Podríamos hablar de Eduardo Casanova como un director de cortos porque ya tiene una trayectoria, algunos ya lo sabréis, pero otros no, así que aclaro que estoy hablando del actor que encarna a Fidel, en la serie Aída, y este es su cuarto corto ofreciendo una dirección más cuidada y curtida.
Todo ello en una ambientación rosa pastel que contrasta con la historia que quiere contar, resultando irónicamente extraño con un punto muy interesante.

Para los que se crean que este es un corto de humor por los papeles a los que nos tiene acostumbrados el actor, les diré que están lejos de la realidad, y aunque tiene sus momentos de humor negro y no le da la espalda nunca a su peculiar forma de ver las cosas, el género principal es el terror por el conflicto moral que genera y que sin duda dará mucho que hablar. Nombrar también el inicio gore que agradecemos los amantes de los efectos especiales y maquillaje, y por supuesto a las explícitas escenas de sexo que sin ser consumadas no son censuradas, raramente visto en un corto.

Dicho esto, creo que estamos ante un corto que por el tema moral y el sexo explicito no dejará indiferente a nadie, especialmente a los que no estén acostumbrados a las rocambolescas historias bastante más arriesgadas de lo que suelen ofrecer los largos.

La interpretación corre a cargo solamente de dos actores Macarena Gómez y Gonzalo Kindelán que mediante altibajos de actitud y estado anímico nos van conduciendo desde el inicio del corto al final de este. Como anécdota comentar que para las escenas más explicitas utilizaron actores porno de doblaje.

La banda sonora resulta muy estridente ya que es el llanto de un bebe que se va clavando en la cabeza del espectador.

Está bien realizado y es polémico, ¿qué más se necesita para recomendarlo?

http://www.terrorweekend.com/2015/05/la-hora-del-bano-review.html

Shadow in the Cloud reúne ella solita todo lo bueno y lo no tan bueno en sus escasos 83 minutos de duración. Los motivos de tan contundente introducción los podríamos situar en básicamente dos. Primero, y en el lado más positivo de la balanza, la vistosidad de unas imágenes que harán que nos quedemos con la boca abierta. Segundo, y en el otro lado, lo absurdo de unas situaciones que restan méritos a una apuesta arriesgada, de esas que tanto nos gustan. A caballo entre el cine de acción, el thriller y el terror, nos explica una historia ambientada en plena Segunda Guerra Mundial, concretamente en Nueva Zelanda.

La piloto Garrett se introduce en el último momento en un B-17 con la excusa de llevar consigo unos importantes documentos secretos, provocando cierto rechazo en la tripulación. Pronto se dará cuenta que hay otros pasajeros.

A simple vista parece algo bastante atractivo, ya que su introducción puede llevarnos a la idea de un conflicto entre una tripulación totalmente masculina, con frases que pronunciadas hoy en día acabarían en los tribunales, enfrentada a una mujer que pone todo de su parte para defender sus intereses. Lo que podría haber sido un interesante duelo de géneros, se diluye en un enfrentamiento totalmente verbal, lo que hace que perdamos cierto interés, aparte de dificultar su seguimiento.

Roseanne Liang acepta el reto de dirigir un film cuyo reto principal es situar a una mujer en el centro de la historia, en una época y en una situación bélica, en la cual la presencia femenina era básicamente secundaria. En este aspecto le sale todo bastante redondo, a pesar de intentar hacernos colar alguna que otra escena muy difícil de creer. Si la cosa se hubiera movido por aquí, nada que objetar, pero su intento de introducir el terror a base de unas criaturas bastante feas y repugnantes, aunque más inofensivas que Mickey Mouse, carece de toda lógica. Como todo buen thriller utiliza una vuelta de tuerca que nos deja muy fríos. Es como sacar un kilo de bacalao cuando ya está todo el pescado vendido.

Uno de sus puntos fuertes es la parte técnica, destacando en ese sentido la fotografía a cargo de Kit Fraser, el cual se tiene que mover en espacios tan reducidos como puede ser un avión de carga, para pasar al final de la cinta, a unos exteriores de ensueño, totalmente idóneos para disfrutar de unas felices vacaciones.

