Estrenada en el pasado festival internacional de cine de Berlín, ‘Celle que vous croyez’ (‘No soy quien crees’) (2019) es la más reciente película del director francés Safy Nebbou basada en el libro homónimo de Camille Laurens, que narra la historia de Claire (Juliette Binoche) una mujer que ronda la crisis existencial de los cincuenta años tras el divorcio de una relación de 20 años que le trajo dos hijos, pero también cosecho su final. Una crisis basada en el abandono, la vejez y la soledad. Entre la catedra de literatura francesa que expone, se revela el fundamento de su desesperación y regocijo en versos y referencias a Lobo Antunes, Baudelaire y Marguerite Duras; mientras ella se propone que una relación será lo que saciara sus tersos pensamientos. Una relación la lleva a la otra, tras sexo casual y el abandono de su joven amante, en el intento por contactarlo a través de las redes sociales con un perfil falso, conoce a Alex, un fotógrafo perspicaz con quien comienza un affair cibernético que culminará en diversas tramas que exploran la depresión y el suicidio, los celos, el acoso y las relaciones actuales.

Son las diversas tramas las que rescatan este drama de su banalidad. Por un lado, existe el cuestionamiento acerca de la información que se expone en perfiles de redes sociales la cual es fácilmente accesible y, a la vez, manipulable. En este momento innumerables datos inundan la consciencia primitiva mientras asentimos sin determinación los hechos presentados.

Sostiene la comparación entre los diferentes tipos de relaciones interpersonales: una familia modelo nacida de la tradicional manera comparada con la fugacidad del contacto que se crea a partir de un ‘me gusta’ y poder llegar al clímax mientras se recite un verso de Rainer Maria Rilke.

La autoexploración se expone como medio para solventar un trastorno depresivo (o incluso el rebuscado trastorno de personalidad múltiple) y la relación que se crea con el psicoterapeuta donde uno se exhibe mientras se liberan diferentes mecanismos de defensa para saltar la barrera de la deontología profesional.

Juliette Binoche se ha consagrado como una de las actrices más versátiles y elegantes, conocida por ‘Rendez-vous’ (1985), ‘El paciente inglés’ (1996) y la más reciente ‘High life’ (2019) hasta el punto de presidir el jurado en el antes mencionado festival de Berlín; su protagonismo y elocuencia mantiene cada situación del largometraje a flote mediante encuadres a través del agua (en una bañera, en la regadera, bajo la lluvia), espejos y metros de distancia de su amante donde comienza la autoexploración y la acompañamos en la zozobra de la crisis que subyace un verso de abandono fielmente expresado hacia el final. Mediante diversos recursos literarios que se acercan al thriller, el suspenso y el drama, la conclusión se percibe penosamente forzada y abstracta. El ‘trágico final’ remite a la enérgica ‘Nocturnal animals’ (2016) en el hecho de utilizar una metáfora literaria para arraigar y reflexionar sobre las relaciones propuestas, lamentablemente sin la misma perspicacia.

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Uno explora las particularidades de su empleo desde la perspectiva hacia el gozo, la satisfacción y la realización, según las guías que sostiene la filosofía marxista hacia la esencia del hombre. Podría ser objeto de debate la labor de la medicina ya que, siendo estrictos, se regocijaría ante la enfermedad en ojos de un juicio velado y despersonalizado que, en otras instancias, se alboroza hacia la salud mientras se cuela por el misterio de la enfermedad. Lo mismo se podría suscitar ante el personal del poder judicial (sin delitos no habría este cuerpo) o bomberos (sin incendios). Es la filosofía que justifica la labor de los Ochoa en la medianoche a bordo de una ambulancia privada. Tal vez la alienación ha permitido la otra mirada, la mirada enjuiciadora.

