La riqueza de la mitología nórdica y germana cobra una nueva dimensión en este nuevo proyecto dirigido por Robert Eggers (‘La Bruja’, ‘El Faro). Abandona los códigos del cine de terror, aunque no todos ellos, para adentrarse en un largometraje lleno de esoterismo y poética, dentro de la barbarie más descarnada en los inicios del Siglo X.

Nos encontramos en la Islandia de los reinos de granjas, en la que los clanes, acuden juntos al fragor de las batallas vikingas para proteger y aumentar sus haciendas. Una etapa plena de cultos paganos y superstición, donde las familias se asientan en equilibrio con los dioses, confiándoles sus designios y otorgando sacrificios, a cambio de crecimiento y riquezas. Presenciamos ritos de la brujería ancestral del norte, cuando el hombre unía su alma con bestias y animales al amparo del Yggdrasil, árbol de la vida que mantiene unido todas las regiones del universo.

En este contexto regresa al hogar el rey Aurvandil (Ethan Hawke) después de una contienda. Allí se reúne con su mujer e hijo, Gudrún y Amleth (Nicole Kidman, Alexander Skarsgård). Es justo después de un ritual iniciático para Amleth cuando Fjölnir (Claes Bang), hermano bastardo del rey, lleva a cabo su traición para hacerse con el poder y erigirse como nuevo rey. Se lleva a cabo al sometimiento y exterminio del antiguo linaje para que la nueva sangre fluya en el territorio. Amleth, legítimo infante, escapa con la firme determinación de vengar a su padre, rescatar a su madre y asesinar a su tío.

Pasados varios años de penurias y odio acumulado, regresa a Islandia como esclavo desde la región del Rus. Acompañado por Olga (Anya Taylor-Joy), mujer eslava, ducha en conocimientos heréticos, que unirá progresivamente su vida a la de Amleth, convirtiéndose en su íntima confidente.

Eggers hace gala de la mezcla de géneros. Aglutina con habilidad el cine de época, el drama épico y el cine de acción; la visceralidad y los toques de horror quedan desperdigados a lo largo de todo el film. Se cuidan al extremo las localizaciones naturales de Islandia, así como los interiores claustrofóbicos iluminados con la luz de las llamas. El tono de misterio y la belleza de su particular poesía flotan a lo largo de los minutos. Eggers demuestra destreza, no solo con los planos estáticos e inquietantes, sino con las secuencias que requieren movimientos propios de la batalla. Muestra en secuencia la miseria, la podredumbre y, en definitiva, un estilo de vida sucio y escatológico en el que no se ahorra en violencia explícita para rematar el retrato. Con sangre sudor y lágrimas se muestra esta epopeya polar. Con respeto a los dioses y las regiones que habitan, mostrando solemnidad y folklore, sin renunciar a un reparto actoral de primera línea. Mención aparte merece la cantante y actriz Björk, que con su breve aparición en la película, regresa al largometraje veintidós años después de ganar la palma de Oro en Cannes por su papel protagonista en ‘Dancer in the Dark’ (Lars von Trier, 2000).

La película se beneficia de un tratamiento fotográfico tradicional en 35 mm, rehuyendo así al prácticamente omnipresente cine digital actual. De predominancia oscura, no evita las secuencias a plena de luz del día y a cierto preciosismo con tintes macabros. La fotografía saca partido a los grandes contrastes en consonancia con las localizaciones.

Hermosas las llamas a Las Puertas del Hel en medio de una noche eterna. Lustrosas e imponentes las valquirias que conducen a los héroes caídos a las puertas y gloria del Valhalla. El guion está impregnado de influencias claramente shakespearianas, haciendo honor a algunas de sus más célebres tragedias; conjuntando un espléndido trabajo literario al servicio de una historia que nos suena, pero se nos presenta renovada como un inspirado amanecer. Ayuda la música elegida por los compositores que suena gutural y territorial. Acrecenta y empodera unas imágenes impactantes ya extremas de por sí.

Dentro de su estado de descomposición, la película es hermosa. El control de la atmósfera está inspirado con un reparto que cumple con creces. Atención a esa hipnosis que nos produce Anya Taylor-Joy, convertida en musa de su director. Ojo a ese cuerpo anabolizado de Alexander Skarsgård, en el que la mirada se va tornando triste al acaecer de los acontecimientos.

Las cuerdas del destino y esos hilos que unen, mientras nos conducen hacia un nuevo despertar. Una película extraña, de las de antes pero nueva, que resplandece en la copa del Fresno Eterno.


