Notable film de King Vidor. Escribe el guión Ayn Rand, que adapta su novela “The Fountainhead” (1943). Se rueda en escenarios naturales de California y en los platós de Warner Studios. Producido por Henry Blanke para la Warner, se estrena el 2-VII-1949 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en NYC y Connecticut, en 1948-49. Howard Roark (Cooper) es un joven profesional que cree que la arquitectura está abierta a la renovación e innovación y que la repetición de las soluciones de siempre es empobrecedora. Dotado de una gran capacidad creativa, defiende sus ideas y propuestas con firmeza. Prefiere trabajar como picador en una cantera de granito, que aceptar componendas y sumisiones a las pautas convencionales. En Connecticut conoce a la rica heredera Dominique Francon (Neal), joven, soltera, caprichosa, voluntariosa y apasionada. Él es joven, honesto, íntegro, individualista, idealista y luchador.

El film suma drama y romance. Desarrolla la historia de un profesional que se comporta de modo inflexible ante las presiones personales, profesionales y económicas, encaminadas a obligarle a hacer concesiones a lo convencional, la mediocridad, el inmovilismo, el mal gusto y el capricho de los inversores. Exalta los valores del individualismo y de la lucha personal a favor de la integridad profesional y artística. Critica el colectivismo y sus diferentes formas de manifestarse (gregarismo, moda...) y de imponerse políticamente y socialmente. Ayn Rand (1905-1982), nacida en San Petersburgo, se exilió en EEUU y adquirió la nacionalidad norteamericana. Fue una defensora tenaz de los derechos y valores del individuo frente a la colectividad. Como guionista intervino en el rodaje del film con un grado similar de intransigencia que el del protagonista. No aceptó ninguna modificación del texto y no quedó satisfecha del resultado. La novela tuvo gran difusión en EEUU en los últimos años de la IIGM y notable aceptación entre los soldados norteamericanos que participaban en la contienda. La figura del protagonista se inspira en la del arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959).

Al mismo tiempo la obra desarrolla una tempestuosa, compleja y tórrida historia de amor, que aporta al relato una interesante y atractiva atmósfera de tensión sexual, que se erige en uno de los elementos protagonistas de la cinta. Se ve reforzada por el uso de símbolos fálicos (martillo automático de la compresora, rascacielos en forma de torre visto en planos contrapicados), sueños y escenas metafóricas. El primer encuentro de Dominique y Howard en las canteras a cielo abierto de granito gris de Connecticut, bajo la luz cegadora del sol de mediodía y el calor abrasador del verano, sirve de alegoría de las pasiones que se desencadenan entre los dos personajes.

Film realizado por Orson Wlles, es su ópera prima. Escrito por Herman Mankiewicz y Welles, se inspira libremente en datos biográficos de William Randolph Hearts. Se rueda, en B/N, entre el 30-VII-40 y el 23-X-40, durante 3 meses, en exteriores y escenarios naturales de California (San Diego, Pasadena, Malibú, LA, etc.) y NY (Long Island, NYC) y en los RKO Studios (Hollywood, CA), con un presupuesto de medio millón de dólares. Nominado a 9 Oscar, gana uno (guión original). Producido por Welles, se estrena el 1-V-1941 (NYC).

La acción tiene lugar en Colorado, NY, Florida, Chicago y otras localidades, entre 1880 y 1941. El protagonista Charles Foster Kane (Welles) se relaciona, sobre todo, con su apoderado general, Sr. Bernstein (Sloane), primera esposa, Emily (Warrick), segunda esposa, Susan (Comingore), amigo de la infancia Jedediah Leland (Cotten), la madre Mary (Moorehead). El periodista que realiza la investigación es Jerry Thompson (Alland).

El film combina los géneros de drama, misterio y periodismo. Desarrolla una buena historia, interesante y sugestiva. Aporta una novedosa profundidad de campo, que permite enfocar al mismo tiempo el primer plano, los planos medios y el fondo. De este modo se amplía el campo visual, el punto de atención se desplaza del centro óptico al lugar donde se produce el movimiento, introduce efectos ópticos sorprendentes y hace posible que se vean los techos de los escenarios. Hace uso, además, de una nueva concepción de la estructura narrativa, apoyada en una sucesión de "flashbacks", a los que añade brillantes elipsis. Utiliza los elementos de estilo como medio para explicar la acción (luz que titubea en el teatro, símbolo de la inseguridad de Susan). La narración es compleja, densa y de gran brillantez.

