Dulces sátiras, farsa estética y humor negro; como 'La Vida es Bella', pero desde el punto de vista de los alemanes. El director Taika Waititi interpretando a Hitler es una revelación. Sam Rockwell, por enésima vez, en el papel del malo que en realidad es bueno (¿había algo de tensión sexual entre él y su suboficial?). Los agentes de la Gestapo como si fueran los Hombres Grises de Momo, sí, tiene un aire de Wes Anderson. La película descansa sobre los hombros de Roman Griffin Davis y, acertadamente, Waititi convocó a Thomasin McKenzie, una joven actriz que he visto con frecuencia, hay que recomendar ampliamente su película 'Leave No Trace', dirigida por Debra Granik.

Debo decir que la película me decepcionó un poco, injustamente. La gente decía que era la mejor película del año para ellos, incluso mejor que Parasite (sigo pensando que ese puesto lo tiene The Lighthouse). No es mejor, pero fue un buen año, pues varias películas podrían ser las mejores. Todos deberían echarle un vistazo si gustan de otros trabajos de Waititi.

Fue divertida a su manera. En un momento te estás riendo a carcajadas, y al siguiente estás a punto de sacarte los ojos. Es casi imposible abordar el tema del Holocausto sin dar golpes en el estómago. Disfruté el motivo visual de los zapatos y las diferentes cosas que connotan: ponerse en los zapatos de otro, seguir sus pasos, caminar, bailar, atar los cordones de otra persona -ayudar, y cómo todo esto es relevante para la historia y los personajes.

"Debemos bailar para mostrarle a Dios que estamos agradecidos de estar vivos".

En su interpretación más generosa, la película aplica una lente crítica a la creación artística, y a los peligros de descontextualizar el arte. Durante una sesión orgánica de creación de arte impulsada por drogas (no está claro qué actividad tiene prioridad), un personaje no identificado grita el título de la película a un grupo de artistas y activistas: “¡Esto no es Berlín!” Este colectivo de artistas no parece muy interesante o creativo. “Pensé que se trataba de decir algo”, dice Rita con cansancio. El personaje desconocido implora al grupo que deje de idolatrar otras escenas y diga algo sobre México. No lo hacen, y tampoco la película, sufriendo el mismo diagnóstico que le da su título. Los personajes solo anhelan bailar y drogarse con Joy Division.

La incisiva comedia de modales, se convierte en una especie de telenovela. El momento más provocativo de la película ocurre cuando la banda de Rita toca en una batalla de bandas en Ecatepec. Un niño punk comenta que Carlos y sus amigos son juzgados por diferentes estándares a los rockeros de clase baja; “ustedes son los bonitos”, le dice. Pero la película engaña antes de volver al melodrama. En el tercer acto, llega a su conclusión al azar, empujando una resolución tras otra durante una noche salvaje y de consecuencias casi trágicas.

Lo que resulta más fuerte es el desdén de Sama por el arte real producido por la escena representada. El título de la película proviene de la impaciencia de un dealer de arte ante la gran incapacidad de los artistas, para hacer algo que no se derive de las tendencias europeas. Pero la superficialidad también se realiza plenamente en la pantalla. Cada pieza de actuación puesta en escena es apocada en su autoconciencia. Marina de Tavira, nominada al Oscar por “Roma”, está lamentablemente subutilizada. Las escenas pasan rápido, creando un collage disperso de imágenes provocativas sin contexto o significado, tratando de conjurar resonancia emocional por pura fuerza de voluntad.

Los mejores momentos de la película llegan pronto, antes de que los dispositivos de trama cansinos comiencen a sonar. Tomemos, por ejemplo, una escena sin palabras en la que los dos personajes principales, amigos de la escuela secundaria, intentan soplar anillos de humo de cigarrillo para impresionarse mutuamente. Es una instancia honesta y reconocible de camaradería al borde de la ingenuidad y la rebelión y aterriza con un toque mucho más ligero al de las escenas con las que estamos a punto de ser golpeados. Sama traza con audacia el viaje de Carlos con detalles vibrantes, acentuando su compromiso cada vez más performativo con su identidad, gradualmente se lanza al centro de una subcultura excesivamente indulgente pero catártica.

