Crítica originalmente escrita por mí en destinoorphanikiv.wordpress.com/2018/10/27/desenterrando-sad-hill/

En 1966, se rodaba en la provincia de Burgos la escena final de la película El bueno, el feo y el malo (Sergio Leone), escena a la que mucha gente coincide en otorgarle el estatus de máximo apogeo del género Spaghetti Western y de la filmografía del mismo Leone, siendo a su vez una de las más influyentes de la historia del cine.

El rodaje terminó y el lugar de la escena, conocido en la película como el Cementerio de Sad Hill, quedó abandonado tal cual estaba en el rodaje. La naturaleza hizo su trabajo, y el lugar fue deteriorándose paulatinamente hasta la actualidad. Hasta que un grupo de fervientes aficionados de la película deciden restaurar el cementerio a su glorioso pasado fílmico.

De esta forma, el documental narra las peripecias de este grupo de arqueólogos del séptimo arte, de cómo el proyecto fue creciendo y de cómo se les fue uniendo gente de todos sitios, no sólo de España, ni siquiera sólo de Europa. Esa es precisamente la idea central del documental: Cómo una película, aunque cada persona tenga su propia historia, es capaz de generar una sensación de altruismo, una retribución hacia la misma película que te ha marcado, la vieses de niño con tu abuelo, hace diez años con tu hijo o hace tan sólo tres días en soledad. A lo largo de todo el largometraje se palpa de forma notable esa solidaridad cinéfila, esa pasión que ha unido a todos los involucrados en el proyecto.

El documental además incluye numerosa documentación gráfica y anécdotas y curiosidades de la cinta de Leone por parte de entendidos en el medio e incluso de gente involucrada en el proyecto hace ya más de 50 años, desde los antiguos soldados españoles de un regimiento cercano en Burgos, los cuales colaboraron en el montaje de decorados y como extras en la película, hasta titanes de la industria como Eastwood y Morricone, pasando por encargados de arte y asistentes de cámara. En ese sentido, hará las delicias de los aficionados al cine de Leone y de los cinéfilos en general.

Estamos ante el primer largometraje de su director, Guillermo de Oliveira, y su desempeño es cuanto menos solvente. El documental tiene una estructura definida y nunca divaga en exceso, además de estar montado de forma sincera: nunca busca la manipulación emocional mediante las imágenes o la música, se vale de sus escenas y testimonios, de su propio poder, para convencer. Aunque haya momentos sentimentales y emocionales a lo largo del largometraje, nunca se agarra a ellos, los deja fluir: deja que sean los protagonistas los que se expresen. El resultado es una obra (tanto el resultado físico de la restauración del cementerio como el documental mismo) con alma, que contagia ese amor por el cine que predica. Demuestra que, aunque una persona ya haya experimentado las sensaciones de una película que le ha marcado, a veces hay maneras de volver a vivir esas sensaciones y participar en una experiencia única, pues poder visitar Sad Hill siendo cinéfilo es como visitar el Coliseo siendo filólogo clásico.

Crítica originalmente escrita por mí en https://destinoorphanikiv.wordpress.com/2018/12/16/roma/

La plataforma de visionado online Netflix ha estado mucho tiempo en entredicho por el público debido a la debatible calidad de las películas que distribuye. Esto es posible que se deba a una combinación de promoción excesiva de las películas y una general falta de ambición de las mismas, quedando muchas de ellas relegadas al ocasional entretenimiento de salón. Sin embargo, esto parece estar cambiando recientemente con la liberación en Netflix de obras como La Balada de Buster Scruggs, de los Coen; Al Otro Lado del Viento, el “último” trabajo de Orson Welles; o la película que nos ocupa hoy, Roma, de Alfonso Cuarón. Películas que, sin duda, tienen algo que contar.