La parte interpretativa enseguida la tenemos resuelta. Chloë Grace Moretz (Carrie, Suspiria) encabeza el reparto, cargando sobre sus espaldas todo el peso de film. Su trabajo es correcto aunque cuesta hacerse a la idea de lo que quiere dar a entender. Es como si se quedara a medio camino. En papeles muy secundarios tenemos a Nick Robinson (Jurassic World), Beulah Koale y Taylor John Smith.

Estamos ante una película que a pesar de hacernos pasar un buen rato, no consigue convencernos del todo. Eso sí, si eres de los que disfrutas con el cine de aventuras y bélico, puede que encuentres algún aliciente que nosotros no hemos sabido hallar.

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Y es que ya venían avisando, la pareja de directores formada por Severin Fiala y Veronika Franz ya entraron por la puerta grande en el mundo del terror con su anterior largometraje Goodnight Mommy, el cual ganó premios por festivales de todo el mundo. Ahora llega su nuevo trabajo como co-directores, The Lodge, esta vez la producción ha dado un salto cualitativo en todos los aspectos, aunque hay que reconocer que para nada, su anterior trabajo se veía como una obra menor.

Lo que más destacaba de este film es su aterradora y opresiva atmósfera, pues bien, hemos visto en los últimos años otros trabajos donde igualmente su mayor baza es esta misma, como con The Witch o más recientemente los dos largometrajes del director Ari Aster, Hereditary y Midsommar. Estos dos austríacos son unos verdaderos genios a la hora de crear atmósferas opresivas, posiblemente hacía años que no lo pasaba tan mal en el cine, estamos ante una cinta que verdaderamente tras su visionado te deja tocado emocionalmente.

Con la reciente pérdida de su madre, una pareja de hermanos se ve obligada a pasar unas vacaciones en un refugio en mitad de la nieve con su futura madrastra. Justo cuando las relaciones comienzan a descongelarse entre el trío, ocurren algunos eventos extraños y aterradores.

A nivel de dirección creo que no podría poner ninguna pega sobre esta película, pues cumple con su objetivo en todo momento. Confiad en mí cuando digo que no dejará a nadie indiferente tras su visionado. El único punto negativo que me he topado con The Lodge reside en su guion. A grandes rasgos funciona como un tiro, pero personalmente hacia el clímax final de la cinta me encuentro con un salto de fe que creo que a más de un espectador un poco exigente le podría llegar a sacar de la historia, cosa que destruye su inmenso final por completo. Pero ¿quién soy yo para no aceptar lo que Severin Fiala, Veronika Franz, junto con Sergio Casci nos propone? Creo que es una licencia la que se toma en ese momento, el cual no desvelaré ya que es EL SPOLIER de esta cinta, pero creo que vale totalmente la pena dar el mencionado salto de fe.

Otro de los puntos claves para que esta producción funcione a la perfección es su música. Se te mete hasta el punto más recóndito de tu ser y te va comiendo por dentro. El trabajo de Danny Bensi y Saunder Jurriaans es simplemente perfecto, y encaja escena a escena como un guante. Y sumado a la fotografía de Thimios Bakatatakis, director de fotografía habitual del director griego Yorgos Lanthimos, el cual es capaz de crear un verdadero infierno ya sea en espacios reducidos como en la inmensidad de la nieve.

Para terminar no puedo dejar de comentar las interpretaciones, pues empezando por una testimonial Alicia Silverstone, o un discreto Richard Armitage, sí que tenemos a un trío que es el alma mater de esta cinta, pues el trabajo de los jovencísimos Jaeden Martell y Lia McHugh es toda una grata sorpresa, junto a una inmensa Riley Keough, la cual está por encima de todos sus compañeros de reparto. Ellos tres cargan con todo el peso de esta terrorífica producción.

