El domingo 14 de marzo de 1954, se presentó en el Teatro Grande de Nueva York “Salt of the Earth", dirigida por Herbert J. Biberman, sobre un argumento de Michael Wilson, con sólo cinco actores profesionales: Rosaura Revueltas y cuatro de los incluidos en las listas negras del MacCartismo (como el propio Biberman que ya había pasado un año en la cárcel). Todos los demás actores eran los mineros, mujeres e hijos de los que hablaba la película. Fue un gran acontecimiento tanto por razones cinematográficas como humanas (ligadas a la auténtica tragedia ocurrida en la mina, y la urgente necesidad de parar la voracidad usurera de las compañías). “La sal de la tierra” abordó, con la más austera estética neorrealista, la larga huelga sostenida por estos mineros de Nuevo México.

Inicialmente, previniendo las dificultades que suscitaría filmar la película en unos Estados Unidos envueltos por el terror MacCartiano, se la ofrecieron a la Dirección de Cinematografía de México, pero la Oficina de Censura la rechazó. Biberman volvería a México para buscar una actriz cuyo físico respondiera a los requerimientos del papel de Esperanza, la protagonista del film, encontrando a Rosaura Revueltas con la que empezó a rodar en Silver City. El protagónista masculino (Ramón, esposo de Esperanza) recayó en Juan Chacón, presidente de la sección 890 de la Unión de Trabajadores Mineros, coproductora de la película.

En la cinematografía mundial son escasos los ejemplos que salgan bien parados de intentar sacar proyectos realizados con el enfrentamiento de los gobiernos y la propia industria. Parecería imposible realizar una película en semejantes condiciones, pues requiere del trabajo y compromiso de mucha gente y de complejos equipos, permisos y plazos a protejer y cumplir. De ahí que deba apreciarse como verdaderamente heroico el esfuerzo de quienes lograron realizar “La sal de la tierra”. Con una prensa local enfrentada desde el principio, alimentando la furia anticomunista contra ellos, las represalias no tardaron en aparecer llegando a su punto culminante cuando Rosaura Revueltas fue detenida antes de terminar el rodaje y expulsada de EEUU. Por suerte ni Biberman ni Rosaura se dieron por vencidos y en colaboración con el cineasta norteamericano Bill Miller, entonces en México, el teatrista Asa Satz, y el poeta Manuel Altolaguirre se las ingeniaron para rodar las tomas que faltaban.

El resultado está ahí. Un prodigio de naturalidad en la puesta en escena, un ejercicio de coherencia ideológica y uno de los pocos triunfos del arte comprometido enfrentado a la gran industria.

Claude Gaspard, joven tímido y educado, preso en la prisión parisina de La Santé, es trasladado a otra celda ocupada por cuatro presos que ya llevan mucho tiempo juntos. La presencia del recién llegado crea suspicacias, ya que tienen planeado empezar a trabajar en su fuga y no saben si pueden fiarse del nuevo… Este es el inicio de un título clásico del cine negro, considerado el mejor drama carcelario que ha dado el cine, al que Jean-Pierre Melville, otro de los maestros del género ("El círculo rojo" 1970, "El silencio de un hombre" 1967, "El confidente" 1962…) citaba como “la más bella película jamás realizada en Francia”.

"La evasión" (1960) fue la obra póstuma de Jacques Becker ("Los Amantes de Montparnasse" 1958, "No toquéis la pasta" 1954, "París bajos fondos" 1952…), una película convertida en referencia del género desde su estreno que, por desgracia, no ha gozado del éxito de otros títulos no por más comerciales menos interesantes (como "La gran evasión" de John Sturges 1962, "Fuga de Alcatraz" de Don Siegel 1978, o "Cadena perpetua" de Frank Darabont 1994).

Lo que sobresale en "La evasión" es su capacidad de atrapar la realidad reflejando al detalle la acción de cada escena (algo que ya habían experimentado otros directores como Jules Dassin en 1955 con "Rififí" y Mario Monicelli en 1958 con su cómica contrapartida italiana "Rufufú"). Becker llevó hasta sus últimas consecuencias esta propuesta*, logrando introducirnos en la trama y convertirnos en compañeros de este claustrofóbico viaje hacia al interior del ser humano y sus ansias de libertad.

En "La evasión" cada acción se toma el tiempo que los protagonistas necesitan para ejecutarla (extraordinaria la escena en que realizan el agujero –título original del film-), pero siempre tiene algo que contar, está en continuo movimiento (a pesar de su aparente lentitud) consiguiendo el justo equilibrio entre lo físico (lo real) y la ficción, entre el sentimiento de amistad que une a nuestros protagonistas, la veracidad con la que desarrollan las tareas y la credibilidad del argumento.