Se establece el entorno de la película como un lugar sexualmente igualitario. Es aquí donde las cosas comienzan a ponerse temblorosas. A medida que avanza, la película comienza a sospechar de su jerarquía de rareza, y finalmente invierte la historia. El mundo en el que Carlos ha sido bienvenido es evidentemente aterrador, él debe abordar una sexualidad que no es la suya para pertenecer a algo. La película se convierte en un retrato de hombres depredadores. Su estética nunca se pone al día con ideologías emancipadoras, se coloca al lado de sus adolescentes desenfrenados, pero no lo suficiente como para darles su propio lenguaje.

Dado que el cineasta realmente está contando sus propias experiencias de la época, incluso se concede el papel de un tío buena onda llamado Esteban, es perdonable que casi caiga presa de las trampas de una historia aleccionadora de ascenso. Pero se recupera, cuando inevitablemente separa los cabos sueltos de una amistad masculina puesta a prueba. Bajo su fachada, su melodrama de mala calidad es bastante original. El final me recuerda mucho al de ‘Güeros’ de Alonso Ruizpalacios.

La historia comienza en un puesto militar lodoso y desolado en los Andes que pertenece a un grupo rebelde antigubernamental llamado La Organización. Una unidad de ellos llamada Los Monos, son un grupo de adolescentes. Los Monos son malos soldados, y permanecen abandonados a su suerte y con sus propios dispositivos, en esta fortaleza en la cima de una montaña, una isla flotando en las nubes.

Los Monos suelen disparar sus rifles automáticos con poca consideración, y la pobre Shakira paga el precio accidentalmente. La sigue el líder del escuadrón, quien se suicida anticipando ser torturado hasta la muerte por no proteger a la vaca. Posteriormente, el grupo cae en el caos.

Se mantiene dentro de un drama emocional, ya que el grupo está dividido por enredos sexuales y egoísmos. Las relaciones se fracturan, pero no tanto como las secuelas de eso. La presión que el Mensajero ejerce, pone en marcha una cadena de eventos asesinos, hasta convertir a los adolescentes en el corazón oscuro de la historia, descendiendo a la pura barbarie.

La configuración, como ha señalado cada crítico, es paralela a ‘El Señor de las Moscas’, ya que omite cualquier noción de ideología o identidad nacional para mirar los instintos tribales en su forma más básica. Aunque la comparación más cercana de esta película es con ‘Aguirre, La Ira de Dios’ de Werner Herzog .

Landes sugiere otros detalles, que incluyen raza, clase y género. Pero es difícil analizar gran parte de esto, ya que la historia está enterrada en un exceso de estilo, uno impresionante sin duda, pero que hace a la película incoherente. Su enfoque inmersivo (que también incluye elementos de Apocalypse Now , Predator y Enter The Void) transmite una pesadilla inusualmente sombría, pero no está claro qué pueden hacer los espectadores con eso cuando termina.

Una vez que la adrenalina desaparece, la falta de contexto mantiene al espectador a distancia. Los destellos de un mundo plenamente realizado en las periferias de esta historia ayudan a mantener la intriga, pero en la reflexión, esto no parece ser más que un escaparate: una ilusión de una historia más amplia sobre un conflicto del que no hay interés por contar. La película es indudablemente emocionante y lo suficientemente inventiva, y cuanto más lo pienso, más difícil me resulta pasar por alto su entusiasmo por evitar cualquier cosa que agregue más profundidad a una historia que prospera en la superficie.

Todo esto se complementa con el diseño sonoro de Mica Levi (Under The Skin, Jackie), conocida en la escena pop y experimental como Micachu, una de las compositoras más creativas del cine actual. Imbuye este thriller de supervivencia con una extrañeza de nivel subcutáneo. Esto se suma a la calidad del sueño febril de la película, y si bien ese descriptor particular puede ser usado en exceso cuando se refiere a una historia con narraciones resbaladizas e imágenes etéreas, realmente es apropiado en este caso. Ganadora del premio a Mejor Música Original del BAFICI por su trabajo en Monos.

En resumen, Monos es más que una simple curiosidad, es una experiencia estética extraña y satisfactoria por derecho propio. El Apocalypse Now de la generación actual, obsesionada con los celulares y con la igualdad de género. Los niños soldados, colocados en escenarios donde se ven obligados a defender sus vidas, no están al tanto de las maquinaciones políticas que sustentan la causa por la que aparentemente luchan. No hay una explicación clara para el tipo de conflicto que uno podría inclinarse a leer en esta historia como alegoría o representación. Monos equivale a mucho más que una moralización directa sobre la juventud y la inocencia perdida.