La película se mueve entre el neorrealismo y el realismo mágico, y está estructurada en dos partes con un interludio entre ambas. La primera parte se desarrolla en el entorno rural, en un relato anacrónico en el que el progreso social no ha llegado a La Inviolata. Si bien esta es la parte que más se aleja de nuestra realidad, el estilo de esta es de corte neorrealista; una primera parte que nos podría recordad a la Agnès Varda de Los espigadores y la espigadora. Aquí vemos como trabajan y como viven los habitantes de La Inviolata. De entre todos ellos destaca Lazzaro, una persona que por naturaleza es bondadosa y se mantiene en un segundo plano haciendo los trabajos que nadie quiere hacer; y aunque quiera cambiar el mundo, su naturaleza se lo impide, por lo que nadie reconoce su bondad y la melancolía invade su ser. En este punto me quiero detener en el protagonismo de Lazzaro. Lazzaro no es el protagonista por el tiempo que pasa en pantalla, tampoco lo es por tener una personalidad carismática. Lazzaro es el protagonista por ser el extraño entre los que le rodean, aquí se deduce una visión pesimista de la cineasta, donde la bondad se convierte en lo raro en un mundo de maldad. En esta primera parte también me gustaría destacar un primer plano al estilo de Carl Theodor Dreyer en el que aparece Lazzaro con distintas manos que le están tomando la fiebre, unas manos que con sus imperfecciones refuerzan el estilo neorrealista de esta parte de la película.

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Una vez puesto en contexto el género metámonos en la película. Una película que desde el principio tiene la clara intención de generar el terror en el espectador, como si la salida del aeropuerto fuese la entrada a la más horrenda de las pesadillas. Aquí lo importante serían todos aquellos elementos que crean una atmósfera de tensión, como si el peligro fuese inminente. El primero de esos elementos es el color; unos colores enfatizados, en especial el rojo y el azul, que buscan una influencia psicológica en nosotros. Un rojo que nos advierte y exagera la violencia, y un azul que provoca nuestro temor. También tenemos una violencia desmedida, mostrada de una forma explícita y visceral; una violencia potenciada por la música del grupo de rock progresivo Goblin, que nos recuerda a la banda sonora de "Psicosis" compuesta por Bernard Herrmann. También podemos encontrar unos personajes hiperbólicos, en especial el personaje Miss Tanner, un personaje que podría recordar a la directora del centro de la película "Tres páginas de un diario" del maestro Georg Wilhelm Pabst. Por lo tanto, todo en Suspiria es exageración, alejándose del realismo y buscando epatar, algo que desde luego consigue. Y para que veáis toda esta exageración, toda esta desmedida me detendré en la escena del asesinato de Pat Hingle.

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La película, de ritmo pausado, es realista en su puesta en escena. Sin embrago, hay elementos que ya desde el principio nos están diciendo que algo raro está pasando. Estos elementos anticipan la pesadilla en la que acabará convirtiéndose la película. En una primera parte se muestra el drama romántico en donde Jong-su desea a Hae-mi. Con la entrada de Ben, además de ser un elemento hostil entre el deseo de Jong-su y Hae-mi, plantea una cuestión política, una cuestión de clase. Sin ir más lejos el propio Jong-su lo define como el gran Gatsby, gente misteriosa que es joven y rica, pero en realidad no sabes a lo que se dedican. También podríamos preguntarnos qué peso tiene la psicología del protagonista a lo largo del film. En el aparente realismo con que está rodada la película se esconden elementos que hacen sospechar de la desconexión entre Jong-su y la realidad. Así pues, nos estaríamos moviendo en el terreno del impresionismo con una aparente forma realista. En esta primera parte Lee Chang-Dong plantea una influencia entre las relaciones humanas, la diferencia de clase y la salud emocional.

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En las películas de Mia Hansen-Løve es habitual encontrar cierto carácter biográfico. En esta ocasión el personaje de Nathalie, interpretado por una siempre esplendida Isabelle Huppert, está basado en la propia madre de la directora. Partiendo de este carácter biográfico, la película se aleja de una narrativa convencional; pues no pretende contarnos una historia cronológica, sino mostrar un retrato de su personaje principal. Para ello "El porvenir" se estructura en acontecimientos claves para la evolución personal de Nathalie, una estructura que nos acerca a la idea de cómo funciona la memoria con un empleo habitual de la elipsis como estructurador de la narrativa. Gracias a esta configuración la película consigue un mayor realismo, unos personajes más profundos que no dan la sensación de ser ficticios.

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Cuando te cuentan el argumento de esta película, probablemente pienses que se trata de un drama lacrimógeno. Sin embargo, nada más lejos de la realidad. La primera vez que vi esta película, ya hace tiempo, se me quedo en la memoria más que una película dramática, una comedia dramática. La situación en la que se presentan los personajes es evidentemente dramática, pero son estos últimos los que encarnan la parte cómica de la película. De hecho, se llega a establecer un pulso entre en optimismo y el pesimismo, entre el drama y la comedia, entre los personajes y su realidad.

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