* Becker estuvo influido, sin duda, por Robert Bresson, que 4 años antes había realizado la excelente "Un condenado a muerte se ha escapado" (otro de los clásicos del cine carcelario), con un estilo también austero y realista, donde desarrollaba sus inquietudes individualistas y trascendentales. "La evasión" se diferenció en este sentido por sugerir valores más cercanos al sentimiento de comunidad, de organización colectiva y apoyo mutuo, para conseguir los resultados.

Historia nada tópica, que sorprendió por el posicionamiento de su discurso, “Bajo el Fuego” es sin duda la mejor película de Roger Spottiswoode, antiguo montador de algunos de los clásicos de Sam Peckinpah “Perros de paja”, “La huida” y “Pat Garrett & Billy the Kid”, que un año antes había guionizado la resultona “Límite 48 h.”, pero que tras este notable título se perdería en films comerciales que aportarían poco a su filmografía.

Otro director devorado por la industria. Que pena.

Premiada tercera película de Jafar Panahi, uno de los directores más interesantes de la actualidad ("El globo blanco" 1995, "El espejo" 1997, "Sangre y oro" 2003, "Offside" 2005…), "EL CÍRCULO" (2000) puede ser considerada como una de las películas más temerarias de la historia del cine. Nadie hasta ese momento se había atrevido como Panahi a denunciar políticamente, de manera tan profunda, un tema tan amplio y espinoso en su país (Irán) como es la situación de la mujer, mostrando sin concesiones (asumiendo un importante riesgo personal) y con una estilizada sensibilidad (unida a ese toque de intriga que caracteriza todo su cine), la ingrata suerte de las mujeres persas, en un recorrido que va desde la infancia hasta el penoso drama que les tocará vivir como adultas, donde la fundamentalista y esquizofrénica sociedad de los ajatolás las valorará sólo por su condición de productoras/reproductoras, temiéndolas en todas las demás facetas como incitadoras del mal y el pecado.

A partir de un tejido de historias que se entrecruzan Panahi va revelando las condiciones infrahumanas y de degradación que sufrIRÁN estas mujeres, unas veces por azar (tener como primer “hijo” una “hija”) y otras por coraje (no someterse a las condiciones impuestas). Mujeres que deben encontrar la manera de sortear las burocracias (p.e. necesitan un permiso para poder viajar solas), las injusticias (les está prohibido fumar públicamente) y las desigualdades imperantes en un sistema que las trata como si fueran enemigas.

Pero con "El Círculo" Panahi transmite un mensaje que va más allá de un problema localizado. De sus diálogos y personajes se filtran verdades que cuestionan todos los ámbitos elitistas de la sociedad, no sólo la iraní. Porque la discriminación o la marginación de quien es distinto, el autoritarismo de imponer ideas sin atender necesidades y consecuencias, la distinción entre 'mi grupo' (dueños de la gracia y la verdad) y 'los otros' (diferentes, amenazantes y/o peligrosos), forma parte de una historia común tan repetida como globalizada. Lamentablemente lo podemos extrapolar a cualquier lugar del planeta.

Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti fueron dos anarquistas, inmigrantes italianos en Estados Unidos, ejecutados en Massachussetts en 1927 acusados de un robo que no cometieron. Su muerte causó un escándalo internacional que provocó fuertes protestas en todo el mundo (y el apoyo a su causa de innumerables intelectuales de la época como Bertrand Russell y H. G. Welles) debido a los escasos e insuficientes argumentos reunidos en su contra. Fue un juicio orquestado desde el poder, uno más, destinado a desprestigiar y dañar la imagen del movimiento obrero, que terminaría convirtiéndoles en icono de la lucha por la dignidad y símbolo de las luchas contra las estrategias manipuladoras del estado. Tuvieron que pasar 50 años antes de que se reconociera la falsedad de las pruebas aportadas y el injusto trato a que fueron sometidos.

La magnífica película de Giuliano Montalvo muestra de forma cercana el relato de las incidencias que tuvo el juicio, las trabas puestas por la defensa, las interferencias ejercidas en el proceso, los distintos sentimientos que embargaron a los dos protagonistas (emotiva la intervención de Bart ante el fiscal y el jurado), los prejuicios sociales contra la inmigración, la estrategia corruptora del poder... llegando a conmovedor e inquietar por lo que de sofisticación actual puedan tener estos procedimientos.

El tiempo ha dado a “Sacco y Vanzetti ” el valor de la vigencia de su denuncia. Mención aparte merece la música de Ennio Morricone, en especial el imperecedero tema "Here's for you" interpretado por Joan Baez.