La investigación sobre el significado de"rosebud" sirve para poner de manifiesto que nada puede ser explicado, porque es imposible alcanzar la verdad. Son escenas memorables, entre otras, el desafiante aplauso de Kane en solitario, el plano general sobre los objetos embalados para ser subastados, la cámara que asciende desde Susan a dos tramoyistas con gesto de desaprobación, plano superior del mitín electoral de Kane. Welles deja constancia de su preocupación por la vejez y la muerte.

La música, de Bernard Herrmann, ofrece 40 cortes descriptivos: de misterio ("Prelude"), temor ("Rain"), lúgubres y tétricos ("Letany"), alegres e íntimos ("Theme and Variations"), etc. Añade las marchas fúnebres de Chopin y Mendelsohnn, un fragmento de "El barbero de Sevilla" (Rossini) y canciones populares como "A Hot Time in the Old Town" y otras. La fotografía, de Gregg Toland, presenta imágenes muy contrastadas, reflejos en espejos, movimientos de cámara espectaculares (desde cartel de Susan la cámara asciende, sobrevuela el tejado, baja y funde), planos picados, contrapicados y de detalle (boca de Kane), encuadres generales grandiosos (hall de Xanadú) y sugerencias explicativas. Las interpretaciones son muy buenas.

Segundo largometraje de Sergei M: Eisenstein. El guión de Eisenstein, sobre argumento propio y de Nina Agadjanova-Shutko, mezcla ficción y realidad. Se rueda en exteriores de Odesa y alrededores y en estudio. Producido por Jacob Bliokh para Goskino, se estrena el 21-XII-1925 (Moscú).

La acción tiene lugar en Odesa a lo largo de una semana, en junio de 1905. A causa del trato inhumano y de una comida con parásitos, los marinos del Potemkin, que regresa de la guerra con Japón, se amotinan y se ganan la simpatía de la población de Odesa, que les envía víveres.

El film es una película muda clásica que suma los géneros de drama, historia y guerra. Mientras termina el montaje de "La huelga" (1924), Eisenstein, de 27 años, recibe el encargo oficial de rodar 8 episodios de las revueltas de 1905. El proyecto inicial se concreta en el rodaje de una de las obras más destacadas del cine.

Como las tragedias clásicas, se divide en 5 actos. Prescinde de los dramas individuales y centra la atención en los personajes colectivos: marinos, habitantes de Odesa, mandos zaristas, flota rusa, soldados cosacos. Su objetivo es exaltar los ideales de la Revolución de Octubre (1917). El trabajo del realizador acusa la influencia del teatro, la ópera y la pintura constructivista.

Eisenstein aporta al film una concepción innovadora del montaje, que confiere a la narración una gran fuerza y que influye decisivamente en el cine posterior. El film contiene 1.209 planos, una cifra muy superior a la habitual en 1925. Su juxtaposición crea secuencias que aceleran el ritmo (planos por tiempo) en los momentos culminantes; mantiene ritmos constantes y obsesivos para crear sentimientos de temor (cosacos en escalinata); ofrece ritmos cambiantes para sugerir caos y desorden (civiles en escalinata); suma varias narraciones en paralelo para ofrecer visiones del cuadro completo, etc. El montaje es una forma de estilo y, a la vez, un medio de trasmisión de ideas, sentimientos y actitudes.

Aprovecha el encuadre para orientar la expresividad de las imágenes (zaristas sin cabeza en cuadro, sombras inquietantes de cosacos...). Presenta juegos visuales (3 leones de piedra vistos sucesivamente parecen levantarse) y composiciones imaginarias (visión de marinos ahorcados en las vergas del mástil). Mezcla actores profesionales y no profesionales y rueda en exteriores. La obra ha sido fuente de numerosas citas visuales cinéfilas: "Los intocables", "Bonnie y Clyde", "Bananas", "Brazil", "El padrino", "Star Wars", "Titanic", etc.

La música, de Edmund Meisel, compuesta en 12 días, incluye reiteraciones, que en la sonorización de 1950 se obvían con fragmentos de Shostakovich y Krioukov, a cargo de una orquesta de cámara. La fotografía, de Eduard Tissé, está impregnada de sentido documentalista. Crea composiciones de magnífico dibujo, sin vacíos. Ofrece primeros planos que trasmiten emociones. Usa algunas maquetas. Film de gran fuerza, imprescindible.

Poco después del inicio del rodaje, el director Bretaigne Windust tuvo que ser sustituido por Raoul Walsh a causa de enfermedad. Basado en el caso real "Murder Inc.", el guión es escrito por Martin Rackin ("Tambores lejanos", 1951). Se rueda en estudio con un presupuesto de serie B. Producido por Milton Sperling, es uno de los 4 films rodados por la productora Santana Pictures, de Humphrey Bogart. Se proyecta en público por primera vez el 25-I-1951 (NYC).

