He aquí una película muy simple, austera y sencilla. De hecho la hemos escuchado varias veces: chica huye de los nazis, se refugia en un pueblo y trata de adaptarse a su nueva realidad. Sin embargo en los matices es donde reside lo bonito de esta película nominada a los Oscar.

Zelary consigue construir dos personajes entrañables y encuadrarlos en medio de un páramo en el que se van conociendo, aceptando y queriendo en su resignación mientras nos adornan la historia central de amor basado en el cariño con los distintos personajes del pueblo y su camaradería de los unos con los otros.

En su austeridad formal encuentra su acierto junto con su austeridad narrativa. La cinta ignora grandes momentos dramáticos o escenas de fuera del universo de ese pueblo (hubiese sencillo jugar más la carta de los nazis) y trata de ejercer paralelismos de las vidas del pueblo con la maldad del pueblo Nazi o la extrema derecha.

En cierta manera me ha recordado a varias cintas españolas de la posguerra. Y en ese pensamiento conseguí encontrar la universalidad de una historia de humildad, pobrezas, tazas oxidadas pero sobre todo de cariño y amistad en tiempos de guerra.

Una cinta bonita, bien narrada, con muy bonitos paisajes y que pese a que tiene un metraje muy abultado para su historia consigue que disfrutes tu tiempo con la cinta. aunque las dos horas y media de película le terminan pesando más de la cuenta

Promising Young Woman pone sobre la mesa uno de los discursos más subversivos, provocativos, originales, reales y actuales de la sociedad hoy en día. Y para ello utiliza todos los elementos del cine y los mezcla, agita y entrega de manera novedosa en una mezcla de géneros única que nunca cede en entretenimiento, que nunca cae ni en discursos ni en lecciones y que hace parecer sencillo entregar una de las películas más actuales, frescas y únicas de los últimos años.

Y es especialmente osado y atrevido que la cinta venga de una debutante y que lo haga con semejante declaración de intenciones, que no tenga miedo a morder a bocados el mensaje sin miedo a mancharse. Muchas cosas podían haber salido mal en esta cinta, pero Fennell mantiene el equilibrio constante entre mensaje y entretenimiento, entre interpretaciones naturalistas y paródicas, entre el humor, el drama, el thriller de venganza e incluso la comedia romántica; con una puesta en escena cuidada y calibrada y un personaje que llegas a conocer y empatizar, agitando todo este cóctel y sirviéndolo con una banda Sonora rompedora y actual capaz de mezclar Juice Newton junto con Paris Hilton o reversiones en instrumental del toxic de Britney Spears u otros éxitos pop. Promising Young Woman es una experiencia fílmica única que nadie se había atrevido a presentar de esta manera.

La artesana capaz de fabricar todo esto es Emeral Fennell, actriz que debuta en la dirección y que planifica cada plano, mirada, decoración y partitura musical para entregar su mensaje: Caperucita y el lobo ya no tienen los roles tan definidos y el “sistema patriarcal” está tan integrado dentro de nuestras mentes que una mujer vulnerable es agredida por su propia culpa, por haberse puesto en esa situación. No porque un hombre carezca de principios morales, sino porque ellas deberían ser conscientes de su propio peligro, como si el agresor fuese una víctima de sus impulsos provocados por la víctima.

El mensaje dentro de la cinta es oscuro, es peligroso y sobre todo remueve la conciencia de mucha gente que seguro que no quiere que se la remuevan. Pone sobre la mesa una provocación absoluta que hace mirar dentro y pensar ¿Alguna vez he actuado o he hecho sentir a alguien de esa manera? Imagino que mucha gente no quiere hacerse a sí mismo esa pregunta.

Y aquí es donde la película se vuelve increíblemente interesante, cada momento es una metáfora y una reflectora del sistema sin perder nunca la montaña rusa de emociones: la cinta es divertida en su crítica sin volverse frívola del trauma, el drama ni olvidarse de la realidad. Esto es divertido y entretenido pero a la vez hay mucho detrás a lo que no debes dar la espalda.