Publicado originalmente en: https://cinemiamor.wordpress.com/2022/04/28/quebrantas-con-la-fuerza-yo-con-la-inteligencia-el-hombre-del-norte-2022-robert-eggers/

La visita al museo conduce a Camila hacia la vitrina. Allí contempla varias especies y a esa ausencia entre cristales; en su lugar una fotografía, cara a cara, mirada frente a frente. Ella, una vez allí. Después, en busca de dignidad.

La cineasta argentina, Inés Barrionuevo, dirige este intimísimo retrato sobre la mujer adolescente y el cambio. De forma sutil, confiando en las sensaciones producidas en el espectador, se extiende un amplio espectro de atmósferas y situaciones que, en gran parte de las ocasiones, son mucho más elocuentes y demoledoras que los propios diálogos del film. Una película que se nutre de miradas, descubrimiento y poderosas metáforas con diversos grados de hermetismo. Una opacidad que se sintoniza con los pensamientos de Camila (Nina Dziembrowski), nuestra protagonista en estado de crisálida, aguardando la eclosión y la metamorfosis hacia la adultez.

Camila abandona La Plata junto con su madre y hermana, trasladándose al bullicio de Buenos Aires, para estar cerca de su abuela, gravemente enferma. Allí se abre paso en un mundo totalmente nuevo, en el que cada movimiento en el tablero marcará su forma de ser para siempre. Los adultos adoptan roles prácticamente irrelevantes, siendo el joven elenco el encargado de cargar con esos avatares. Poco sabemos de la separación de los padres de Camila, aunque sí queda clara una relación rebelde y tirante con su madre que no pasa por sus mejores momentos.

Camila asiste a su nueva escuela. Un lugar que se convierte en la cantera del proceso del cambio. Conocer a los alumnos, nuevos compañeros; alianzas y traiciones en un ambiente mucho más conservador y hostil que clama revolución. Un estricto entorno que tiene su válvula de escape durante las noches. Fiestas, bares, música y sexo, contrapuestos a la falsa moral del centro educativo, donde las lecciones de alto nivel apuñalan por la espalda según termina la jornada lectiva. Jóvenes abandonados a su suerte, mientras buscan el consuelo en ese otro alguien.

La vacuidad de valores encuentra su camino a través de las relaciones más íntimas, aunque esto signifique la más descarnada de las disputas. Agonía y silencio aun estando acompañado. Sugerentes y ásperas texturas ayudan a conseguir un efecto de soledad, con un grito ahogado que busca el abrazo y la compañía. Viviendas casi deshabitadas; camas asépticas hambrientas de piel al caer la noche. El beso furtivo que se escapa en el alfeizar de la ventana. Representaciones sacras opuestas al alarido pagano de protesta. Una por otra, otra por una.

Un viaje iniciático que no conoce otro trayecto que no sea el de querer avanzar. Un alma que se apaga y libera a otras muchas. Ese despertar distinto que guía por el sendero oculto en busca del reflejo. No hay ausencia. Ella, ahora sí allí; mirada frente a frente y en compañía.

Un film enigmático, atmosférico, lleno de profundas reflexiones y revelaciones. La música nos mece, la fotografía oprime. El canto del cisne hacia un nuevo despertar. Se siente nueva. Camila: etérea, intangible y digna.



https://cinemiamor.wordpress.com/2022/07/02/alguna-vez-te-replantearas-si-vale-la-pena-seguir-teniendo-miedo-camila-saldra-esta-noche-2021-ines-barrionuevo/

Un gran misterio se esconde entre las imágenes y sonidos del primer largometraje dirigido por Nathalie Álvarez Mesén. Clara Sola, es un film que funciona desde diversas capas de lectura independientes, con un nexo de unión propiciado por Wendy Chinchilla Araya, su protagonista. Son capas que van desde lo aparente y real, que pasan por un ente natural cósmico todopoderoso, y que se refugian en microcosmos de seres, testigos de lo maravilloso. El corazón de la película se cubre de diferentes niveles, que confían en el espectador para lograr su acceso. Es posible que haya quien permanezca en lo obvio y obtenga válidas conclusiones, pero existe la posibilidad de bucear en un mundo más allá de lo tangible, en el que existe un ecosistema y una percepción extrasensorial fabulosa y perturbadora.