La película construye un relato de cine negro que ofrece a Walsh la oportunidad de exhibir sus habilidades en el género, acreditadas por medio de realizaciones tan notables como "Los violentos años veinte" (1939), "La pasión ciega" (1940), "El último refugio" (1941) y "Al rojo vivo" (1949). Walsh impone al relato un ritmo intenso, que fundamenta en una narración ágil y rápida, y en el desarrollo de una acción trepidante, portadora del sello propio del realizador. Además envuelve la acción en una atmósfera de fuerte tensión, mediante el uso de recursos tales como la carrera contra reloj y la amenaza de un enemigo sanguinario, cruel, poderoso y sin conciencia. Imprime a la obra un tono convincente de tragedia (existencia de peligros graves, inmediatos y terribles para la comunidad), que otorgan trascendencia y grandeza al film. El relato adopta el punto de vista de la policía, dejando de lado el de los criminales, como corresponde a una pieza de cine negro de los años 50. Se incluyen escenas e imágenes destacadas, como la secuencia de vértigo, el rastreo del pantano, la llegada del testigo protegido (Rico) a la sede de la policía, etc. Otros 2 films llevan el mismo título original: "The Enforcer" (1976), de James Fargo y Robert Daley, protagonizado por Clint Eastwood, y "Jet Li's The Enforcer" (1995). La cinta de Fargo y Daley en español lleva por título "Harry el ejecutor".

La música, de David Buttolph ("Misión de audaces", 1953), aporta una emotiva banda sonora de jazz que conmueve y tensa el ánimo del espectador. La fotografía, de Robert Burks ("Vértigo", 1958), en B/N, sitúa la acción en ambientes oscuros, opresivos y en ocasiones claustrofóbicos. En escenas de exterior proyecta sombras expresionistas. La narración hace uso del "flashback" y del "flashback" dentro del "flashback". La caracterización y la interpretación de Humphrey Bogart son espléndidas. Bogart trabajó a las órdenes de Walsh en otras tres ocasiones.

Film clásico de cine negro americano, poco conocido, dirigido e interpretado con singular maestría.

Sexto largometraje del realizador Jean-Luc Godard, en el que interviene como director y guionista. Se basa en la novela negra "Fool's Gold" (1958), de Dolores Hitchens. Se rueda en Joinville-le-pont (Val-de-Marne) y Paris, con un presupuesto de 120 mil dólares. Se estrena el 5-VIII-1964 (Francia).

La acción tiene lugar en Joinville-le-pont, en 1964, a lo largo de tres/cuatro días. Dos jóvenes descocupados, aficionados al cine, Arthur (Claude Brasseur) y Franz (Sami Frey), asisten a clases de inglés en una academia privada, donde conocen a Odile (Anna Karina). Los tres deciden planer el robo de una importante suma de dinero.

La película, de la etapa de juventud de Godard (33 años), está concebida como un homenaje al cine negro americano de serie B. Es un tributo de admiración de un cineasta cinéfilo hasta la médula, que se expresa con sinceridad, a impulsos de su pasión. El homenaje combina seriedad, ironía y afanes iconoclastas del cine de género. La obra combina elementos diversos con propósitos de desconstrucción y, también, de experimentación. Presta especial atención a la interacción de los personajes, sobre todo a la influencia de los chicos sobre Karina y la de ésta sobre ellos. Los dos chicos aspiran a ser gángsters, como los que ven en el cine en sus ratos de ocio y que son sus héroes de ficción. Conciben la vida como un juego y actúan como si lo fuera en realidad. La experiencia de cine de Arthur y Franz y sus deseos de aventuras se incorporan a un relato que se explica a través de una película que mira y admira el fenómeno cinematográfico. El film expone y demuestra que lo real, lo ridículo y lo arbitario de la vida sólo se puede ver tal como es a través del cine.

La cinta contiene varias escenas memorables. La carrera en el Louvre para superar el récord de visitarlo en menos tiempo que el americano Jim Johnson forma parte de las escenas antológicas de la historia del séptimo arte. Cuando deciden guardar un minuto de silencio en el bar, la banda sonora se adhire a la iniciativa e interrumpe el sonido. El baile del madison es evocado por Tarantino en "Pulp Fiction", por Hal Hartley en "Single Man" y por otros.

La música, de Michel Legrand, aporta composiciones breves de aires jazzísticos (viento y percusión), de ritmo pausado y de gran intensidad. La fotografía se sirve de largos planos secuencia, encuadres fijos, giros, barridos, primeros planos naturales, contrapicados y otros recursos, con asistencia de una cámara. La interpretación de Karina, entonces casada con el realizador, es convincente. Los dos actores que le dan réplica intervienen con corrección.