Son enormes las expectativas con las que uno se enfrenta a “Biutiful”, el cuarto largometraje de Alejandro González Iñárritu, sobre todo por tratarse del primero en el que no cuenta con la colaboración del guionista Guilllermo Arriaga. Buena parte del público que conoce de sobra sus trabajos anteriores se pregunta: ¿En qué cambiará ese estilo tan íntimo y característico donde una serie de historias paralelas marcaban el ritmo y compás de sus películas?
Y, teniendo en cuenta que la elección de nuevos colaboradores para el guión viene de un polémico desencuentro con dicho guionista, la cuestión que se plantea ante todo es: ¿Será Iñárritu capaz de mantener el nivel de sus anteriores películas sin colaborar con Arriaga?

En cierto modo, aunque a una parte importante de la crítica no le haya gustado, lo que ha hecho el director de “Amores perros”, “21 gramos” y “Babel” es de lo más coherente ante tal situación. De alguna forma, al centrarse esta vez en única historia, la de Javier Bardem encarnando a Uxbal, un descarriado padre de familia, le ha cedido el testigo de las historias virulentas y paralelas a Arriaga, que prosiguió con tal estructura narrativa en su ópera prima “Lejos de la tierra quemada”.

Sin embargo, lo que vemos no es un nuevo Iñárritu, sino lo que de verdad es él como director y autor. El tema de la muerte sigue tan vivo como en anteriores ocasiones y hay un retorno a la fotografía de sus inicios, la de “Amores perros”, de una crudeza y realismo importantes. Además de necesaria para adentrarnos en una Barcelona como pocas veces se ha retratado en el cine: la de la clase baja mal viviendo, la inmigración ilegal, o algo tan irrelevante pero significativo como que el protagonista sea del Espanyol y no del Barça.
“Biutiful” es una producción hispano-mexicana, y aún siendo la mayoría del equipo técnico mexicano, los actores son españoles y la ambientación son los de una película española. Y por eso, si uno la compara con el resto de producciones españolas es para echarse a temblar. Esto es cine social del que tanto se imita a un altísimo nivel. Y a no ser que se quiera mirar hacia otro lado, esta película puede recoger “cabezones” de Goya a diestro y siniestro.

Aunque si de algo peca la historia es de no avanzar después de dar una serie de latigazos en un inicio absolutamente demoledor. Tras él, se le concede a un inmenso Bardem (merecidísimo premio a la mejor interpretación masculina en Cannes) el honor de guiarla hacia su fin. Al mismo tiempo, el resto del reparto está también espléndido. Si Bardem es el número uno de los actores españoles, Eduard Fernández está en el “top five”. Y produce hasta alegría ver al fin a unos niños creíbles, que no sean necesariamente tontos por salir en pantalla.
No son pocos los logros de ésta película, pero parece que algunos esperaban algo más. Y eso que no se trata ni de otro Iñárritu ni de otra Barcelona, sino más bien de una faceta representativa de cada uno.

En este mes de noviembre los medios de comunicación han anunciado y retransmitido de un modo impaciente y tenso la visita del Papa a España. Yo, sin embargo, esperaba la visita de Martin Sheen. Es uno de esos actores que podemos considerar míticos en este momento. ¿Cuál será mítico dentro de cincuenta años? Buena pregunta. No ha ganado ningún Oscar y quizá por ello merezca mayor respeto. Es de esos actores cara-cartón, igual que Cary Grant (quien tampoco tiene un Oscar), que poseen una cara un tanto acartonada que les hace únicos e inolvidables en pantalla. Más que por su actuación en 'Apocalypse Now', desde hace unos años Martin Sheen será -para mí y para más de uno/a- Mr. President, por su encomiable personaje en la magnífica serie 'The West Wing'.

El verdadero nombre del actor Martin Sheen es Ramón Antonio Gerardo Estévez (según dice la Wikipedia). Su padre es un emigrante gallego que en Estados Unidos formó una familia, de artistas por lo que parece. Ya que su nieto, el director Emilio Estévez, ha querido homenajear la tierra de sus antepasados realizando la película 'The Way' con su padre como protagonista. Y Julio Fernández, responsable de Filmax y gallego de pura cepa, ha visto una buena oportunidad para coproducir con Estados Unidos de una forma bastante razonable. Fíjense que a los americanos y demás tierras lejanas les atraen las historias folclóricas españolas (nos siguen viendo exóticos), y en cuanto a los españoles: ¿a quién no le gusta ver a Martin Sheen paseándose por su tierra? Aunque el resultado, sin ser todo lo esperpéntico que podría parecer a primera vista, no es ni mucho menos redondo.

¿Por qué nos gustan generalmente las road movies? Supongo que casi siempre se congenia fácilmente con los personajes, que se encuentran en situaciones límite. En 'The Way' se trata de un oftalmólogo cuya apacible vida se ve trastocada por la repentina muerte de su hijo mientras comenzaba la ruta del Camino de Santiago (da que pensarse lo de ser una película de reclamo turístico con semejante planteamiento). Como prueba de superación y en tanto que homenaje a su hijo fallecido, nuestro amigo Martin decide emprender su ruta hacia el Obradoiro. Por supuesto, este tipo es un "guiri" de libro, y dará pie a muchas situaciones de lo más cómico junto a un holandés que tiene mucho de inglés, un irlandés que podría ser francés y otra norteamericana entrada en años pero expresamente atractiva. Contiene gags que funcionan bastante bien. Además de que muchos paisajes, ambientaciones y comentarios están logrados y hasta documentados.

