Existe también una tendencia a la musicalidad, expresada en la cámara que sigue el ritmo y la cadencia de cada una de las notas de Leonard Bernstein secundadas con un soberbio trabajo de la dupla Kahn/Broshar en el montaje, siendo meritorio que el primero a sus 91 años todavía tenga la entereza y el tacto supremo que siempre ha caracterizado su trabajo en su alianza con Spielberg, por su parte Janusz Kaminski se entrega de cuerpo y alma en cada plano o desplazamiento de la cámara, siendo todos y cada uno de ellos significativos a la hora de su aportación narrativa.

Ejemplo de lo anteriormente comentado tenemos la secuencia del baile y no hablo de la soberbia entrada al gimnasio donde se realiza esa guerra cromática entre Sharks y Jets sino del primer contacto entre estos modernos Romeo y Julieta, empezando con un ligero contrapicado de ambos, para luego pasar a un plano general, donde podemos observar a una María timorata armarse de valor para ir con este chico, para luego pasar a un conjunto de trávelin dignos de estetas supremos, donde los dos muchachos son seguidos por la cámara mientras los bailarines en perfecta sincronía entran y salen del plano sin alterar la composición ni el foco de atención del espectador de los dos muchachos, este tipo de maestría visual solo lo harían genios del cine como Cukor o Minnelli, pero Spielberg los reivindica y también una forma de hacer cine.

Hay una secuencia clave que si se puede comparar con la versión de Wise y es cuando comienza a sonar «Transition to Scherzo»/ «Scherzo» que en la película original servía del clásico intermedio, mientras que Spielberg convierte esto en la musicalidad suprema donde el gesto y las actitudes precisas de una Rachel Zegler en estado de gracia dibujan la secuencia, otras secuencias dibujan patrones expresivos que salvo contadas excepciones no se encuentran en el cine actual, como la secuencia de la iglesia donde ambos interpretes seducen con el poder de los ojos y la iluminación cumple un rol fundamental anunciando el fatídico destino, siendo que María le canta a un fantasma su deseo de unirse a él por toda la eternidad.

De los secundarios destacar a los explosivos Mike Faist y Ariana DeBose siendo el soporte de los números donde están inmersos, pero no olvidándose de también ser expresivos con los gestos toscos de matón del primero y la mirada desolada de la segunda, pero a su vez Rita Moreno vuelve a la historia que le dio fama mundial para revisitarla con la firmeza y talante cinematográfico que caracterizan su interpretación, dando un personaje verdaderamente humano, que intenta ser el faro de la razón en esta vorágine de violencia.

Al concluir el metraje uno se pregunta que si valió la pena revisitar la perfección y la respuesta es un sí categórico, si Wise miraba en su día hacia el futuro del cine, Spielberg vuelve a un pasado cada vez poco recordado y hoy esquivo para la mayoría de mi generación donde estos están cada vez inmersos en la inmediatez de Twitter o con productos cinematográficos salidos de una línea de ensamblaje como las franquicias de superhéroes, por su parte el director de Ohio intenta lo que sus amigos no lograron en su día, tratar de revivir el verdadero musical, porque esta West Side Story al igual que New York, New York de Scorsese y One from the Heart de Coppola miraron hacia el pasado, tratando de levantar un cine que no se hacía más y se dieron fuertes golpes con la parte monetaria pero no así con la artística dando en opinión de quien escribe clásicos atemporales, pero aún más importante, la película de Spielberg nos habla del amor, aquel que no tiene barreras para expresarse y que siempre será capaz de elevarse más allá de los odios del mundo como el mas puro de los sentimientos siendo simbolizado en aquel plano final donde la cámara sube las escaleras que una vez busco en los escombros en el inicio.

Por eso secuencias donde un plano detalle de los pies señala ese lugar incierto donde se adentrarán y donde se alejan del hogar común cobra mucha fuerza en la dramática, casi como una odisea por esos campos yermos llenos de autos abandonados y cadáveres en estado de putrefacción, donde no reina otra cosa más que el silencio sepulcral de lo que antes fue un entorno donde la vida bullía.

Por otra parte, esta película se ajusta a los cánones del suspenso como en muchas secuencias del tercer acto donde el montaje paralelo establece líneas de significancia entre diferentes partes de la acción dramática dando resultados muy notables como la secuencia final donde el terror por las grotescas criaturas es contrapuesto por aquello que estas más odian, más detestan y aborrecen, aunque siendo lo único por lo que consiguen alimento, el sonido.

El sonido es usado como arma cinematográfica, infringe dolor, pero a su vez es salvación, es vida, en un inicio era el grito desesperado de los inocentes por escapar de la muerte ahora es un grito, pero de libertad, pero compite con el silencio esta vez más preciso en su ejecución siendo manifestado solamente por la única persona que no puede oír, arrojando sus cartas desde un prólogo prodigioso en la mezcla sonora hasta el final en que se avecinara el ocaso de los alienígenas y la humanidad volverá a hablar con naturalidad.

