“Paris vu par…” es una suma de cortometrajes de algunos de los miembros que conformaron la “nouvelle vague”, movimiento cinematográfico que supuso la ruptura con el sistema de producción hollywoodiense, saliendo de los estudios para rodar en plena calle con unos presupuestos más ajustados.
Estos cortos, con la ciudad de París como punto de partida, son un fiel reflejo del nuevo aire que se le pretendía dar al cine en aquel momento.
Encontramos seis historias en seis barrios de París, cada una con el estilo propio de cada autor, pero todas ellas con unas características muy definidas: la libertad de cámara y unos personajes jóvenes e inquietos están siempre presentes en esta película. Aunque las historias que nos presentan van más en sintonía con los primeros cortometrajes que realizaron en la década de los 50’ que con las películas emblemáticas que consagraron a este grupo de directores franceses.
No obstante, se van percibiendo algunos rasgos que definen muy bien el cine de cada uno. El caso más claro es el de Chabrol, con una pequeña historia en torno a una familia burguesa, una temática que será repetida hasta la saciedad a lo largo de su extensa filmografía.
Una auténtica lástima que no contribuyera a este original proyecto François Truffaut, una de las figuras más emblemáticas de la “nouvelle vague”. Desconozco el motivo de su ausencia, pero, desde luego, estoy seguro de que su presencia no habría defraudado.

“Los Soprano” ha supuesto una completa evolución en la ficción televisiva gracias a su concepción de serie de televisión ingeniada como una gran novela. Además, supone la implantación en este formato de recursos plenamente cinematográficos, como demuestran sus encuadres picados, su pulida fotografía, la música diegética, unas interpretaciones sublimes y el drama como elemento circundante en todo su conjunto.
Hasta el momento de su aparición, se dudaba de que se pudiera conseguir tanta intensidad capítulo tras capítulo y temporada tras temporada en el formato televisivo.
Su influencia en series posteriores es irrevocable, y hace pensar que si jamás hubiera aparecido la familia Soprano, series innovadoras como “The wire”, “Dexter”, “Mad men”, “Lost” y otras muchas, no habrían resultado de la misma forma.

Ello se debe a que el enfoque da un giro con respecto al planteamiento común de la ficción: el personaje principal cobra tanta fuerza que se le acaba comprendiendo de tal modo que sus actos, por viles que sean, son percibidos por el público con un mayor entendimiento, gracias a que el proceso que ha llevado a tal situación ha sido construido poco a poco, y de una forma espléndida. Y parece que la fórmula para conseguirlo es, además de contar con un prodigioso James Gandolfini interpretando a Anthony Soprano -jefe de una familia de la mafia de New Jersey-, crear un universo construido a base personajes puramente evocadores: desde su aguerrida mujer, Carmela, pasando por su perniciosa hermana, su sacrílega madre, su trasnochado tío y sus desventurados hijos; luego están los subalternos -de entre los que destacan unos inmensos Christopher, Sil y Paulie-; hay mafiosos por doquier que van aportando su papel en la cantidad justa y necesaria; y también están las strippers del Bing, los federales, los camareros, los amigos de los amigos...y qué decir de los geniales cameos de personalidades tan reputadas como Steve Buscemi, Ben Kingsley, Annette Bening, Peter Bogdanovich o Nancy Sinatra.

Uno de los elementos más controvertidos de esta inigualable serie es la presencia constante de las terapias de Tony Soprano con su psiquiatra. Ahí vamos conociéndole más, o no, porque sus pensamientos, trastornos y decisiones son siempre tan contradictorios como frenéticos. Se puede considerar que esas amargas y continuas conversaciones en el despacho de la psiquiatra son un magnífico recurso para suplir la voz en off, y de ese modo, conocer más el interior de ese estricto e inflexible mafioso, a la vez que padre de familia.
Y lo que resulta genial en esta serie-obra maestra es que, en su transcurso a lo largo de varios años, no necesita continuos vuelcos en el argumento para salir adelante, sino que, más bien, se basa en progresivas agitaciones de sus personajes, saliendo a relucir así, un espléndido y cruel fresco de las relaciones humanas, o mejor dicho, de hasta dónde es capaz de llegar la condición humana.