(continúa en el spoiler por falta de espacio...)

Llevaba varios años Fernando Trueba sin dejar rastro en el terreno de la ficción. Su regreso con 'El baile de la victoria' no convenció a la mayoría y ahora llega junto al diseñador Javier Mariscal para ofrecernos algo que podemos considerar inédito en la cinematografía española. 'Chico & Rita' supone un cambio de registro tanto para sus creadores como para el conjunto del cine español. Aunque ese cambio no se produce de forma radical, sino como una evolución en las distintas carreras de ambos creadores. Trueba lleva años produciendo jazz latino, es un terreno que conoce casi tan bien como el del cine. Su documental 'Calle 54' (2000) lo corrobora. Y Mariscal, el inventor de Cobi, es un dibujante que no tiene nada que demostrar a estas alturas. Ello demuestra que el ensueño y la pasión de sus responsables son los que han hecho posible sacar este ambicioso largometraje de animación adelante.

La historia que se narra en 'Chico & Rita' no es esencialmente novedosa. De hecho, sigue un esquema narrativo convencional, que no está lejos de 'El amor en tiempos del cólera', de García Márquez. Es una historia de amor turbulenta cuyos protagonistas, Chico el pianista y Rita la cantante, quedan resignados a una relación de amor-odio que les mantendrá en jaque durante el resto de sus vidas. La cinta se apoya en el contexto histórico de una forma muy bien trenzada, permitiendo que le echemos un vistazo casi de reojo con enorme interés a ese ir y venir entre Cuba y los Estados Unidos, pero no lo aprovecha como señuelo hacia el espectador. Aunque de esa forma, sí se consigue aderezar la trama romántica y musical con unos tintes "noir" que hacen del conjunto una delicia para los cinco sentidos.

'Chico & Rita' puede interpretarse de varias formas: bien como un claro homenaje a Bebo Valdés, lo que escuchamos es su música y podría tratarse de su vida; pero también puede (y conviene) verse más allá: como una fantástica mirada hacia una generación, una época y una cultura vistas desde un prisma tan novedoso como fascinante. No se la pierdan.

Dino Risi nos concede una comedia para la historia, en la que un inconmensurable Vittorio Gassman y un tímido Jean-Louis Trintignant encarnan el mayor contraste de la personalidad masculina que jamás se haya visto en la gran pantalla.
Gassman, un vividor, italiano de pura cepa, además de bien aprovechado y mujeriego; Trintignant, por su parte, un estudiante responsable, y retraído a más no poder.
La historia comienza con el mismo ritmo agitado y palpitante que se mantiene a lo largo de toda la cinta. Es lo que realmente hace grande a este film: que no se anda con miramientos de ningún tipo y, al mismo tiempo, sabe retratar una sociedad y un periodo de la historia muy particular con una mirada de comicidad, pero sin caer en ningún momento en lo socarrón o en lo burlesco.
Es ése tratamiento el que la hace rebosar de energía, carácter y atrevimiento.
Y como tema de fondo ése “dime cuándo...”, es todo aún más cautivador.

A muchos les cuesta creer que en la cinematografía española se encuentren, no sólo joyas del cine -que las hay- sino también películas que cuenten con una valía asombrosa, aguanten el paso de los años y merezcan ser visionadas varias décadas después. Y el caso de “La piel quemada”, de 1967 y del director catalán José María Forn, es uno de ellos.

No es únicamente la temática del trabajo la que le otorga un aire post-neorrealista al film. Son también ciertas secuelas de la guerra (aun siendo distintas guerras) todavía visibles incluso estando el desarrollismo en pleno auge. Bien podrían haber firmado la cinta los herederos del neorrealismo italiano Zurlini, Bellochio, Comencini y compañía, y quizá habría recibido más reconocimiento con el paso de los años. Pero no, fue Forn el que la hizo y, aunque se trate de un tema que se ha dado y se sigue produciendo en todo país en vías de desarrollo, se trata de una película puramente española.

Lo es porque se reflejan unos hechos muy concretos de la historia de España, como son los movimientos migratorios que se asentaban en las regiones más ricas del país durante la década de los sesenta. Y lo es más aún por los conflictos que trata, por suerte o por desgracia, muy a la orden del día: el durísimo trabajo de la construcción, el turismo extranjero en las costas españolas y la emigración del pueblo, de la miseria y de la más absoluta humildad, al mundo desarrollado. Ese mundo tan añorado y deseado no es más que un pueblo corriente de la Costa Brava, como es Lloret de Mar. Eso sí, un lugar que sigue repleto de turistas décadas después, donde por entonces trabaja José de albañil. Allí espera a su mujer, sus hijos y su hermano, que van de camino desde Andalucía durante prácticamente todo el metraje, pues se trata de un largo desplazamiento el cruzar España, más aún haciéndolo con los medios más precarios del momento. Y se trata de un enorme acierto para el ritmo de la película que los parámetros temporales aparezcan delimitados de una forma tan clara. En este caso, es el viaje de los miembros de una familia y el padre que la espera, alrededor del cual se componen una serie de flashbacks de lo más inquietante, para adentrarnos en el sobrecogedor pasado de la familia. De esta forma, se consigue mantener al espectador en vilo durante todo el trayecto, pues uno sabe que éste desembocará en un final y lo está esperando con gran intensidad e impaciencia.

(sigue en el spoiler sin revelar el argumento)