de las primeras series que me apunté cuando empecé a ver anime, una de las más aplaudidas y al mismo tiempo una de las más discutidas, tal vez por su capacidad de generar reacciones muy viscerales en sus espectadores. Está claro que esperaba encontrarme algo grande.

Después de casi cuatro años con esta serie entre ceja y ceja, supongo que este resultado puede catalogarse como decepción.

Sí y no.

Me explico. Si bien es cierto que con esta serie tenía unas expectativas exacerbadas, también es cierto que me daba algo de miedo enfrentarme a ella por lo que pudiera pasar si no conectaba con su forma de hacer las cosas. Por eso este término medio ha supuesto un alivio antes que otra cosa. Por eso, y porque siendo como es la serie, tan descompensada en varios aspectos, siempre me quedaba algo a lo que atenerme y que me funcionara con la fuerza suficiente.

En el apartado técnico no tengo quejas. El diseño de personajes no es mi favorito -creo que no subraya sus distintas personalidades del todo bien- pero aparte de esto la serie es lo suficientemente preciosista y efectiva en ese sentido como para ser capaz de añadir intensidad a las escenas que recrea. El dibujo con todos sus efectos de iluminación está trabajadísimo y la banda sonora, excepto en un par de momentos y más por cosa mía, no desentona en absoluto.

La historia, o más exactamente la forma de distribuir la historia entre sus distintos personajes, es donde veo más problemas. No es porque Tomoya me disguste como personaje principal, más bien al contrario, me parece muy divertido y con una personalidad que engancha, pero creo que se comete un error al subyugar toda la trama a su experiencia. Es decir, me hubiera gustado que conociéramos más acerca de Tomoyo, de Kyou y Ryou, de Sunohara, etc. El ejemplo más sangrante con todo está en Kotomi, que después de saltar al protagonismo durante unos pocos episodios termina relegada a ser un personaje de fondo. Y el problema es que como Tomoya no indaga en la vida de estos personajes, tampoco lo hacemos nosotros. Con lo que se pierde un potencial tremendo para explorar. Lo cual no sería tampoco malo si no fuera porque estos personajes realmente tienen puntos de conflicto que quedan cojos, por ejemplo a las gemelas en un momento dado de la historia no les queda más remedio que chocar, pero no se desarrolla absolutamente nada a partir de esto.

El otro lastre de "Clannad" está en sus diálogos, para mí simplemente hay demasiados momentos en los que no está a la altura, demasiada sobreexposición de las emociones por esa vía que en parte se carga el desarrollo de las situaciones...

...y con esto se entiende aún menos el verdadero milagro de esta serie, que es su capacidad de sacarse de la manga, con una facilidad insultante, un clímax emocional que funciona a pesar de un desarrollo errático; en la historia de Kotomi mismamente ocurre esto, no pude entrar en toda la parafernalia descriptiva del conflicto con tanta intensidad, pero sin embargo el clímax me dejó noqueado.

A nivel de personajes, la serie redunda en personalidades ya vistas, lo cual no es en absoluto malo porque juega con los clichés con bastante gracia, pero al carecer de un desarrollo más regular creo que no extrae todo su potencial. Con todo, y dejando de lado a Tomoya, Nagisa me resultó especialmente interesante. En parte, supongo, porque la historia está más centrada en ella, pero también por ciertos aspectos concretos de su personalidad; es decir, se nos presenta como un personaje a quien le cuesta entablar relaciones, pero al mismo tiempo acabamos viéndole desenvolverse con relativa soltura una vez ha adquirido confianza, evitando los extremos en la caracterización. Su trama a nivel global es lo que más me interesó de la serie y la relación con sus padres fue otro puntazo que terminó dando la situación más emotiva de la historia.

En el lado cómico me es imposible no destacar al absurdamente carismático Sunohara, personaje que, dicho sea, me hubiera gustado ver en una faceta más seria más allá de las pinceladas que se dan. La comedia de "Clannad" en general es sorprendentemente enérgica y efectiva en una serie tan dedicada al melodrama, y en parte el motivo por el que tengo tan buena impresión de ella a pesar de haberla disfrutado más a medias de lo que me gustaría.

En fin. Tal vez por esta mezcla irregular y tan polarizada de aciertos y fallos, o por el tono tan agradable y distendido de la narración, mi sensación general al ver "Clannad" es de que la experiencia ha merecido la pena, supongo que más de lo que mi nota y comentario puede hacer creer. Si bien está lejos de ser perfecta, me alegro de haber podido conectar con ella en muchos puntos clave.

¿Qué hacen un cazarrecompensas adicto al tabaco y experto en artes marciales, un recio ex-policía con un brazo metálico implantado, una fugitiva ludópata y endeudada hasta las cejas, una niña hacker que teclea con los pies y un perro paticorto encerrados 24 horas al día en una nave espacial sin rumbo prefijado?

Solución: una auténtica serie de culto, obra capital de la animación de los 90.

Así es "Cowboy Bebop". Tan fácil de disfrutar como difícil de definir. Tan emocionante y turbadora como bella y reflexiva. Tan divertida como dramática.

Una serie que encuentra su mayor filón en su impresionante variedad y capacidad para sorprender con una mezcla de géneros que va de la comedia absurda al drama, pasando por la acción pura y dura, la ciencia-ficción o las intrigas criminales. Cada episodio es un ejercicio de estilo individual, plagado de homenajes cinéfilos y musicales, y sin embargo todos funcionan como piezas de un mismo puzzle que encajan armónicamente.

Normalmente, y teniendo en cuenta mi escasa experiencia con la animación japonesa, tiendo a ser reservado con las historias profundas y enrevesadas, ya que suele haber algo en ellas que termina por estropear la experiencia en mayor o menor medida. Ya sean las conocidas idas de olla a medio capítulo del final, las intrigas no resueltas o simplemente la incapacidad de fundir el discurso y la acción. Pero el caso de "Cowboy Bebop" me sorprende porque todo está calculado milimétricamente, los personajes transmiten una emoción genuina (Spike es todo un pozo de carisma desde el primer momento, otros como Valentine y Ed te van metiendo lentamente en su juego) y logra culminar de forma magistral. El argumento atrapa desde el primer momento, la forma de desarrollarlo, aunque lenta y metódica, carece de fallos, y la sensación al acabar de ver la serie es que no se podría hacer de mejor manera. Dada su variedad de ideas, podría esperarse que algún episodio funcionara peor, y es cierto: la serie flojea en algunos de ellos. Lo que no es tan frecuente es que incluso estos capítulos logren entretener y mantener unos mínimos bastante aceptables, no hay una sola historia infumable y eso le da más mérito si cabe al conjunto.

Sumando a eso una animación fascinante, una banda sonora que homenajea con acierto diferentes estilos musicales, y en general una estética lírica y preciosista, "Cowboy Bebop" se convierte en toda una experiencia a lo largo de sus 26 episodios. Recomendable para cualquier público; es, literalmente, algo que todos pueden disfrutar. Hay que tener unos prejuicios enormes hacia esta forma de expresión audiovisual para no reconocer los innumerables méritos que tiene este anime en cuanto a ambientación, construcción del argumento y desarrollo de los personajes, a la altura del mejor cine negro.