El primer acercamiento a la película está condicionado por el subtítulo “No son zombis, tampoco humanos”. ¿Qué son, entonces? Se puede uno llegar a preguntar con la esperanza vana de que el filme resuelva tamaña incógnita. Y digo vana porque el relato no acaba de cerrar del todo todas las puertas que va dejando abiertas a su paso. Quizás – y como queda claro en la escena final- estas puertas dejarán entrar el aire necesario para la realización de la segunda parte, algo que, además, ya se intuye desde el comienzo de la película.

A menudo, cuando uno piensa en una epidemia zombi, se puede llegar a plantear diversas situaciones, que casi siempre rondan la estrategia de supervivencia. Se puede afrontar esta temática con humor, con ganas de ensangrentarlo todo, o de buscar culpables a esa catástrofe mundial que domina el mundo –se puede llegar a pensar, incluso, que todas estas ideas fueron inculcadas por el cine y la literatura, a juzgar por lo homogéneo de las posibles visiones-. Sin embargo, las consecuencias sociales a largo plazo de una epidemia zombi no es algo que a uno se le presente en el pensamiento a menudo. Justamente, éste es el tema de la cinta del director Manuel Carballo, que a muchos puede resultar similar a Black Mirror –en la que se hace el ejercicio de cambiar seres sobrenaturales por tecnologías- o a la vampírica True Blood. ¿Cómo convivir con un ser diferente pero con la misma racionalidad que una persona? Algo insólito para un ser humano naturalmente egoísta que, tanto en este caso como en la serie televisiva, se muestra reacio a lo diferente, a salir de su zona de confort. Algo que para nada es ficción, pues a lo largo de la historia se pueden encontrar de manera sencilla varias decenas de ejemplos dentro de la propia raza.

A pesar de encontrar muy positiva esta manera de abordar una temática con tirón –aunque quizás desprovista de originalidad- en el ámbito cinematográfico y, a pesar de que a nivel técnico Carballo realiza un buen ejercicio, es imposible abandonar la sensación superficialidad que la película transmite. La relación romántica de la protagonista con un retornado –que es el motor de la trama- y su intento por conseguir cada vez más medicinas, acaparan demasiado la atención del largometraje, desechando otras posibilidades de abordaje mucho más enriquecedoras como una mayor profundización en lo social. El amor estorba, sobra en esta película en la que con un par de escenas ya se habría entendido el drama que viven los protagonistas.

Además, el excesivo protagonismo de Emily Hampshire -con la que estamos destinados a identificarnos-, resta fuerza a una propuesta que, quizás sin tanto dramatismo sin sentido, hubiera dado un mejor resultado a este enfoque que –de base- ya era diferente.

No puedo calcular las veces que, viendo una película de terror, alguien ha dicho: Dios, ¿pero por qué bajas ahí abajo? La frustración ante la manera de actuar de los protagonistas de las películas vinculadas a este género es palpable en cada visionado. Casi parece que los propios personajes del filme estén avocados al horror, que por su mente no pase otra idea.

No es ese el caso de The Cabbin in the Woods, cuya trama revela dos caras: la historia del típico grupo de amigos que decide pasar el fin de semana en una cabaña en el bosque, y el entramado de una supuesta organización secreta. Los personajes de la cabaña muestran ideas y personalidad propias, que posteriormente son reducidas por esa suerte de Gran Hermano maléfico que les empuja a hacer lo que nadie haría. Drew Goddard da, así, respuesta al inexplicable comportamiento humano que muestran la gran mayoría de las cintas del género. Es un “entre bambalinas” de la psicología de los personajes, una sátira que se nutre de las entrañas de una tradición del terror más que arraigada en el mundo cinematográfico. Es, también, un repaso y un homenaje a una extensa filmografía de lo terrorífico, con constantes guiños y escenarios que nos evocan ciertas películas inolvidables como The Evil dead: Posesión Infernal, cuya recuperación es imposible de evitar nada más adentrarnos en esa cabaña tan peculiar. En el plano de los personajes las referencias son infinitas, y la pizarra de las monstruosidades hace un gran repaso por los grandes iconos de la historia del terror -aunque se les escapase alguno que otro- convirtiendo esa cabaña en una Caja de Pandora que no todo el mundo desearía abrir.

“Pueden ustedes llamarme Ismael. Hace algunos años, no importa cuántos exactamente, con poco o ningún dinero en mi billetera y nada de particular que me interesara en tierra, pensé en darme a la mar y ver la parte líquida del mundo. Es mi manera de disipar la melancolía y regular la circulación”

Para quien no lo sepa, así comienza la novela Moby Dick de Herman Melville cuyo protagonista da nombre al personaje principal de la recién estrenada Ismael (2013). La historia de un pequeño madrileño que viaja a Barcelona al encuentro de su padre biológico y que, como en la novela, también siente predilección por surcar los mares.

Por suerte para Marcelo Piñeyro, este dramático barco consigue mantenerse sobre la superficie acuosa en gran medida gracias a su propio planteamiento del film. Un espectáculo coral que transcurre en un día, y cuyos personajes aportan a la trama el valor necesario para salir a flote. Con un inicio y un desenlace de lo más elegante, y un humor palpable, el director consigue huir de lo que, a priori, se plantea como un melodrama excesivamente arquetípico. Lo mejor de las pinceladas de humor es que no siempre son gratuitas, y en concreto, el corazón atormentado de todos los personajes del filme se manifiesta físicamente en una caldera -a la que le hacen falta más de un par de remiendos- que acompaña todos los momentos en los que un corazón se estremece por una u otra razón.