Alfonso Cuarón, de la mano de Netflix, decide volver a sus orígenes con esta semi autobiográfica obra, que sigue la vida de Cleo, una criada de rasgos indígenas empleada en el hogar de una acaudalada familia mexicana en la década de los 70. Interpretada magistralmente por Yalitza Aparicio, Cleo se erige como la protagonista absoluta de la obra, mostrándonos Cuarón con meticulosidad tan solo lo que ella oye y ve, lo que sirve para, junto a otros elementos, construir una narrativa más sólida, pues los ojos de Cleo son aprovechados para ir mostrando de soslayo acontecimientos relevantes pero externos a ella, como el derrumbe de la familia, que es magistralmente cimentado mediante conversaciones de fondo o cortas escenas en segundo plano. El mundo que diseña Cuarón es realista y vivo, avanza a la vez que la protagonista y, aunque no todos los personajes relevantes en la película tengan el mismo desarrollo que Cleo, no son meros instrumentos narrativos para servir a la trama, sino personajes orgánicos con sus propios dilemas, tramas y vidas paralelas, que interactúan de forma natural con Cleo cuando es necesario.

Practicamente nada en Roma se siente artificial o forzado, ya que todo fluye de forma natural a lo largo de la obra. La primera parte de la película es una formidable presentación en clave slice of life: seguimos la vida diaria de nuestra protagonista mientras trabaja, interactúa con sus amigos la familia para la que trabaja, se enamora y, general, vive su vida sin sobresaltos. Para cuando la trama empieza a avanzar velozmente, todo lo que ocurre se siente conectado y con sentido narrativo, pues tiene un poso previo en la vida de Cleo.

Uno de los puntos más relevantes de Roma es su belleza visual. En esta película se hablan 3 lenguas: español, mexteco (lengua indígena), y el silencio. Cuarón recurre mucho a la imagen y a la narrativa visual para dar fuerza a su obra restándole peso al diálogo como tal, haciendo una obra más personal e introspectiva. Esto da resultados como que una protagonista prácticamente silente sea capaz de transmitir y expresar tanto. Su uso del plano también es muy marcado: combina escenas estáticas de magistral composición para inspirar emociones de forma más marcada, como la del cine o la del parto en el hospital, con recurrentes (excesivamente recurrentes) travellings cuyo sentido estético depende de la escena, pero que suele dotar de dinamismo a la película. Incluso la escena del incendio en el bosque, que es posible que sea la más desconcertante de la película, tiene una inusitada belleza.

A su vez, Cuarón hace una lectura feminista en su obra, pero lo hace sin dar un discurso: recrea, a través del homenaje a la mujer que lo crió junto con su madre, la vida de la mujer luchadora, cotidiana y maternal y lo vacía todo en su obra. Tanto el personaje de Cleo como el de la madre de la casa, que interpreta Marina de Tavira, son abandonados por los hombres con quienes compartían importantes lazos por motivos egoístas, y ellas se adaptan, crecen como personas y siguen avanzando. Cuarón toca también las diferencias de clases y socioeconómicas del México de la época, pues si bien a Cleo siempre la acogieron bien en la casa, su relación con la patrona fue inconsistente hasta que ambas fueron abandonadas por el hombre al que amaban, o cómo la abuela de la familia no sabía nada de ella salvo su nombre, pese a convivir a diario con ella. Aún así, Cleo nunca tuvo unas condiciones laborales excepcionalmente precarias, lo que genera la duda de si Cuarón está viendo la situación desde la nostalgia, de si quiere generar una excepción diciendo al público que la situación puede ser mejor sin demasiado esfuerzo, o de si en verdad está presentando una situación general ligeramente edulcorada, aunque sea realista en muchos puntos.

Cuarón toca estos temas y otros como la ya mencionada diferencia de clases sociales del país, pero también, la discriminación, la libertad de opinión o los estereotipos sociales o la crisis política y económica y el ambiente de crispación existente en el país en aquella época, esto último mostrado través de las manifestaciones, revueltas y agitaciones en ciertos momentos de la película. No ahonda en ello porque su mensaje es positivo: a través de Cleo, prefiere mostrar el amor inherente al ser humano, llorando esta por una hija a quien no quería y salvando y amando a los hijos de otros. Sin embargo, es un optimismo moderado: aunque sea considerada de la familia, al final del día sigue siendo la criada, y socialmente no tiene ningún privilegio añadido.

Cuarón ha volcado absolutamente todo lo que tenía en Roma. Ha juntado con solvencia una historia del día a día con unos temas bien presentados. Se le nota el amor y empeño en cada plano, en cada sonido. Tras ganar el Óscar por Gravity, con Roma se termina de confirmar como uno de los grandes realizadores del medio.