Clara es una mujer entrada en los 40 años, que vive con su familia en una casa en medio de la selva costarricense. Es una persona introvertida, con problemas físicos de espalda, que posee un alto grado de sensitividad para entrar en contacto con el mundo natural del que se ve envuelta. Es capaz de entablar una íntima conexión con Yuca, su yegua, escuchar los sonidos de La Tierra; o tener un nexo muy especial con el escarabajo que habita en el terrario de su habitación. La madre aprovecha de sus cualidades especiales para que lleguen multitudes de personas a la zona, y dejando un generoso donativo se beneficien de las propiedades “curativas” de su hija. Clara observa su entorno. Ve como su sobrina, María, inicia una relación sentimental. En un momento determinado se produce un terremoto que despierta a Clara de su letargo. Es a partir de ahí cuando su personalidad se desarrolla, y empieza a tomar decisiones que cambian su destino y el de los que la rodean.

Provista de una compleja puesta en escena, la película se filma en localizaciones naturales de la selva tropical. La aparición de elementos puramente latinos se mezclan con los propios de la cinematografía sueca, quedando claras las raíces escandinavas de de la directora; dejando patentes las influencias de cineastas como Ingmar Bergman, elementos del cine de Dreyer, incluso tocando, ya desde EE UU, parámetros del cine de Terrence Malick. Álvarez Mesén diseña un potente coctel en el que se adueña de un estilo muy personal gracias a un estilizado tratamiento audiovisual. La cámara transita diferentes espacios naturales en consonancia con los interiores; se obtiene una fotografía muy contrastada que combina diferentes modos de ver el mundo: lo cotidiano y resplandeciente en contraposición a lo místico y mágico. Se añade un tratamiento orgánico, en el que la sensación de estar en contacto con el mundo vivo fluye con una fuerza imperiosa.

La bailarina Wendy Chinchilla Araya ofrece una interpretación llena de sentido y sentimiento. Sus fuertes rasgos chocan con un interior lleno de sensibilidad y profundidad. Asistimos a un recital de miradas, parcas palabras y silencios llenos de significado. Nos adentramos en una personalidad fascinante, en la que su reivindicación como mujer se produce a través de cauces menos convencionales y más valientes, que se desmarcan de lo sencillo utilizando modos intrincados. Ofir, el escarabajo verde volador, la pureza de la yegua Yuca, o esas luciérnagas que acompañan a Clara en alguno de sus momentos más íntimos. Esa Clara que se torna rebelde e iconoclasta, cuando desafía a la tradición dominante y asistimos boquiabiertos a la ruptura de las leyes físicas conocidas.

El film cuenta con un diseño de sonido muy cuidado y preciso. Cada sonido está mimado con un cariño respetuoso y especial. Además la banda sonora de Ruben De Gheselle nos hace partícipes de la emoción pura que destila cada una de las secuencias del film, con la utilización predominante de cuerdas.

Clara otorga nombres secretos a los seres vivos. Su recelo a compartirlos se puede comparar a encontrarla sola en uno de esos momentos de intimidad absoluta. En algún lugar del mundo, metida en esa selva llena de prodigios y magia. Mientras la contemplamos con ese vestido azul deudor de los cuentos de hadas. Sola hacia la eternidad.



Publicado originalmente en: https://cinemiamor.wordpress.com/2021/10/31/66-seminci-cual-es-tu-nombre-secreto-clara-sola-nathalie-alvarez-mesen-2021/

Pude conversar con Helena Wittmann instantes antes del preestreno de su segundo largometraje, ‘Human Flowers of Flesh’ (2022). La directora alemana se encuentra inmersa en una gira de presentación a través de la geografía española, antes de que la película tenga su estreno comercial el próximo 31 de marzo. Me cito con ella con antelación y la encuentro en el rellano del cine, liándo un cigarrillo, sonriendo y aura luminosa; accedemos al interior de la sala de proyección y, sentados confortablemente, charlamos con tranquilidad.

Me confiesa que encuentra su motivación en la propia vida y en la curiosidad por acercarse al mundo. Su Cine tiene como punto de partida una búsqueda que comienza con preguntas que, de resultar atractivas, no duda en seguir, afirmando que — existen diferentes puntos de comienzo — ‘Human Flowers of Flesh’, es el producto de cuatro años de trabajo, incluyendo investigación, búsqueda de localizaciones, preproducción, rodaje, y tareas de postproducción. Llama poderosamente la atención que se encargue personalmente de tantos departamentos fílmicos: no solo dirige, sino que se encarga del guion, fotografía y el montaje; además concede una importancia capital al uso y diseño del sonido, elevando su importancia a cotas que muchas veces pueden superar a la presentación visual. Literatura, música, paisajes y situaciones cotidianas están vivas en cada secuencia, tomando un fuerte protagonismo en el desarrollo del film.

