Hay pocos casos tan paradigmáticos y que ilustren tan bien la montaña rusa que es Hollywood como el de M. Night Shyamalan. El director se convirtió en 1.999 en una de las promesas más unánimes de la industria tras dirigir la obra maestra incontestable que fue El Sexto Sentido, obra que le otorgó un estatus increíblemente privilegiado en el cine a un director con ínfulas de artista enigmático que lo único relevante que había hecho hasta ese entonces había sido el guión de Stuart Little (True story).

A partir de ahí, la carrera del indio fue degenerando progresivamente. Primero, con obras que perdieron la unanimidad del público pero que sin embargo, generaban encendidos debates sobre su genialidad y permitían todavía la defensa del talento del director por sus originales propuesta o por el interés que suscitaba la historia que contaban, siempre con un (a veces más y a veces menos) fascinante giro final. En esta etapa encontramos El Protegido, Señales, El Bosque y en menor medida, La joven del agua o El Incidente.

Desde entonces, Shyamalan fue decepcionando a propios extraños hasta convertirse en el hazmerreír de la industria y en veneno para la taquilla, filmando mamarrachadas de la talla de Airbender: el último guerrero o After Earth y logrando los primeros batacazos monumentales en taquilla de gente tan imbatible como Will Smith. Haley Joel Osment, al que nunca le crecieron los ojos, nunca pudo soportarlo y se dio a los bocadillos de mortadela con crema de cacahuete.

La visita (The Visit) resulta una vuelta a sus raíces y al género que mejor resultados le ha dado: el de terror psicológico. Y si bien, no podemos concluir que estamos ante una película notable que demuestra el buen hacer del director, si que parece retomar parte de su esencia y al menos, dar pasos en la dirección correcta.
La visita es una película austera, sencilla y efectista, con planteamientos meramente arquetípicos pero bien resueltos (niños solos en mitad de una casa, tenebrosa e incomunicada -salvo por un Skype que parece no necesitar wifi ni cobertura-, niña que quiere grabar un documental, hecho que permite grabarlo todo en primera persona, twist final incluido. etc.).

Aunque el conjunto genere la sensación de que falta algo, la película posee algunas conseguidas escenas (la carrera en el granero, la limpieza del horno o las escenas posteriores a las 21.30) en las que transmite la sensación de miedo y desasosiego que pretende. Las desasosegadas interpretaciones de los abuelos protagonistas ayudan a ello, especialmente la perturbadora Deanna Dunagan. Todo ello sin tomarse demasiado a sí misma, hecho que se agradece y queda constatado en el innecesario epílogo y en las menciones a Shakira o a Katy Perry.

En conclusión. ¿Estamos ante un peliculón del Shyamalan de los inicios? No.¿Es una mala película? Tampoco. ¿Es disfrutable y supone un punto de inflexión en la progresiva debacle del indio? La respuesta es un sí que hace que alberguemos esperanzas de nuevo de algún día, en ocasiones, volver a ver muertos.

Nota: 6.4

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Elia (Maribel Verdú) cumple 40 años y, para celebrarlo, reúne en una lujosa casa rural a amigos, familiares y a su ex pareja. Tiene que decirles algo muy importante: es la ganadora del bote de 140 millones del Euromillón. A pesar de ser, en principio, una buena noticia, a partir de ese momento el ambiente empieza a enrarecerse y a complicarse hasta límites insospechados.

Bajo esta premisa, Gracia Querejeta ha realizado una película que engancha de principio a fin y que sorprende, quizá por la lejanía estilística y temática respecto a lo que la directora nos tiene acostumbrados, convirtiéndose probablemente en su mejor trabajo (con la salvedad de la muy notable 7 mesas de billar francés y su espectacular "tríptico" Verdú, Portillo y la eterna Amparo Baró).

Con una visión muy negra y pesimista del ser humano (con algún rastro de luz ejemplificado en el tono de algún personaje redentor), Felices 140 va más allá de lo que aparenta su propuesta inicial, cercana a la comedia romántica, para enfrascarse en un complejo dilema moral sobre la codicia, la hipocresía y la amistad, mostrando una sociedad enferma en la que el dinero está muy por encima del amor, de lo correcto y de los seres queridos.