En medio de la surreal Ciudad de México, el servicio de ambulancias públicas se ve rebasado por las urgencias médicas. Ante este hecho, los servicios particulares intentan compensar esta necesidad con un fin monetario. Pero del punto A al punto B de esta relación se cierne un turbio negocio que se suma a lo surreal de la ciudad. Es lo que plantea el documental de Luke Lorentzen ‘Familia de medianoche’ (2019) merecedor del premio especial del jurado a documental por fotografía en el pasado festival de Sundance; la familia Ochoa (encabezada por el hijo mayor Juan, el padre de familia Fernando y el hijo menor Josué) busca sobrevivir en una ciudad caótica. Sobrevivir como la misma vida que buscan salvar. Y es esta mirada imparcial la que afortunadamente no permite crear un juicio de valor hacia los protagonistas; solo se presentan los hechos. Incluso, la cámara evita el morbo de las escenas más sangrientas y enfoca en algunos planos medios y sobre el hombro los diálogos que establecen los paramédicos con las víctimas. Casos de todo tipo son solo retratadas como el medio para reincidir sobre el punto crucial: el abuso y la corrupción, en donde los técnicos en urgencias médicas se alejan de los blancos y negros al sucumbir ante la podredumbre, pero también ante el entrañable abrazo hacia una víctima o el salvar una pequeña vida, todo sumergido en la imperiosa necesidad de cobrar los honorarios correspondientes a base de clemencias y un circo maquiavélicamente planeado.

Si uno comienza a desmenuzar el documental a partir de las condiciones de trabajo en las que se ven forzados a trabajar los Ochoa se pueden percibir carencias de todo tipo. Sin embargo, el toque del cineasta busca, por otro lado, retratar la idiosincrasia mexicana en la ciudad que se desdobla en la lúgubre verdad que circula a toda velocidad en las calles de Tamaulipas, Insurgentes, Durango, etc. Resulta fácil identificarse con el padre enfermo, noble y regordete que apoya de manera incondicional a la familia que contrasta con la personalidad autoritaria pero llena de inocencia y empatía de Juan, el hijo mayor que incluso vela por la educación de su ingenuo y carismático hermano menor y que busca un respiro de la muerte en una llamada telefónica.

Es preciso reconocer el mérito del largometraje que va más allá de la serie dramática ‘paramédicos’ (2012) y se acerca a ser el mejor documental ‘nacional’ estrenado en lo que va del año rememorando viajes y vigilias por la ciudad como se hace en ‘Taxi driver’ (1976) y ‘Bringing out the dead’ (1999) de Martin Scorsese o ‘Nightcrawler’ (2014) e inclusive el documental mexicano ‘el hombre que vio demasiado’ (2015). La urgencia es real. Tanto la médica como la necesidad de regulación y legislación en una ciudad con amplias penurias en una labor fielmente retratada que no se aleja mucho de lo que personalmente he visto. La alienación esta vez no alcanza a contrarrestar la satisfacción intrínseca que se produce. Lo siento Marx.

Sífilis. Dejando de lado su mítico paso hacia el Viejo Mundo desde América, su ancestral cura con mercurio o aclamados personajes contagiados (aparentemente Friedrich Nietzsche, Paul Gauguin o Vincent van Gogh); alrededor de los años 30 del siglo XX, 431 hombres afroamericanos fueron inoculados o seguidos de cerca, sin darles tratamiento alguno y sin haberlo consentido, padeciendo sífilis hasta sus últimas consecuencias, para tener un mejor conocimiento de la enfermedad y observar la eficacia de la penicilina por casi treinta años. Este fue llamado el “Experimento de Tuskegee” en Estados Unidos, un caso más de abuso científico, médico y racial en contra de las normas bioéticas regentes hoy en día. Justo en ese tiempo imperaba un ambiente de hostilidad y segregación racial norteamericano que predominaba en ‘los estados del sur’. Uno de estos es Alabama, que justo contiene A Tuskegee y, aproximadamente a 200 km de ahí, se encuentra Birgminham, lugar donde finalizaba la gira musical de Don Shirley, representada en ‘Green Book’ (2018).

Green book hace referencia a una guía de viaje utilizada por afroamericanos sobre donde pueden, y deben, alojarse para evitar conflictos raciales. En esta ocasión, el director Peter Farrelly (conocido por comedias como la hilarante dumb and dumber de 1994, there’s something about Mary de 1998 o Shallow Hal de 2001), cambia un poco de dirección hacia un largometraje donde (se supone) pesará mas el drama en un ambiente de humor blanco. Tony ‘Lip’ Vallelonga es un italoamericano (muy italoamericano Viggo Mortensen) con trabajos venideros que persisten más por su carisma y/o rudeza que por su empeño. En uno de estos, es empleado como chofer para Don Shirley (Mahershala Ali), un virtuoso y estoico pianista de origen afroamericano, en una gira por el sur de los Estados Unidos, entidades donde impera un ambiente hostil contra sus congéneres. En este road trip, basado en hechos reales, la amistad, la franqueza y la crueldad serán los factores que determinarán la tortuosa relación de estos dos protagonistas.