Ser el estudio conocido como "el heredero de Gainax" no debe ser tarea fácil. Y es que con tal cantidad de trabajadores del mencionado legendario estudio de animación en sus filas, Trigger prometía traer esa frescura tan habitual de Gainax al medio de forma más frecuente a la que la escasez de fondos se lo permitía al longevo titán. Sin embargo, pese a un prometedor inicio con la rompedora Kill la Kill, la productora ha pasado por unos años de bastante sequía e intrascendencia dentro del mundo del anime, con muy pocos trabajos en su haber estos últimos tiempos, y los que tienen, debatiblemente mediocres (Kiznaiver).

Sin embargo, prácticamente después del debut de Trigger con Inferno Cop, sacaron cierta OVA que pasó algo desapercibida, la primera OVA de Little Witch Academia, de una duración de 26 minutos y que da una lección de lo que ha de ser una animación concisa, original y potente, haciendo recordar al Gainax con más desparpajo a la vez que adaptándose al contexto más comedido e imaginativo del que se sirvieron. Dos años después, hicieron una breve continuación de la OVA mencionada, para por fin, años más tarde, convertirla en una serie de TV desde cero para crear la que puede que sea la mejor obra de Trigger hasta el momento: Little Witch Academia.

Las comparaciones con Harry Potter son inevitables. En el mundo actual, es dificil plantear una serie ambientada en una escuela de magia y de la manera planteada por Trigger que no tomase elementos de la conocidísima franquicia de J.K. Rowling y su muy bien atado mundo. Sin embargo, Little Witch Academia consigue tener una identidad propia muy marcada, desmarcándose por completo de Harry Potter, al enfocar su mundo a la temática de brujas mediavales y una plena aceptación de su existencia por el resto del mundo, además de no servirse del ya cliché señor oscuro que quiere apoderarse de toda la magia y el mundo. La serie, además, por medio de una brillantísima animación, logra centrar la serie en lo que la hace realmente distintiva: la magia.
Porque si bien es cierto que en el anime se ven poderes de todo tipo, espectaculares ráfagas de energía y demás habilidades capaces de volar planetas enteros, la forma de usar las luces, las formas, los colores de LWA hace que se sienta como verdadera magia, magia flexible e imaginativa, capaz de erizarle los pelos a una persona que por edad ya no halle pasión en los juegos de prestidigitación, ni nada similar.

Por supuesto, la magia no sería nada sin nadie que la conjurase. El elenco de personajes es...bastante típico, la verdad. De hecho, no difieren mucho de los personajes que puede tener un shounen de peleas, aunque la inmensa mayoría de personajes sean chicas. Kagari Atsuko es la típica protagonista underdog pero con un extraño magnetismo en ella, tanto para el espectador como para el resto de personajes, pero es demasiado cargante e inútil, incluso para el estándar de ese tipo de personaje. Si bien su inutilidad con la magia es explicada más adelante en la serie de forma sorprendente y muy decente, es un personaje muy cargante e inconsciente en muchos tramos de la serie, incluso teniendo un arco de personaje bien desarrollado.
Los personajes secundarios rinden bien y cumplen su función, si bien Lotte es el clásico personaje segundón y compañero de armas del protagonista, no diferenciándose mucho de Ron Weasley en este aspecto. Sucy sí que es más interesante, dándole frescura, ritmo, y algo de picante a la serie. Destaca incluso por encima de ellas Diana, a la que en la OVA ponían como orgullosa y altiva, pero que en la serie le dieron muchísimos matices, haciéndola un personaje relativamente complejo. Ella es consciente de su habilidad, pero está completamente dedicada a su objetivo en vez de presumir ni una sola vez sobre ello, haciéndola un personaje muy destacable dentro de ese arquetipo y con un muy buen arco de personaje, llegando a ser un pilar de la serie, así como en menor medida el hijo del ministro, incluido de forma acertada para expandir la perspectiva de la serie. Aunque hay más personajes relevantes, prefiero saldar este apartado considerando el elenco de personajes como acertado, dando un buen trato a casi todos ellos, pero tampoco con un nivel excesivo de escritura, ni mucho menos.

