Me llama la atención que se anuncie con la frase “del director de Alicia en el País de las Maravillas” cuando en mi opinión Tim Burton no necesita presentación.
Frankenweenie se podría ajustar a muchos adjetivos, preciosa, inteligente, intencionada, acertada, pero me quedaré con la idea de que esta maravilla de pelicula refleja algo más que el estilo de Tim Burton (no como precisamente en Alicia en el País de las Maravillas donde por encima de su calidad argumental lo más destacable era puramente visual). Frankenweenie (1984) fue el segundo cortometraje de Burton, después de Vincent (1982), y ver Frankenweenie (2012) me ha trasladado al pasado, con la salvedad de que el cortometraje del 84 no era en animación como la película que he visto hoy. El joven protagonista de la historia (Victor) me recuerda al Vincent del cortometraje del 82, y me atrevería a decir que en esos personajes, tanto el de Vincent como el de Victor, el propio Burton está plasmando su propia infancia de introversión y exclusión, de sentirse diferente del resto y de crear su propia burbuja donde su imaginación y sus proyectos tienen la prioridad junto con la familia.
Es admirable como película a película Tim Burton consigue crear personajes cada vez más ingeniosos e hiperbólicos sin ser reiterativo. En Frankenweenie tenemos un microcosmos que hace las delicias del espectador. Personajes estrambóticos con rasgos exagerados y aspecto decrepitoso que a pesar de su grotesca apariencia despiertan simpatía, vease Edgar, el niño compañero de colegio de Victor, que yo compararía con el Igor de la obra de Mary Shelley.

Cuando digo que Frankenweenie no es solo mágia visual, quiero decir que plantea también una interesante cuestión como es el del uso de la ciencia. ¿Hasta qué punto está permitido usar la ciencia? ¿Hemos los seres humanos de desafiar a Dios si la ciencia nos da potestad para hacerlo? La respuesta a esa pregunta yo creo que se resume con una inteligentísima conclusión a la que llega el profesor de Victor, y es la de que a las personas les gustan los resultados de la ciencia pero no sus planteamientos.
Concluiré animando a grandes y pequeños a ver esta película cargada de sentido, inteligencia y calidad artística y visual. Los amantes del estilo de Tim Burton también están de enhorabuena ya que ésta obra no se desvía un ápice de esa atmósfera tan particular. El buen rato está garantizado.

Borja Ramírez
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Ver de nuevo la impasibilidad de King Schultz (Christoph Waltz) ante situaciones de vida o muerte, con esa serenidad y elegancia, y sobre todo con esa seguridad de salir victorioso de la disputa, siempre jugando con el factor sorpresa del as en la manga es algo que a mí particularmente me fascina. Si por algo me gusta Tarantino es por esos diálogos que se postergan durante minutos y que hacen pensar, mostrando la naturaleza del alma humana muy a pesar de tratarse de una obra de ficción. Y es una obra de ficción entre otras cosas por su propia falta de crudeza, especialmente despues de haber leido los testimonios del escritor abolicionista estadounidense Frederick Douglass, los cuales dejan a Django Unchained en película para niños. De nuevo, como pasó con Malditos Bastardos Tarantino reescribe la historia, en este caso en lugar de acribillar a balazos al mismísimo Hitler en una sala de cine, permite que un negro monte a caballo y tenga voz y voto sobre los blancos en el profundo sur del Estados Unidos del siglo XIX.
Cabe resaltar la soberbia actuación de Di Caprio, así como la facilidad que tienen las películas de Tarantino para mantener a uno pegado a la pantalla sin parpadear desde el primer minuto, sin olvidarnos de una banda sonora memorable: Brother Dege, John Legend, Johnny Cash, Richie Havens o Jim Croce entre otros, aunque lo que nunca olvidaré será a un Jamie Foxx triunfal a lomos de su caballo y a ritmo de Trinity, de Mario Biondi.
Ante todo este despliegue de arte con mayúsculas sólo me cabe apostillar: Tarantino, sigue reescribiendo la historia porque cada vez que lo haces me enamoro más del cine.

Borja Ramírez

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Desde el primer minuto me atrapó su calidad de imagen y su música, y es que el comienzo de esta película es espectacular visualmente hablando. Establecería visual y argumentalmente hablando una comparación con Avatar, aunque a efectos argumentales Prometheus plantea mucho más dilema al espectador con una gran carga filosófica.
Para los que no lo sepan, el movimiento raeliano promulga la teoría de que fueron los extraterrestres los que “sembraron” la vida en nuestro planeta al principio de los tiempos, de que ellos fueron nuestros creadores, por lo que la creencia en cualquier dios pasa a un segundo plano (aunque planteo yo ¿quién creo a esos extraterrestres?, y ojo, no defiendo ni dejo de defender la existencia de algún dios). Prometheus no refleja una guerra teológica, pero sí encarna ese pensamiento raeliano de una manera cien por cien atractiva bajo mi punto de vista. Dejando de lado la trama ahora y centrándome en partes de la película, no quiero acabar sin destacar escenas como la de la Noomi Rapace en la cabina quirúrgica (espectacular) o esa escena cerca del final en la que no pude evitar sentir desolación al ver también a Noomi Rapace sola, totalmente sola en un planeta a dos años luz del nuestro, sencillamente desconsolador, aterrador.
Prometheus ha hecho que vuelva a ilusionarme con la ciencia ficción ya que, y respetando el gusto de cada cual y siendo consciente de que quizas a muchos no les guste como a mi, ésta es la película que llevaba tanto tiempo esperando como amante de esas buenas sensaciones que se tienen cuando se esta ante una obra que te transmite y con la que eres capaz de sentir una verdadera catarsis identificándote con un tema que te resulta totalmente atractivo, la pega es que deja un final abierto, aunque ya suenan rumores de una segunda parte en 2015, así que veré este final abierto como una bendición.