Sin embargo, es inevitable preguntarse por qué Piñeyro opta por reflotar el barco en lugar de lanzarse avanti a toda máquina, es decir, viendo la voluntad claramente diferenciadora del film, ¿por qué mantener esos giros de guión absolutamente predecibles, o esas situaciones forzadas que recorren el largometraje? Algunas de las propuestas formales –como la primera secuencia- son maravillosas, la fotografía emociona y los retazos de las diversas historias –que alude a la forma narrativa fragmentada del norteamericano Jim Jarmush- crean una puesta en escena muy diferente a lo que la mayoría puede esperar. Una lástima que el director no se haya tirado de lleno a la piscina, quizás por miedo a que (la sala) estuviera vacía.

No es un plano subjetivo que advierta la presencia de un equipo de escuchas profesionales, pero la segunda –y mejor- secuencia de Las Brujas de Zurragamurdi evoca inevitablemente la escena inicial de La Conversación, de Francis Ford Coppola. No porque se utilicen los mismos tipos de plano, o los recursos de audio sean similares. Ni siquiera seguimos a un mimo que luego desaparecerá, sino que serán ellos los protagonistas de la acción. Pero en ambos casos el descontrol de la calle y las diferentes personas, y personalidades, son muy potentes a la hora de crear el caos en la mente del que mira. Aunque el caso de Álex de la Iglesia, el director de esta comedia negra española, el caos es inherente a su filmografía.

Vale la pena olvidar que las últimas mitades de sus películas son el cúmulo de las locuras que el director contuvo durante las primeras, e incluso pasar por alto algunas actuaciones. En la recién estrenada película del director vasco, Bob Esponja y un Cristo plateado roban, junto con e hijo de Cristo, una tienda de “Compro Oro” en la Puerta del Sol, y durante su fuga topan con un misterioso y carnívoro aquelarre. Aquí los superhéroes no tienen crisis, sino que son los superhéroes de la crisis. Es un espejo caricaturizador de la sociedad española, de los problemas actuales que afectan a un gran porcentaje de la población y, por qué no, una descripción detallada, ironizada y hiperbolizada de las relaciones entre hombres y mujeres, entre ladrones y brujas, en los tiempos que corren.

Es una obra fantasiosa y cómicamente real, como ya cabía de esperar, y su balance, resulta positivo en mayor medida gracias a los términos sociales en los que se mueve, a esa gran escena inicial y a ese caos que lo inunda todo.

Tras el estreno de "Juno" (2007), no tardaron en aflorar comentarios negativos sobre la excesiva ligereza con que se trataba el embarazo adolescente en el film protagonizado por Ellen Page. Pero Juno era joven, y su perspectiva despreocupada sorprendió y cautivó a muchos otros. Si de algo podemos alardear los seres humanos es, sin ninguna duda, de nuestra capacidad de sorprender y de ser sorprendidos; De esa habilidad para hacer algo inesperado, de reaccionar de manera extraordinaria o fuera de lo común ante una pequeña mota que, en ojo ajeno, no parecía tan molesta. Fue el caso de "Juno" y, por ejemplo, de "Declaración de Guerra" (2011) una película fresca y ácida, una vuelta de tuerca a una visión generalizada de nuestro comportamiento ante la enfermedad. Heredando el ángulo de visión de estos filmes (desgarradoramente desenfadado), este año llega a las pantallas "The Broken Circle Breakdown", una película belga cuya impotente energía desemboca en un desalentador drama.

La premisa es básica: dos jóvenes se conocen, enamoran y, de manera accidental, tienen una hija. Los sucesos alrededor de la situación de enfermedad de la pequeña nos irán desvelando poco a poco, los sentimientos más íntimos de los integrantes de esta familia amante de la música country. Este filme, bien podría ser un engranaje de escenas soporíferas donde el drama lo abarca todo pero su director, Felix Van Groeningen, decide pasar la pelota al espectador. Decide que los flashbacks de los primeros encuentros de la pareja lo inunden todo; Decide dar una de cal y una de arena. Podría decirse que, sobre una herida ya abierta, el director prefiere arrojar sal a hacer nuevos cortes. Sabe que, con una catástrofe panorámica de fondo, el primer plano de una sonrisa es mucho más desgarrador que el de una lágrima.
La pareja protagonista, aunque condenada a la divergencia, camina por el film de manera paralela, en un striptease sentimental donde las canciones country que interpretan junto a su grupo van tejiendo una tupida red de emociones confrontadas que terminarán por enviarles en direcciones opuestas. Estas composiciones son, además, el ultimo pilar en el que se apoya el director para que su arma de doble filo sea efectiva, consiguiendo un mayor efecto sentimental que un melodrama sin tener que pasar por las mismas causas.

A lo largo del film, poco a poco, y al igual que la unión de los personajes, esta estrategia se va difuminando hasta dar paso a todo lo contrario, y, las duras imágenes a las que al principio se les quitaba hierro, acaban convirtiéndose en granos de arena que los personajes rápidamente consideran montañas.

"The broken circle breakdown" no traza una línea recta, sino todo lo contrario. Se traza una línea que sube y baja con destreza, como si los personajes siguiesen el camino marcado por su propio electrocardiograma en una situación tan amarga como esa. Funciona como una suave cápsula que tragas sin apenas darte cuenta, pero cuyo ácido contenido, por fuerza, explotará en tu interior.

http://www.fantasticplasticmag.com/broken-circle-breakdown-felix-van-groeningen/