Es muy notorio también cómo la serie juega con su propia narrativa en su favor, pasando de un estilo narrativo episódico con trazos lineales en su primera mitad para presentar su mundo y sus personajes e ir trabajándolos, a una narrativa plenamente lineal presentando un conflicto real y emergiendo las tramas subversivas hasta el momento una vez que la serie estaba asentada. Una mezcla muy acertada, pero que puede ser difícil de enganchar al principio. Una vez se vuelve lineal en su segunda mitad, presenta una extraña mezcla de un buen ritmo y argumento con unas razones triviales y un tanto estúpidas de por qué se desarrolla, pero la serie sabe guardarse puntos clave de la trama, así como importantes revelaciones y sorpresas para que la serie se mantenga siempre en un buen punto.

Little Witch Academia es, en muchos momentos, un espectáculo visual, una serie para perderse en un mundo lleno de magia hecha con mimo y un setting único, con grandes momentos, buena banda sonora, gran animación (la mano de Hiroyuki Imaishi en los fotogramas clave y en el storyboard se nota mucho) y personajes aceptables. Sin embargo, sus características shounen y lo trivial de su conflicto hacen que sea una serie que en lo importante no vaya más allá de lo superficial. Deja un bonito mensaje en su desarrollo, pero nada que no hayamos visto decenas de veces antes. Una serie para perderse en un simpático mundo mágico que, quién sabe, igual te da más de una sorpresa.

Crítica originalmente escrita por mi en https://destinoorphanikiv.wordpress.com/2018/12/08/el-veredicto-la-ley-del-menor/

Las adaptaciones fílmicas de obras literarias suelen ser un arma de doble filo. Por un lado, expone al gran público una obra, más o menos desconocida, que merece ser adaptada a la gran pantalla pero, por otro lado, estas adaptaciones suelen desmerecer la obra original debido a la imposibilidad de trasladar todos los elementos que componen una obra literaria al cine por tiempo, criterio y simplemente por diferencia de medio, que exige unas convenciones de estructura y ritmo distintas. El problema real llega cuando son omitidos elementos clave en la comprensión de los acontecimientos o la psique de los personajes. El Veredicto es uno de esos casos, con el debatible agravante de que el guionista y encargado de adaptar la obra literaria al cine es el propio autor de la misma, Ian McEwan.

Como resultado de ese guión adaptado, la película pierde fuelle en sus estadios avanzados, ya que las motivaciones de ciertos personajes, en concreto el de Fiona Maye (Emma Thompson) y el de Adam (Fionn Whitehead), resultan increíblemente ambiguas, empañando este hecho la notable caracterización de los personajes. Sin embargo, la película, por su condición, trata un muy amplio catálogo de temas: elección del mal menor, postulados teológicos radicales, amparo legal no deseado, o hasta qué punto es un adolescente consciente de sus actos y de lo que le rodea. El personaje de Fiona Maye, en su condición de jueza de asuntos familiares y de menores de edad, se encuentra diariamente con situaciones complejas y resoluciones polémicas según para qué sector de la sociedad. El caso que vertebra la película, el de Adam, un chico casi mayor de edad con leucemia que no quiere recibir tratamiento debido a las creencias de su grupo religioso, los testigos de Jehová, ofrece una antítesis al dilema visto en la tragedia de Antígona (Sófocles): las leyes humanas contra las leyes divinas, que más que divinas son las que conocemos como morales. En este caso las leyes humanas amparan la cuestión moral y las leyes divinas son vistas como el lado conflictivo de la situación.

Pero no todo es blanco o negro aquí, pues la película logra moverse con solvencia en una región de claroscuros que dota a la obra de sustancial carga temática, canalizada a través de un drama humano de personajes y autodescubrimiento, que sería difícil de asimilar debido a todos los elementos presentados sin saturarse entre sí de no ser por su ocasional humor (eminentemente británico, pero nunca fuera de lugar) y, sobre todo, la sobresaliente actuación de Emma Thompson. Con su interpretación consigue sostener la película prácticamente ella sola desde la primera escena hasta la última: rigurosa e intimidante en el juzgado, precavida y formidablemente irónica con su marido Jack, y lentamente desmoronándose por dentro debido a sus dilemas sentimentales y morales durante toda la película.