Todo esto se logra gracias a una Carey Mulligan insultantemente perfecta, capaz de cambiar registros, géneros y emociones en el mismo plano, sin necesidad de aspavientos sino completamente sumergida en el personaje. En sus ojos puedes ver que en cada momento recuerda lo que perdió ante la sociedad. Mulligan en su mirada captura por completo el estado de duelo, tensión, guardia, ironía e infinita tristeza.

Absolutamente magistral.

Es un personaje duro, difícil y que podía caer en la parodia pero la forma en que conjuga todos los ingredientes de la cinta y es capaz de interpretar la película como una comedia negra sin perder nunca el anclaje del dolor del personaje es impresionante. Es como si no tomándose en serio a sí misma fuese una coraza ante ella misma. Y transmitir todas esas capas con todo lo que sucede alrededor es para quitarse el sombrero.

ohamedou Ould Salahi se pasó 14 años en la prisión de Guantánamo tras el despertar de los ataques a las torres gemelas del 11 de septiembre. Escribió un libro titulado “Guantanamo Diary” relatando las torturas que recibió en la base y cómo nunca fue acusado de ningún crimen. Kevin Macdonald trae a la pantalla grande su historia con un elenco espectacular liderado por un soberbio Tahar Rahim, y unos sobrios Jodie Foster y Benedict Cumberbatch en cada de sus lineas argumentales que la cinta toca, pero pese a lo tremendo de la historia carece de un enfoque de autenticidad y garra.

Lo que queda al final de “The Mauritanian” es una cinta tremendamente formulaica hasta la extenuación. No cuenta absolutamente nada nuevo (Winterbottom ya lo hizo en la magistral “Road to Guantanamo”) y lo que cuenta tampoco lo hace de manera novedosa, es más la cinta se ve ahogada por la falta de nervio, de drama y de intensidad.

Para contarnos su historia, los guionistas han decidido fragmentar el relato en tres ópticas: la de la abogada defensora y su asociada investigando su defensa, la del fiscal del gobierno que además tiene relación una de las víctimas del ataque terrorista y la del propio Mohamedou.

El problema es que las tres historias no son igual de interesantes y al tener tanto campo de enfoque hace que el efecto dramático se diluya (algunas escenas son las abogadas navegando por papeles “redactados”) y no consigue levantar el tono.

Porque en realidad hay un pequeño tufo a telefilm sobre una historia tremenda. No consigue que te olvides que estás viendo una película y contada de la manera más estándar posible.
Lo que Macdonald ha hecho es convertir un caso real en un nuevo panfleto de Hollywood carente de todo tipo de inspiración a la hora de narrar, porque cuando llegan esos grandes momentos de shock que son las torturas sufridas han decidido presentarlas de manera casi abstracta, con cambios de ratio, ojos de pez y desenfoques cómo si la tortura por 70 días no fuese lo suficientemente llamativa.

Todos esos efectos en lugar del valor del shock que deberían tener casi parecen ensoñaciones y no tienen la garra que deberían tener.

Lo más inspirado es realmente un Tahar Rahim que parece querer elevar la cinta por encima de la media, sobre todo en las escenas donde mantiene una conexión humana con un recluso francés que permanece fuera de cámara. Pero esas escenas son casi la excepción ya que The Mauritanian está a la vez demasiado llena y poco cocinada y termina convirtiendo una historia tremenda en una sola nota que parece mucho más anclada en Hollywood (esa escena del juicio pro-américa) que en las arenas de Guantánamo. Y es una pena porque la historia y los actores merecían un mejor manejo.

La decepción de pre-mediana edad cuando llegas a los 35 y te das cuenta de que muchas de tus metas no se han cumplido y debes aceptar no solo que probablemente nunca se cumplan sino que tu vida no se ha terminado convirtiendo en lo que esperabas, mientras al mismo tiempo vas viendo cómo tus coetáneos van “sentando cabeza”. Dentro de esta historia “típica” hay algo radical en la forma en la que Saint Frances toca estos temas.

Aquí Bridget (una brillante Kelly O’Sullivan que también ejerce de guionista) es una camarera que sobrevive sin preocupaciones y cuya vida no parece dirigida hacia ningún lugar hasta que tiene un embarazo no deseado y termina de rebote aceptando el trabajo de niñera de Frances, una niña de una pareja lesbiana católica acomodada que acaba de tener otro bebé.