Posiblemente estamos ante la película tapada de este 2019. Sobre todo por estrenos como el esperado Midsommar o el nuevo trabajo de Robert Eggers, El Faro. Pero si tenéis la oportunidad de ver The Lodge, no la dejéis escapar, pues si no supera a estas mencionadas, está a su mismo nivel.

https://www.terrorweekend.com/2019/09/the-lodge-review.html

En los últimos tiempos tenemos películas de terror a capazos, las hay más efectivas con sustos a bocinazos y grandes flashes luminosos, las hay más profundas con la llamada ola del terror elevado, los ya famosos remakes, creo que no queda ninguna saga ya por re-explotar, y por último, están las obras que lo intentan, esos trabajos que tratan de encontrar su camino, directo a su objetivo, transmitir terror sin tomar el pelo al espectador, que de esto ya hace tiempo que sabe algo, y en este último apartado es donde vive Barbarian, un trabajo efectivo directo a provocar terror primario sin rodeos ni absurdas situaciones forzadas para preparar un susto, pura ambientación y mucho más que no diré por evitar el spoiler, pero que me atrevo a decir que no decepcionará a nadie.

Tess es una joven que se desplaza hasta Detroit por una entrevista de trabajo, para ello reserva una estancia en Airbnb. Al llegar de madrugada a la casa descubre que ésta ya ha sido reservada por un chico llamado Keith, sin posibilidad alguna de encontrar otro alojamiento decide pasar allí la noche sin imaginar que está entrando en la boca del lobo.

Estamos ante la primera película dirigida y escrita en solitario por Zach Cregger, actor, director, productor y guionista, que se embarca en solitario en su obra más personal, partiendo de la lectura del libro The Gift of Fear de Gavin de Becker. Un trabajo presentado a principios de septiembre en Estados Unidos y que tras el primer fin de semana recuperaba el monto total invertido. Sin ser una súper producción, algo más de 10 millones de dólares, la película de terror ha arrasado en taquilla y no es casualidad, pues el boca a oreja entre los aficionados del terror ha sido su mejor baza.

Una obra muy trabajada siendo buena muestra de ello el cuidado con el que transita el director y guionista durante todo el metraje para no cometer aquellos errores tontos de guion que tanto fastidian a los espectadores, utilizando incluso aquellas situaciones que pudieran ser absurdas a modo de broma demostrando gran inteligencia y pasión por el terror en un guiño al espectador que no convierte el film en una ópera bufa, sino en una película en la que te puedes implicar. Es todavía mucho más compleja que todo esto con elaborados saltos en la trama y en el tiempo para ir desengranando la historia. Planos arriesgados o poco frecuentes, contra picados y en tercera persona casi a modo de videojuego en un claro ejercicio en que Zach Cregger ha puesto toda la carne en el asador para respaldar el puntal principal de esta película, sin duda, la ambientación inicial, una premisa sencilla pero tan real como acongojante, que se hace posible con la atmósfera ideal para ir cociendo a fuego lento desde el segundo uno de visionado a base de sospecha e incomodidad sin necesidad de ni tan solo un susto, una situación fuerte o sangre. Hacía mucho tiempo que planos vacíos de gente habían supuesto tanto mal rollo.

No es el qué, sino el cómo, Zach Cregger no inventa la Coca-Cola, porqué realmente el “atractivo” por llamarlo de alguna manera sin entrar en spoilers, de tres cuartos de película en adelante no es ninguna invención, francamente está todo muy trillado en el mundo del cine, siendo el desenlace más sencillo y simple que el resto de la película, pero la manera en como ha llegado hasta ahí tanto en las formas, como en la ambientación, como en el desarrollo de los personajes y el tono, es el que hace realmente buena a esta obra.

La importancia de la profundidad de los personajes así como la calidad interpretativa de estos, especialmente de sus protagonistas Georgina Campbell encargada de soportar con éxito la mayor parte del trabajo, la inestimable, vital y delicada participación de Bill Skarsgård y la sorprendente incorporación a la historia de Justin Long interpretando a AJ en el personaje con más interioridades del film. Vale decir, que si alguno de estos tres personajes o la ejecución de los mismos, no hubieran sido creíbles, la película se hubiera desmontado a su paso. Añadir que llegando a la parte final, temí por un momento que el personaje de AJ pretendiera parafrasearnos con un sermón de la actualidad, pero por suerte y acierto, solo era una treta más del director para seguir dibujando un personaje que no dejaría de sorprendernos en ningún momento, casi como si no tuviera techo.