La actriz, pese a estar en muchos momentos brillante diciendo mucho sin decir nada, tuvo su momento de gloria al final de la película con un catártico colapso expositivo, aunque algo empequeñecido debido a un pobre trabajo de dirección. Richard Eyre dotó a la obra, en general, de una dirección poco inspirada. Aunque esta es decente en la estructura propia de la película, por otro lado los encuadres y las transiciones son bastante desafortunados y empequeñecen un poco las virtudes de la obra.

El Veredicto es una obra con sensibilidad hacia sus personajes y hacia su temática. Desempeña ambos factores y los entrelaza de forma solvente, pero debido a sus problemas de adaptación la película se diluye y difumina debido a la ambigüedad de sus personajes al no terminar de perfilarlos en su parte final. Eso y una extremadamente convencional dirección hacen que la película pierda una, en su inicio, posible solidez y estemos ante una obra con geniales elementos vertebrados por una actriz en una de sus cimas interpretativas.

Crítica originalmente escrita por mí en https://destinoorphanikiv.wordpress.com/2019/01/24/aquaman/

A la hora de hablar de una adaptación cinematográfica del universo cómico de DC, son inevitables las comparaciones con su más exitoso némesis, Marvel Studios. Ambos han tenido el afán estos últimos años de llevar de forma perenne los superhéroes a la gran pantalla y construir un universo a partir de ellos, en la que tramas y superhéroes de las distintas películas se acaban mezclando. Marvel, por su lado, a través de una propuesta basada en el color, el espectáculo y el humor blanco y ligero, ha logrado el éxito mediante un meditado y bien planeado universo de películas, mientras que DC, con su propuesta densa, oscura y de colores apagados, ha navegado entre una irregularidad de lanzamientos, siendo varios de ellos bastante desafortunados.

De la mano de James Wan, DC trae finalmente a la gran pantalla a uno de sus más icónicos héroes, Aquaman, en la más reciente intentona por revitalizar el cine de la franquicia. Desde el principio a la película se le notan diferentes elementos a anteriores obras de la productora, como un abundante y certero humor blanco o una más alegre paleta de colores que atenúa la escesiva densidad que aprisionaba al cine de DC, por lo que se puede presuponer una mírada crítica hacia el éxito de Marvel y los factores que lo componen. Aquaman, como gran parte del cine de su género, no deja de ser un blockbuster con un argumento prediseñado, en este caso por el mito artúrico, pero consigue dotar de dignidad un personaje cuyos mayores poderes son hablar con animales marinos y cabalgar caballitos de mar, elementos por los que siempre se le ha denostado y, quizá, por lo que no había tenido adpatación cinematográfica propia hasta ahora.

El trabajo en la dirección de James Wan, además de para dotar a la obra de solidez y que no pierda el rumbo, también le aporta acertadas e imaginativas escenas, como la secuencia que abre la película, las transiciones entre el pasado y presente, o las adrenalínicas persecuciones y peleas en Sicilia, todo esperable más en Marvel que en DC.

Sin embargo, algo en lo que Marvel está empezando a avanzar y su rival no es en materia de villanos. Los villanos de Aquaman son prácticamente unidimensionales y con motivaciones simples y poco claras, aparte de prácticamente desperdiciar el villano secundario (interpretado por Yahya Abdul-Mateen II), del que se presuponía más protagonistmo en la película dada la relevancia de su introducción. El villano principal tiene pocos matices, buscando la mera destrucción con escasa argumentación. Es algo habitual en la filmografía de DC, pues incluso la genialidad del joker de El Caballero Oscuro radicaba más en la actuación de Heath Ledger que en otra cosa. Además, aunque la película tenga elementos que la aligeren, sigue padeciendo la densidad de DC combinada con elementos kitsch que pueden romper la inmersión hacia un trabajo serio, por lo que se queda en tierra de nadie entre la comicidad y la fantasía épica y lucha por el mundo.

Aquaman, pese a todo, consigue crear una nueva dirección para el desarrollo del cine de DC e inciar una prometedora franquicia en su universo, rescatando un personaje de las profundidades marinas del olvido.