Interesante proyecto el que llevó a cabo Wim Wenders durante el Festival de Cannes de 1982. Lástima que algunos de los entrevistados no se tomen la cuestión en torno al devenir del cine con respecto a la televisión demasiado en serio, dando en muchos casos tan sólo muestras de su incesante y (no tan) agudo ingenio, o al menos en lo que a improvisación se refiere. Con unos más visionarios que otros, los momentos de Godard, Fassbinder o Spielberg son destacables. Cada cual con su manera de actuar y su forma de ser.

Contando con este precedente, deberían hacerse por lo menos cada década este tipo de entrevistas. El futuro del cine es aún si cabe todavía más incierto. Qué habrían pensado en aquel momento los entrevistados de haber sabido que casi treinta años después, la pieza en la que participaban estuviera en un formato .avi, y tras visionarla, un "usuario" sería capaz de hacer inmediatamente una breve reseña, y pudiera compartirla instantáneamente con el resto del mundo. Quizá más de uno se habría lanzado por la ventana en ese momento. Según se intuye en muchas de las declaraciones, existe mucho recelo hacia un futuro inalcanzable e incierto para aquel presente, que ya vemos como pasado. Y, tal como queda en evidencia, el más optimista de todos es quien ha terminado ganando. Tan sólo de momento, claro.

A continuación, los nombres de los cineastas entrevistados por orden de aparición:

Jean-Luc Godard
Paul Morrissey
Mike de Leon
Monte Hellman
Romain Goupil
Susan Seidelman
Noel Simsolo
RW Fassbinder
Werner Herzog
Robert Kramer
Ana Carolina
Mahroun Bagdadi
Steven Spielberg
Michelangelo Antonioni
Wim Wenders
Yilmaz Güney (voz)

“Mi cena con André” es un duelo interpretativo en toda regla: la conversación de dos viejos amigos durante una cena consuma íntegramente el film. Lo que sucede es que el equilibrio en ese encuentro se rompe por el (para unos) hipnótico y (para otros) somnífero discurso de André Gregory sobre sus experiencias por el mundo y las continuas lecciones moralizantes que pretende dar a su colega y a los espectadores.
Ciertamente, representa bastante bien el papel del intelectual, naturalista, filosófico y vividor con el que todos nos hemos cruzado más de una vez. Se echa de menos que se indague algo más en la relación pasada entre ambos protagonistas, ya que da la sensación de no haber ningún tipo de vínculo entre las dos personas.
Sin embargo, el personaje que interpreta Wallace Shawn –un desafortunado e inseguro dramaturgo– lo conocemos algo más porque hemos ido en metro con él y con sus pensamientos hacia el restaurante a través de unas secuencias que son lo poco que otorga Louis Malle a esta particular cinta.

De esta forma, todo el trabajo está en esa prolongada conversación, en la que salen a relucir interesantes reflexiones existencialistas, llegando a resultar más incómodas que inquietantes, pues aunque suene verídico todo lo que se cuenta, falta algo de participación del exterior. Es decir, como son los actores los que también llevan el peso del guión, uno se acaba preguntando si lleva casi dos horas en medio de una conversación ajena, lo que supone, en cuanto al propósito de la película se refiere, un hecho positivo por una parte y desconcertante por otra.

Esta película significa el principio de la carrera de un genial director, el principio del personaje de Antoine Doinel, el principio de la nouvelle vague. Es una historia sencilla, que refleja la clase media por medio de un adolescente incomprendido, que se revela, pero no como un simple gamberro. Porque se trata de algo nuevo, algo diferente, es vanguardista. Es Truffaut, que acaba de llegar.