Querejeta nos muestra a unos adultos que, despojados ya de cualquier resquicio de idealismo y bondad (representados por el joven sobrino de Elia), merodean por el mundo como hienas ávidas de sangre fresca a la menor oportunidad de sacar tajada de una situación excepcional, ignorando cualquier tipo de moralidad en el método para hacerlo. Incluso se pueden extrapolar conclusiones que vayan más allá del film, para reflejar la España de los últimos años 90 y primeros 2000, en los que la corrupción y la avaricia condujeron al país a una situación ruinosa e insostenible, en la que enriquecerse era más importante que valorar a costa de qué se enriquecía.

Pese a lo rocambolesco y excesivo de su propuesta, la película consigue no resultar forzada ni apresurada gracias al guión, la precisa dirección y sobre todo, a un trabajo dramático de altura, encabezado por unas notables Marian Álvarez y Maribel Verdú; y sin prácticamente fisuras (un desdibujado y plano Alex O´Dogherty). Y es que contar con un reparto con figuras como las mencionadas, Eduard Fernández o Antonio De La Torre, siempre es una garantía de solvencia, especialmente en un trabajo que dependía en gran parte de la credibilidad de sus personajes principales.

Después del pequeño resbalón artístico que supuso una 15 años y un día (***) que supo a poco, Gracia Querejeta vuelve a la senda del buen cine, ese que crea debate una vez acabada la película, ese que te hace plantearte cosas y del que surgen preguntas que pueden retratarnos. Y es que...¿Venderías a tu mejor amigo por 140 millones de Euros?

Nota: 8.1/10

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Que un director de setenta y dos años reinvente el género como George Miller ha hecho con esta película es digno de admiración.

Frenéticamente epiléptica, esta excesiva y violenta epopeya desértica resulta un soplo de aire fresco en el manido cine de acción de los últimos años. Comparable estilísticamente con películas que fueron revolucionarias en sus géneros como Moulin Rouge o Drive, Mad Max no es apta para cardíacos y del principio al fin, no da lugar a ningún respiro. Toques tan pop e irreverentes como los tambores o las guitarras eléctricas en los coches de combate funcionan como un inteligente guiño al espectador de que presenciarán una carrera/batalla de infarto con el único fin de pasar un buen rato, sin más pretensiones y sin ningún tipo de racanería estética.

Con una atmósfera de videojuego, Mad Max pone toda la carne sobre el asador y eso es lo que ha llevado a esta entrega de la saga, protagonizada por unos Tom Hardy y Charlize Theron perfectos para el papel, a la efusividad crítica y de público recibida, que alcanzó su clímax en el recibimiento con aplausos en Cannes.

La película de año para algunos miembros de la redacción, consigue unanimidad en resultar un experimento interesante y un ejercicio de estilo impresionante y valiente. Y es que la potencia visual del film y su ritmo resultan apabullantes y dignos merecedores de varios Oscars técnicos.

Con multitud de posibles interpretaciones políticas y feministas, que la dotan de mayor profundidad, Mad Max presenta una insurrección frente a un régimen tirano que controla y manipula al pueblo mediante el monopolio de un bien tan esencial como el agua, que desemboca en la lucha de un heroico matriarcado frente a un obsoleto y maléfico patriarcado. Pese a las críticas de exceso de feminismo, la película acierta con este elemento, que le otorga un interesante elemento diferenciador adicional y un toque de color en un cine tan testosterónico como suele ser el de acción.

En conclusión, la adrenalínica carrera de Theron y Hardy convierte a una película de acción en el primer gran "Must See" del 2015 y en una firme candidata a los Oscars. A la vejez, viruelas.

Nota: 8.5/10

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El título parece hecho a medida de un director que dirigió en Tesis en un lejano 1996 y dirige hoy, en pleno 2015, una película como Regresión. Aunque hemos intentado obviar las numerosas críticas negativas recibidas previas al visionado del film, nos ha sido imposible discrepar del sentir mayoritario de la audiencia a la hora de enfrentarse a una nueva obra del siempre solvente Alejandro Amenábar, uno de los mejores directores que ha dado este país.

Ambientada en los 90, no dudamos que el diseño de producción y la atmósfera son conseguidas. De hecho, todo en Regresión te retrotrae irremediablemente a principio de los noventa, aunque esto, en realidad, tenga más de negativo que de positivo. No ayudan tampoco unos agujeros de guión considerables (esa sugestión excesiva y caprichosa en la que se sustenta la trama, esas reacciones airadas tan gratuitas - tortazo de la abuela a preguntar por las fotografías, etc.-) y un equivocado montaje que te destapa el giro final cuando todavía quedan 30 minutos de película.