Como reflexión final diré que verdaderamente es una lástima cuando descubrimos películas buenas en festivales, a menudo, óperas primas de gente desconocida, que quedan totalmente tapadas por otras obras. En cierta manera, las plataformas han dado la opción al público generalista a descubrir algunos de estos trabajos, lo cual es maravilloso, pero por otra parte, nos encontramos con situaciones como esta en que una película que merece ser disfrutada en cines va directa a plataforma en nuestro país, donde solo dios sabe, en qué actitud, con qué distracciones o con qué medios, el espectador va a poder destrozar esta película.

Por todo ello es una obra que puede mirarle a la cara de tu a tu a cualquiera otra película de terror consagrada, hacía mucho tiempo que no sentía pavor en la sala, permitiéndome decir que es la película de terror que hacia tiempo que quería ver.

https://www.terrorweekend.com/2022/10/barbarian-review.html

Hay cineastas que igual les da rodar un film de acción, una comedia o un musical. Su maestría puede con todo y, aunque llegan a ser algo impersonales, la calidad del producto final está garantizada. Valga como ejemplo el director japonés Takashi Miike. Hay otros, sin embargo, que dejan su sello personal y hasta con los ojos cerrados podrías identificar al autor. En este otro extremo tendríamos a Michael Haneke. Marc Martínez Jordán pertenecería a este segundo bloque y lo pongo en condicional por la corta carrera del director catalán desarrollada hasta hoy. Las maneras apuntan en esa dirección. Tras ver Framed eso se confirma con creces.

La forma de rodar es muy sutil puesto que tras unas imágenes llenas de sangre, casquería y amputaciones, se esconde una sucesión de situaciones altamente amenas y divertidas junto a algún que otro mensaje más o menos acertado. Ver en pantalla ese descenso a los infiernos con esa violencia llegaría a cansarnos ya en el minuto dos. Pero el guion, obra de Jaume Cuspinera y el mismo Marc Martínez Jordán, sabe trabajar al público. Lo lleva en volandas (como se suele decir). Parece que, cuando está perdido entre tanto gore, la mano de la ironía aparece a través de unos inteligentes diálogos, y los rescata para así coger fuerzas hasta la siguiente situación digamos que movidita, que haberlas haylas.

Otra cosa es la historia. Se sustenta básicamente en lo terrible que pueden ser las nuevas tecnologías, dicho esto con algo de sorna, que conste. A ver quién es el guapo que después de publicar cualquier cosa, noticia, estado de ánimo, cambio de pareja o lo que sea, no está ya mirando cuantos likes tiene o si alguien ha colgado algún comentario preferiblemente positivo. Esto, que podría parecer banal a simple vista, llevado hasta el extremo nos puede llevar a un relato cruel, violento e inverosímil (o no), de la sociedad actual, más pendiente de las formas que del fondo.

Framed es una página web donde los usuarios pueden transmitir en directo desde sus teléfonos móviles durante 24 horas. La guerra por la audiencia ha comenzado. No hay normas, límites o censura.

En una obra de estas características, el trabajo actoral queda un poco diluido entre tanto protagonista. En Framed pasa todo lo contrario. Cada personaje, dibujado con dos pinceladas, tiene una participación importante, aunque a algunos les penalice excesivamente un doblaje algo burdo. Y no hablo solo de los que aparecen más tiempo en pantalla, los que lo hacen poco se recrean al llegarles la oportunidad. Destacaré a Àlex Maruny, uno de los más prometedores actores del panorama actual español, y que aquí tiene un trabajo estelar y algo sangriento. Seguimos con un comedido Joe Manjón, un alucinante y divertido Daniel Horvath, un sorprendente Enric Auquer y un correcto Biel Montero. En la parte femenina, todas magnificas, Clàudia Pons, Júlia Molins, Mercè Montalà, y Ann Perelló. Mención aparte merece José García Ruíz, en un papel algo ambivalente y salvaje pero representado de manera magistral ya que da en el clavo en un personaje al que le es igual ocho que ochenta.

He dejado para el final la excelente fotografía de Yuse Riera y un departamento de maquillaje para quitarse el sombrero, capitaneado por David Chapanoff y Laura Lorenzo.

Una gran película de la cual disfrutaréis tanto si os gusta el gore como si no. Los primeros van servidos, los segundos solo tienen que escarbar un poco para encontrar la capa de la calidad.

http://www.terrorweekend.com/2017/11/framed-review.html