Esta película hecha en 1996, me parece una crítica importante al morbo que se tiene hacía este tipo de filmes, hechos en gran parte por las vistas y la acogida de los espectadores. Con la frase del profesor “al público hay que darle lo que quiere”, buscan justificar este tipo de violencia para presentarlo en la televisión.

Es una crítica al medio televisivo y al público, en donde la curiosidad, el cinismo, el morbo y la hipocresía de la sociedad juegan un papel importante para darle vida a estas representaciones. Es una película que mantiene al espectador intrigado a lo largo de la película, logra cautivar al punto que como espectadores hagamos posibles hipótesis de quién es el verdugo en este filme.

Por otro lado, me parece importante resaltar las escenas tan gráficas y reales, las cuales le dan un toque concreto y vívido a este filme, establecido desde el morbo del maltrato, la intimidad y vivencia de lo que muchas mujeres han sufrido, este tema tan poco llevado a la pantalla es una realidad latente para muchas mujeres que a veces pasa desapercibido.

Es una obra un poco dramática y lenta en su desarrollo, que narra la historia de cuatro artistas en una habitación, los cuales se disponen a ver la adaptación de uno de los libros de Selma, quien se encuentra en la habitación observando el desarrollo de su libro en esta película. Tora, otro personaje, es una actriz dramática, que le realiza varias preguntas a Selma a lo largo de la película, desarrollando una discusión en torno a esta, en donde se evidencian sentimientos y vivencias de su pasado, mostrándonos un poco de sus vidas.

La película se desarrolla en una gama de tonos pálidos y grises, solo se evidencia el uso de la música en la película a blanco y negro que están observando los personajes. Esta obra esta dirigida por Ingmar Bergman, busca representar su decisión de ser cineasta y homenajear su obra : La Carretera Fantasma.

Una parte importante fue en el momento en el que las protagonistas hablaron sobre la novela que estaban viendo, una de ellas le decía a la otra que en sus novelas veía a las dos, o sea a la autora y a ella misma, esto nos muestra la capacidad que tiene el arte para transmitir la esencia de su autor, generando emociones y simbolismo en el receptor.

Esta película japonesa, en mi opinión es una de las mejores y bien logradas de esta época, con toques de humor y tragedia, esta película nos cuenta la historia de un hombre que ha tenido que dejar su sueño de tocar el violonchelo en la orquesta en la que trabajaba, para volver a su ciudad natal a trabajar en ceremonias de amortajamiento.

Por una parte, nos muestra que la cultura japonesa tiene un tabú sobre la muerte, y que no es bien visto el trabajo de hacer ceremonias de amortajamiento, evidenciando la diferencia de cultura y contraste con la nuestra, a tal punto que su esposa decide abandonarlo por esta razón. Otro punto importante a rescatar, es que cuando el inicia trabajando allí siente asco por la comida y después de un tiempo se acostumbra, evidenciando que como lo dicen los estudios de Investigadores de la Northeastern University de Boston, los hombres somos animales de costumbre.

Una parte fundamental de esta película fue la música, la banda sonora fue fundamental para el desarrollo de esta, además la película se desarrolla en una gama de tonos opacos, seguramente haciendo alusión al tema de la película, el de la muerte. Otro aspecto importante fue cuando el tocó el violonchelo en su casa, ya que tocar le traía recuerdos de su infancia, mostrando una relación directa entre la música y el recuerdo de su padre. Por otra parte, me parece importante el ambiente en el que se desarrolla la película y como la casa de su mamá evidencia el paso del tiempo, la memoria y los recuerdos que se han construido en ella, por ejemplo las marcas en el piso donde el protagonista ponía el violonchelo, los discos que la mamá guardo del papá y la roca guardada en el estuche del violonchelo.

Me parece importante rescatar la escena en la que creman a la señora de los baños, ya que el señor encargado de los hornos dice que la muerte no es el fin sino el inicio de algo, lo cual muestra que la película aborda la muerte como algo natural.

Por otra parte, la película desarrolla el tema del rencor del protagonista hacia su padre por su abandono cuando el tenía seis años. El final de la película fue muy emotivo por la simbología de la roca, mostrando que el padre también había guardado la roca que le había dado su hijo, de textura lisa, que significaba felicidad.

Esta película estadounidense estrenada en 2001, se trata de un thriller psicológico ambientado en 1988, producida por Richard Kelly, se desarrolla en un ambiente lleno de misterio, fantasía, e intriga. Donnie es un joven que escapa de una trágica muerte el cual tiene alucinaciones constantes con un conejo malévolo que lo incita a cometer actos malos o delictivos.

Es un poco difícil de entender, sin embargo, trata de un tipo de superhéroe “moderno”. La película nos muestra un universo paralelo que se altera con el escape de la muerte, el cual debe ser salvado por el mismo Donnie aunque el precio sea muy alto.

Es una película que atrapa al espectador desde que aparece Frank, la actuación de los intérpretes es magnífica. Ambientada en los ochenta y con una banda sonora fantástica, en especial Echo and The Bunnymen. Esta película invita al espectador a pensar sobre esta, hace dar ganas de verla de nuevo para terminar de entenderla. Ambiciosa y cautivadora, un film acertado en su desarrollo, sus diálogos y ambientación, sin embargo, me queda la pregunta de ¿por qué el traje de conejo? ¿Tendría alguna explicación y la pase por alto?

Esta película producida por Stanley Kubrick en el año 1971, considerada una de las películas cinematográficas más importante del siglo XX, está basada en la novela de Anthony Burgess, novela que fue inspirada en una vivencia de este autor, ya que su mujer en estado de embarazo fue violada por cuatro hombres mientras el no estaba, sin embargo, la novela no tuvo éxito sino hasta que fue producida en este filme cinematográfico.

Alex, quien es el actor principal, es un joven hedonista, sociópata y sádico que junto con otros amigos forma un grupo llamado Los Drugos, este grupo es conformado para hacer de las suyas en las calles de Londres usando la violencia extrema. Alex es atrapado por la policía y decide someterse al tratamiento Ludovico.

La película hace una crítica a la sociedad, en donde se plantea el libre albedrío, allí la persona toma sus propias decisiones según lo que considera bueno o malo, nos muestra lo que pasaría si estas personas no se controlan. Por otro lado, alude a que con un poder absoluto y la total obediencia no se evidenciarían este tipo de abusos o violencia, nos muestra la idea fantasiosa de controlar las mentes de otras personas, tan presente en especial en los entes de control.

Otro tema importante es el rechazo y la estigmatización hacia las personas que han estado en prisión, ya que, a pesar de haber sido educadas o rehabilitadas en este lugar, no se tienen en cuenta las necesidades de los presos. La educación en un contexto en prisión pone en prácticas dos formas de funcionamiento a la vez, por un lado el de castigar y vigilar, y por otro lado el de crear un modelo de desarrollo integral para los presos; estas prácticas generan un contraste de fines, ya que, si bien están dirigidas a la misma población, buscan diferentes propósitos.

Por otro lado, la música clásica presente en el filme, hace que tengamos diferentes sentimientos y estados de ánimo a lo largo de la película, los protagonistas en escenas parecieran que estuvieran haciendo una coreografía con la banda sonora.