Regresión no es una obra terrible, pero cuesta destacar algo realmente positivo en ella. Incluso las apuestas seguras, como son las interpretaciones de Ethan Hawke y Emma Watson, resultan aquí, meridianamente soporífera en el primer caso y sorprendentemente insatisfactoria en el segundo, aún siendo Watson una de las más firmes promesas jóvenes de la interpretación femenina. Su actuación resulta poco creíble y forzada en todo momento, siendo ésta su peor interpretación hasta la fecha.

Tampoco negaremos que las (enormes) expectativas que tiene cada nuevo trabajo del madrileño son el peor enemigo de la película, y es que no podemos obviar la autoría de uno de los artesanos cinematográficos más prometedores del cine español a la hora de valorarla. Y prácticamente todo en esta Regresión desmerece, fuera de toda duda, del director de Abre los Ojos o Los Otros.

¿Demasiada presión? ¿Demasiadas Nancys Rubias? Quizá más Haneke y menos Mario Vaquerizo le irían bien a Amenábar para inspirarse y recuperar la senda de la cordura, aquella que llevó a aquel estudiante de comunicación audiovisual a brillar con luz propia desde el primer momento. Aquel que tan solo con un par de buenas idea aterrorizó e inspiró a toda una generación de jóvenes promesas locales con su icónico Me llamo Ángela y me van a matar, llevando al cine español a un nuevo nivel.

Nota: 5

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Esta no es la típica historia de amor de una chica con cáncer. Así es como Greg, protagonista de “Me and Earl and the Dying Girl”, define su relación con Rachel, su vecina y compañera de instituto que acaba de ser diagnosticada con leucemia. A todos se nos viene a la cabeza “Bajo la misma estrella”, el best-seller de John Green y un éxito en taquilla también, pero repetimos: Esta no es la típica historia de amor de una chica con cáncer. Porque a pesar de que las similitudes que guardan ambas adaptaciones son obvias, sus diferencias no lo son menos, y eso es lo que ha llevado al film de Alfonso Gomez-Rejon a convertirse en la triunfadora del último Festival de Sundance.

¿Y qué hace a “Me and Earl and the Dying Girl”, o lo que es lo mismo, “Yo, él y Raquel” (traducción mala donde las haya, suponemos que lo de moribunda tenía poco atractivo) una película atípica?

Primero, no se agarra a la lágrima fácil ni a excesivos discursos existencialistas. A diferencia de la predecible película de Josh Boone, es más natural y creíble. El director no centra la atención en la enfermedad terminal, lo que se agradece, e intenta que nos olvidemos de su existencia, aunque hay momentos en los que es inevitable volver a ella. Pero el dramatismo solo gana a la comedia en momentos puntuales, y especialmente en los minutos finales, que emocionarán hasta al más duro.

Segundo, no hay escenas idílicas ni se habla explicitamente de amor. Greg es un adolescente que vive su vida superficialmente con el único objetivo de seguir siendo un casi desconocido para los demás, incluso para Earl, con quien pasa la mayor parte del tiempo pero a quien nunca ha llamado amigo. Lo mismo le pasa con Rachel, se autoengaña y se excusa en que esta ahí por obligación para negar lo que verdaderamente siente. Pero no hacen falta frases bonitas, ni declaraciones, ni besos bajo la lluvia para saber que hay algo entre ellos y decir que se trata de película de amor con todas las letras.

Y por último, por muchos parecidos que existan con otras películas, tiene algo que la hace especial y única dentro de su género. Es cierto que su estética se asemeja a la de “Juno”, que trata las relaciones de instituto como en “Ventajas de ser un marginado”, y que repite recursos que ya vimos en “500 días juntos” (“but you should know upfront, this is not a love story” decía Joseph Gordon-Levitt, igual que nuestro protagonista, que también hace de narrador, y que en algunos momentos también anticipa el desenlace, en este caso no tan cierto, de que la chica no muere), pero tiene otros elementos característicos que marcan la diferencia: Desde sus personajes, tres chicos raros que acaban resultando encantadores, al estilo tragicómico, a las secuencias y diálogos que mezclan humor, ironía y sensibilidad de una forma tan natural como carismática y genuina.

Por todo ello, el título de “comedia indie del año” es más que merecido.

Nota: 75/100

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