A mi parecer (y es bastante obvio) este no se trata de filme con tintes políticos ni de denuncia (mejor ver Blackkklansman), aunque así trate de demostrarlo. Es mas un intento de exaltar la amistad inherente del ser humano y adoptar un sutil cambio permanente encaminado a la tolerancia (sin menospreciar al largometraje por sus menciones raciales) que incluso puede mostrar condescendencia o indulgencia hasta lo trillado (véase la escena con un plano contrapicado hacia la soledad que encierra el balcón de Don Shirley, la redención y catarsis en una escena bajo la lluvia -cliché- o la entrada triunfal final y esperada mientras se estrena ‘Lawrence de Arabia’). Afortunadamente, Mahershala Ali está ahí para sostener por la punta la pirámide invertida narrativa; el meticuloso uso de la combinación de colores primarios (amarillo, verde y azul) logran mimetizar con cada secuencia de manera concreta. El guion creado por el hijo de Vallelonga contiene el humor y la comedia evidente y atinada de Farrelly que, sin embargo, contrasta un poco con diálogos que intentan ser profundos, pero resultan intrascendentes; nada que al final un poco de Chopin y soul no traten de corregir con emotividad y beneplácito político.

¿Quién se podría imaginar a un introvertido enamorado de un sistema operativo convertido ahora en el mismo solitario personaje en búsqueda de justicia por su propia, brutal y nihilista mano? Es lo que verán con Joaquin Phoenix en You were never really here, película de 2017 ganadora a mejor guion y mejor actor en el pasado festival de Cannes. Tras ciertas capturas impresionantes (desde la necesidad de la sofocación como a lo inmundo de los caramelos) refleja la misma opresión que guarda el estrés post traumático de una vida en la milicia y acorralado por una desafortunada infancia ahora transformado en un agente dedicado a librar niñas de la explotación sexual, combinado con un sórdido ejemplo de la familia (explorando el complejo de Edipo que puede llegar a recaer en una sola escena bajo el agua) en medio de la violencia (como la que sería tal vez la escena más representativa de la película explorada a través de cámaras de seguridad al unísono de "Angel Baby"), que resguarda el desasosiego y lo atenúa limitando el hervor esencial del filme.

Compuesta de vibraciones y sonidos, con diálogos que solo complementan la experiencia sonora creada por Jonnny Greenwood (un elogio nuevamente hacia este compositor, y si lo dudan corran a escuchar por lo menos "Nausea" en su plataforma de streaming de confianza), para lograr conectar con el otro límite de su repertorio, esta vez en forma de música experimental.

Si bien, existen varias referencias al "neo noir" y podría acercarse a la genialidad de los largos, valga la redundancia, largometrajes de Martin Scorsese, se aleja en la medida de la risible e hilarante violencia (de manera atinada) y ,en menor grado, en la crítica hacia la sociedad norteamericana sobajada, entre otras diferencias hacia la gran comparación de la que se hace referencia, nos dota de un ejemplo de vivacidad extenuante que, sin querer, busca la redención a la par de la alegoría con la libertad en forma de una pequeña niña rubia que pareciera que debe pasar desapercibida y no brillando como lo hizo en su momento Jodie Foster o Natalie Portman. Logrando culminar con lo que muchos deseamos a resumidas cuentas: un bello día. Esta vez, un bello día para Lynne Ramsay.

‘Love’ es una serie creada por Judd Apatow, Lesley Arfin y Paul Rust. En los escasos capítulos que he visto la historia gira alrededor del encuentro entre Mickey (Gillian Jacobs) y Gus (Paul Rust) tras la ruptura amorosa de cada uno para así mostrar los vaivenes de las relaciones modernas con la siempre efectiva comedia bajo la tutela de Judd Apatow. En uno de los capítulos, un drogado-crudo-decepcionado Gus arremete contra las expectativas que se crean a partir de películas como ‘Pretty Woman’ (1990) o ‘Goodfellas’ (1990) mientras en un capítulo anterior sostiene la creencia de la necesidad de crear productos emblemáticos como ‘Basic Instinct’ (1992).