Partiendo de Marsella, Ida, y su tripulación comienzan un viaje iniciático, navegando en un velero por aguas del Mediterráneo, siguiendo los ecos de la Legión Francesa hasta el norte de África.

La directora no se conforma con una narración convencional y nos hace cómplices y miembros de la tripulación, siguiendo pautas marcadamente sensoriales y sensitivas. El viaje se transforma en una experiencia de sugestión en el que las preguntas van aumentando al ritmo de su pausado tempo narrativo. Bendecida con un lenguaje hermoso y seductor nos induce a un estado receptivo. Cada sonido y cada plano cuentan, ofreciendo la cantidad exacta de lo que pretende mostrar y quiere que veamos y oigamos. Mirar y escuchar se convierten en las dos constantes principales que el espectador debe adoptar, aguzando los sentidos al compás de cada ola, cada golpe de viento y pisada; no busca que seamos un personaje ni una situación, quiere que seamos la película y cada uno de sus fotogramas.

Filmada en película de 16 mm, no busca un caprichoso vestigio del pasado. El orgánico analógico nos acerca aún más a nuestra propia existencia, le permite experimentar e insuflar más aliento a la propia vida. Nos muestra el mundo con toda su perfección e imperfección, en comunión con los elementos naturales. Se diría (y de hecho lo confirma) que no tiene prisa ni presión durante el viaje. Wittmann se busca y nos arrulla con su canto singular. Modela y sitúa el encuadre y el fuera de campo de forma precisa, emocionando de forma pulcra y sincera en un cautivador desnudo espiritual.

‘Human Flowers of Flesh’, es una de las primeras grandes sorpresas de la temporada. Es exactamente lo que quiere ser: mares e introspección. Un ejemplo de cine arriesgado y tan profundo como el secreto que se encuentra oculto más allá del interior de aquel que se atreva a observar. Detenida, observando el cambio en la aparente quietud.



https://cinemiamor.wordpress.com/2023/03/24/seres-de-ningun-lugar-ni-pais-human-flowers-of-flesh-2022-helena-wittmann/

Considero un regalo el último trabajo de Peter Jackson, así de claro. Esta vez he pasado de leer críticas de cenizos especializados de la prensa internacional/nacional. Tan sólo he leído algunas pinceladas, posteriormente de ver anoche el primer fragmento de El Hobbit. Siento lástima por esos tristes críticos, que no saben sentarse junto al fuego y escuchar historias hermosas, por parte de uno de los poquitos cuantacuentos interesantes que nos quedan.

Peter Jackson, me parece un tipo honesto. Esto es un negocio, y no ganar dinero sería una necedad, pero es que además a este hombre le salen las cosas de forma natural. "El Hobbit" es distinta a "El Señor de los Anillos", y a pesar de esto nos regala retazos, de la Épica Trilogía, para los seguidores de la Trilogía de los Anillos. El tono modela el relato, y yo disfruto cómo un niño mientras veo el cuento de J.R.R. Tolkien en imágenes HFR3D (48fps), de la mano de Jackson.

Muchos ven incluír el germen del mal, que se acerca en ESDLA cómo un defecto. Yo lo veo como una virtud. Me gusta ver personajes posteriores y su forma de actuar anterior, antes del enfrentamiento contra las hordas de Sauron. Y pese a estas inclusiones, de forma inmaculada se encuentra EL CUENTO . Un cuento de un cachondo Hobbit en su juventud, al que le gusta la buena vida y se pasea en batín en su agujero, de pronto se ve sorpendido por una legión de enanos y un mago que fabrica fuegos artificiales, y le proponen pasar una aventura insólita.

Dicen, que excesiva en sus recursos y su metraje. Y va, y se me pasa en un plis plas, dejándome con ganas de más. Es cómo cuando mi madre me leía de pequeño cuentos y me decía: "ahora a dormir" y me quedaba dando unas vueltas más esperando la continuación de la Aventura en la noche siguiente.

Me alegra saber escuchar. Porque cuentos bien contados como este "Hobbit" de Jackson abundan poco. Y honestamente, estamos a falta de imagineros. Peter jackson, teje sueños preciosos. La épica nos la dio antes, ahora toca el turno a un viaje más desenfadado.


Una buena película a la que no dudo ni un momento en conceder mi 7 sobre 10. Yo firmaría porque se abrise la agencia de viajes a la Tierra Media de vez en cuando.