La Dolce Vita es de las pocas películas que tiene un puesto asegurado en mi disco duro. Porque soy capaz de disfrutarla una y otra vez (pongamos una vez al año) sin cansarme y sin dejar de asombrarme. Esta película es como un río caudaloso, cambiante, y misterioso. Un rio profundo a veces, pero siempre inagotable y lleno de episodios dramáticos, cómicos, surrealistas, banales... Estoy pensando también en el elemento acuático presente en toda la película: desde la estatua de Neptuno ante la que se detiene el coche conducido por Mastroiani por la noche, o la melancólica y poética escena final en una playa.

No sé. Siento una fascinación extraña por todo ese mundo romano de finales de los cincuenta en blanco y negro. Con sus decadentes ruinas, sus maravillosas texturas, sus coches, sus edificios, sus terrazas, su incipiente cosmopolitismo. Y los paparazzis siempre revoloteando alrededor de la ultima estrella de Hollywood recalada en los estudios de Cinecittá (icónica Anita Ekberg). Y en medio de todo ese torbellino tenemos al inolvidable y soberbio Marcello Mastroiani, trasunto del propio Fellini, moviéndose con simpática indolencia a través de una pléyade de situaciones y personajes de todo pelaje y condición. Situaciones de las emana, antes que nada, una suerte de hedonista regocijo –no exento de melancolía, incluso hastío en ocasiones– ante el hecho de tomarse la vida como un inmenso y laberíntico juego. Un juego interminable y circular (solo la muerte puede ponerle fin), lleno de sorpresas, decepciones, tragedias, pasiones, alegrías... Como la propia vida.

Y para acabar me gustaría dejar constancia de un dato absolutamente absurdo e inutil, pero que no deja de ser curioso. Fellini filmó la famosa secuencia de la Fontana de Trevi los días 1, 2, y 3 de abril de 1959, y resulta que ese mismo 1 de abril fue también el día que Franco inauguró el faraónico monumento del Valle de los caídos.

Iba por el primer tercio del episodio piloto, bastante disperso y falto de interés, pero cuando he visto a Miguel Angel Silvestre (hablando inglés con su acento español) chulear ante el espejo me he dicho: ¡Basta ya, no aguanto más! La verdad es que Matrix me deslumbró, pero todo lo demás que han hecho los Wachowski me parece bastante insoportable; en especial El Atlas de las nubes (que tampoco acabé), un autentico bodrio cuya confusa dispersión y ñoño espitritualismo New Age la emparenta en gran medida con esta serie. No se, a lo mejor debería tener más paciencia y darle otra oportunidad, pero me temo que los Wachowski de los últimos tiempos y yo no vibramos en el mismo plano.

Cada vez me gustan más las grandes películas italianas de los cincuenta y sesenta. "Dos mujeres" también me ha parecido magnífica. Que gran director era De Sica, y qué decir de Sofía Loren: además de exhuberante y bellisima: ¡qué gran actriz!
También me ha llamado la atención la emotiva y sugerente escena final, reminiscente de la iconografía de la Virgen cristiana en el nacimiento de Cristo. A este respecto, es curioso considerar que la Loren es Virgo de signo astrologico (simbolo de la mujer pura e inalcanzable, a pesar de su belleza, voluptuosidad, e incluso experiencia). Pienso que a través de la imagen de esta escena final se nos propone la idea subconsciente de que a pesar de las amargas visicitudes que sufren las protagonistas, pervive sin embargo en ellas una simbólica y arquetípica virginidad, en el sentido más amplio y profundo del término (bondad, pureza, capacidad de regeneración).

Esta película quizá no tenga un gran guión, y también es cierto que su famosa persecución se ha visto docenas de veces desde entonces, y aun con más espectacularidad si cabe. Sin embargo esta pelicula tiene algo indefinible que otras pelis no tienen: carisma. Y me refiero no solo al carisma del protagonista (nunca estuvo mejor Steve Mcqeen), sino también al carisma de de las localizaciónes reales de San francisco (esa habitación de hotel cutre con la autopista al otro lado). Y sobre todo la maravillosa música de Lalo Schiffrin: oyendola te dan ganas de ponerte un jersey negro de cuello alto, coger tu Mustang y ponerte a recorrer las calles.

En esta excelente película Rohmer nos obsequia una vez más con otro sutil análisis sobre las relaciones humanas. Y una vez más lo hace sin necesidad de recurrir a fuegos de artificio o truculentos giros dramáticos al estilo de Hollywood. Porque tales ardides no le hacen falta a Rohmer. A él le bastan tres o cuatro personajes (a veces intelectuales, y en todo caso gente muy "civilizada") interaccionando entre si en medio de unas pocas localizaciones. Con estos humildes elementos –y su implícita filosofía de “menos es más”- es (o era) capaz de parir una buena película detrás de otra. ¡Pero qué difícil de lograr esa maravillosa naturalidad y falta de énfasis, tanto en las interpretaciones como en los giros argumentales! En este sentido el cine de Rohmer se situaría en las antípodas, no solo del melodrama, sino también del cine truculento y videoclipero que domina las actuales multisalas.
Pues en Rohmer la sencillez y la sobriedad son normas de estilo. Observemos, por ejemplo, que Rohmer no emplea casi nunca un “travelling”. Tampoco un primer plano; sus personajes son casi siempre observados desde la objetividad y el respeto que proporcionan los planos medios y estáticos. Lo mismo sucede con el acompañamiento musical: prácticamente ausente, deja todo el protagonismo a los diálogos y sonidos de ambiente.
El único “pero” es la fotografía. Me consta que el operador de esta película, Nestor Almendros, fue uno de los mejores, además de un pionero en el empleo de un “look” visual naturalista. Sin embargo por alguna extraña razón la calidad fotográfica no solo de esta cinta, sino de las demás películas de Rohmer que han salido al mercado en formato DVD es bastante deficiente. En ellas la imagen aparece poco contrastada (también las que son en color) y con poca nitidez, como si hubieran sido rodadas en 16 mm e “hinchadas” después a 35 mm. Aunque por lo que tuve ocasión de leer en una entrevista con Nestor Almendros (incluida en el libro “Maestros de la luz”), al parecer sus películas de esta época fueron filmadas en el formato de 35 mm. Incluso “La Coleccionista”, primera colaboración de Rohmer con Almendros, fue filmada en ese formato, a pesar de que en los principios de su carrera –según confiesa él mismo- Almendros tenía una preferencia por el formato supuestamente “más libre” del 16 mm.
En fin, a pesar esta objeción, la película me ha encantado. Tritignant hace una gran interpretación, al igual que las dos estupendas actrices. Tenemos pues a unos actores en estado de gracia, al servicio de una aguda reflexión sobre los desencuentros y paradojas del amor (con entretenidas disertaciones filosóficas incluidas). Indudablemente una las mejores películas de Rohmer.