A partir de ahí la película trata temas muy serios y de los que el cine Mainstream no habla como el aborto, la menstruación, la crisis post parto, la falta de tacto… La película está llena de detalles y consigue que todo esté tratado con tal normalidad que no te das cuenta de las reflexiones que estás teniendo y llega donde el cine nunca se suele atrever a llegar.

Lo que más me ha gustado (aparte de la genial química entre Bridget y Frances) es el tono conseguido, entre la comicidad y las conversaciones casuales con la que se tratan estos temas que tienen un trasfondo muy serio pero la cinta consigue nunca ceder al efectismo o dramatismo, todo se mantiene en un equilibrio ejemplar gracias a lo bien escrita que está con diálogos naturalistas, y la sutilidad con la que se tratan temas como la religión, la raza, la homosexualidad, los celos, las relaciones millenial… mientras Bridget empieza a construir errores y rectificaciones sobre los que pondrá los cimientos de su nueva etapa de madurez asumida.

Hay una escena en el confesionario donde Frances ejerce de Dios, confesar realmente emocionante y cargada de verdad, repito sin caer en ningún efectismo barato.

En resumen, Saint Frances es un retrato auténtico, realista y tridimensional de la vida actual al llegar a esa marca. Una película que, como “Podría destruirte” ha realizado en TV, está construida sobre un guión tan sólido que no parece una lección sino una reflexión cargada de matices. Es honesta, divertida, sincera, natural y en gran parte radical en cómo toca los temas.

La película narra el regreso de una estrella del deporte de un pueblo de EEUU tras 12 años en la cárcel, allí vuelve a casa de su abuela Vivienne que vive junto a un trailer habitado por una adicta a la heroína y su hijo, un niño que recibe bullying por ser diferente.

Cada vez que ésta se marcha, el niño queda al cuidado de Vivienne, interpretada por una fantástica June Squibb que estaba terrífica en Nebraska y me ha hecho recordar lo mucho que me gustó aquella película. Cuando la madre del niño desaparece de nuevo, el niño vuelve a formar parte de la unidad familiar.

Ahí es donde el niño y Palmer forman este vínculo que les llevará a su historia de adaptación, o más bien de aceptación a ser inadaptados en un mundo en el que a ambos les miran por encima del hombro a uno por ser ex convicto y a otro porque le gustan las princesas y las hadas.

El guión de la película es de Cheryl Guerriero que creo que ha conseguido un guión increíblemente sólido. Me parece que hay que seguir de cerca este nombre porque nos va a dar muchas alegrías en el futuro.

Existen muchas películas de redención con niño, y en ésta te crees por completo el vínculo y cómo va creciendo, creo que consigue capturar muy bien ese sentimiento de responder ante el bullying simplemente siguiendo siendo quién eres. Es muy bonito ver cómo el personaje de Timberlake va de la desconfianza, a la aceptación, la sobreprotección y el orgullo de este niño. La he encontrado muy emotiva.

Juno Temple redondea la cinta y está brillante en sus escasas escenas como la madre adicta, es un papel que casi hace dormida pero esta actriz siempre da un 100% en todo y ojalá estuviera en más cintas.

Y luego el guión está lleno de detallitos y críticas a la perfección de otros, de hecho la escena de todas las miradas y murmullos a Palmer se realizan en la Iglesia, el lugar en el que se practica el perdón en teoría… También detalles sobre el odio de los padres transferido a los hijos, hay gestos cómo cuando la profesora visita la casa y el personaje de Timberlake está con una cerveza y la cambia a agua a la siguiente toma. Son pequeñas cosas que el guión va sembrando para el disfrute general.

Pero el corazón de la cinta es el creer en quién eres con tanta fuerza cómo para que no te importa lo de alrededor y tratar de hacer el bien y el camino correcto.

Timberlake es quizás el que menos mastica a un personaje que a lo mejor en un actor con más registros habría avasallado la pantalla, pero se mantiene bien y correcto. Uno solo piensa en ese personaje con un actor como Jake Gyllenhaal y hubiésemos hablado de otras palabras. Aún así, Timberlake no ejerce un mal papel en absoluto.

En resumen, me ha emocionado, entretenido y gustado, y el niño me parece todo amor, solo quieres achucharlo y protegerlo del mundo.