“Mi madre dice que no hay que recoger a nadie” son las primeras palabras que se mencionan en esta película tras cuatro minutos introductorios de relajante conducción nocturna bajo la lluvia por inmensas carreteras del sur de Estados Unidos. La inocencia y afabilidad del joven Jim Hasley, magistralmente interpretado por un joven Christopher Thomas Howell, se ve de radicalmente contrastada con la presencia de su fatídico autoestopista, un misterioso John Ryder, de identidad más que sospechosa, tambien magistralmente interpretado por Rutger Hauer, el actor neerlandés al que los papeles de tipo malo le van como anillo al dedo, y que en esta película particularmente me recuerda al luchador de wrestling americano Sycho Sid. Esa mirada mirada de ojos azules sin expresión pero absolutamente inexpresiva, ese otorgar callando o el con una sola palabra expresar lo mismo que con cien, esa sensación de dominio sobre su joven e imberbe presa, la cual, sin si quiera imaginárselo, encuentra en un punto kilométrico cualquiera de una carretera cualquiera una verdadera pesadilla.

Desde mi punto de vista sensacional Robert Harmon con esta película que indudablemente recuerda a la famosa El Diablo Sobre Ruedas de Steven Spielberg, un clásico del género de las Road Movies. Interminables carreteras en las que la pesadilla no se mide tanto por el tiempo sino por la cantidad de kilómetros que quedan y por el aislamiento del paraje generalmente desértico. Si a ello le sumamos unas autoridades que para colmo van a por nosotros, el cóctel de la desesperación está servido.

Tengo que decir, que aunque de esta película me han gustado muchas cosas, debo destacar en primer lugar las tomas de cámara en algunas ocasiones, en especial las que se dan dentro de los vehículos o en sitios cerrados. El ritmo es continuo y la narración elegante, hasta el punto de, al menos para mí, hacer que le ponga un asterisco a este título en mi lista. Otra cosa que me gusta mucho de Carretera al Infierno es que son los dos personajes principales los que acaparan todo el protagonismo, así lo requiere la cinta, y si bien el resto de personajes secundarios pasan algo desapercibidos, su caracterización es más que notable.

Carretera al Infierno consta de elementos muy atractivos como para ser una película más que disfrutable, debo decir que al menos a mí el final se me ha descolgado de la calidad del resto del conjunto, pero a excepción de ese pequeño apunte califico la película positivamente y la recomiendo para pasar un buen rato, eso sí, piénsen dos veces antes de parar en la carretera a recoger a un autoestopisa.

Borja Ramírez

Puntuación: 7/10


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Borja Ramírez
22/05/2014

Divergente consta de pretensiones filosóficas pero no se encuentra a la altura de las circunstancias, al menos para el público menos palomitero, y es que aunque refleja de manera intencionada este mundo en el que vivimos separado por departamentos (o facciones) llámense partidos políticos, equipos de fútbol…, bebe de Harry Potter en la estructuración de dichas facciones, de hecho, si me apuran, en el proceso de elección de facción eché de menos el sombrero seleccionador de la famosa saga de magos.

El universo Divergente es un tanto incompleto a la par que confuso para el espectador. Consta de las cinco facciones (Erudición, Osadía, Cordialidad, Abnegación y Verdad), pero deja de lado mil y un detalles sociales, es más, la sociedad se limita únicamente a esas cinco facciones, cosa que desemboca en un contexto plano y que hace desconectar momentáneamente de la trama argumental.

Hablando de la trama, da la sensación de que lo que realmente pesa en Divergente es una relación amorosa (llevada de forma precaria) entre los guapos Theo James y Shailene Wooley, en mitad de una vorágine de lucha por el individualismo que ambos comparten en secreto y que crea una complicidad de cartón piedra en una sociedad en cierto modo orweliana pero andamiada y hueca recogida en unos más que excesivos 139 minutos de duración, además, Kate Winslet sufre en mi opinión una degradación con este papel.

Si tuviera que resaltar aspectos de la película, sin duda el primero sería la calidad visual de que la cinta consta (no espero menos en una película taquillera de ciencia ficción), y por supuesto la banda sonora, que tiene perlas de Ellie Goulding (de la que se abusa un poco) y de M83.

Sin ánimo de extenderme mucho más, catalogaría Divergente como una película para ver fuera de las salas de cine y por un público poco exigente que quiera ver algo “bonito” y con caras guapas. Destaco el noble propósito filosófico de esa lucha del individuo en mitad de la homogeneidad, pero no aporta mucho más. Lo triste es que en el mundo en el que vivimos en el que las instituciones tratan de hacernos a todos iguales, el mensaje de películas como ésta cada vez será comprendido por menos gente, y ese mensaje, junto con la banda sonora y la calidad visual, sitúa a Divergente al borde del aprobado, eso sí, cualquier segunda parte, salvo sorpresa, es rotundamente innecesaria. Quizás nos encontremos ante otra gallina de los huevos de oro vendiendo amor industrial a un público mayoritariamente femenino, comercial y en edad de tener las hormonas a flor de piel.


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