La primera historia titulada “Magia (o algo menos seguro)” ya demuestra que estamos ante otro tipo de película, aquí en sus momentos iniciales alterna planos generales y planos cortos, manifestado por una titánica labor de montaje, va haciendo una especie de vals con las imágenes donde el dialogo determina la posición de la cámara, de momentos íntimos que se deben confesar entre amigas, como aquellas palabras que le dice el nuevo novio de una, a momentos de dialogo más distendimos sobre la vida misma. Tras estos primeros compases Hamaguchi juega su primera carta, en el primer punto de giro, una de las muchachas es la antigua pareja del enamorado de la amiga. El director la muestra como un fantasma que surge del averno para atormentar al joven, pero este no la rechaza pese a su perfil controlador y abusivo. Surge una situación erótica con ecos a Hitchcock, más concretamente el de Vertigo. Ambos se aman, se abrazan, no se desean separar, pero surge la amarga fortuna de ser descubiertos cuando una de las secretarias llega para interrumpir el intimo momento Tras eso la fortuna de la vida se hace nuevamente presente; en un café donde se cruzan los tres desdichados de esta historia, el director vuelve a jugar con el espectador al darle lo que el deseo plantea, lo invita a ser cómplice de su toxicidad, la protagonista se confiesa, desata su amor, pero no es mas que una ilusión, un simple deseo reprimido por el orden social tan imperante en Japón, por eso la cámara tiembla para volver al plano real, arrebatándonos de la fantasía, aquella donde el deseo prima y la razón se obvia.

La segunda historia es quizá la más lograda de todas, un otrora destacado estudiante venido a menos por su salida del centro educativo debido a su paupérrimo desempeño en la escuela, tiene un encuentro con su amante, una joven inexperta, pero con mucha proyección en la vida profesional, este le pide que le juegue una venganza a su antiguo docente que de aquí a este tiempo se ha vuelto una eminencia por un premio literario; tras este breve inicio, Hamaguchi saca todo su talante cinematográfico en una secuencia muy larga pero definitiva, la bella Nao interpretada con temple y sensibilidad por una Katsuki Mori en estado de gracia, ingresa a ese espacio acotado que es la oficina del maestro, pero lo más importante es que el director dispara el erotismo con las miradas, con la fuerza de la entonación, con los gestos de los intérpretes, con todo aquello que sea eficaz para la falsa conquista, pero al no conseguir su cometido la situación se invierte y es el plano corto formado por contraplanos idénticos de ambos quien domina la situación. Dialogan, él la analiza, la intenta comprender tanto a ella como a la naturaleza de su acto, la desnuda con el poder del dialogo, y ella sabe que ha perdido este juego. Tras eso de nuevo la fortuna de la vida se hace presente, destruyendo aquella amatoria relación, con el envío equivocado de un audio erótico, desmantelando ambas vidas en el proceso. Ahora ella es una sombra, una silueta que deambula por la vida muchos años después, se reencuentra con aquel muchacho por las casualidades de la vida pero ella no vacila, decide dejar de ser esa silueta que ha deambulado por cinco años tras su tragedia y emprender el cambio necesario.

La tercera historia es quizá la menos elaborada de todas, pero aún conserva muchos momentos de interés, en un futuro distópico en el que la comunicación ha involucionado por la presencia de un virus, sucede un encuentro fortuito entre dos señoras de mediana edad, una es una mujer reprimida por la sociedad y la otra es una mujer que ha perdido la oportunidad de amar, suceden diálogos hasta que se descubre la confusión de identidades que tenían una de la otra, en una secuencia brillante el director hace que ambas sanen sus heridas y que ese encuentro no haya sido un mero producto de la casualidad sino algo necesario para ambas con un abrazo en el plano final .

La cinta inicia con una serie de despedidas, marcando el adiós de algo, como si de un sentimiento de culpa intrínseca se tratase, tras eso la pequeña Nelly entra a una habitación y la directora mantiene ese plano general para apreciar a una desconsolada Marion sostener ese bastón de aquella mujer que le sirvió de apoyo en sus momentos difíciles, vuelve al hogar común, a un entorno dominado por fantasmas y de lúgubre aspecto, tras su ida por el dolor del recuerdo, la fantasía se hace presente pero Sciamma disipa la sensación de incertidumbre demasiado rápido, nos retira tácitamente del relato al descubrir que la joven del suéter rojo es la madre de Nelly con un movimiento demasiado evidente, no hace que la sombra sea eso, una sombra sino que al materializarla le quita ese aura mística al fenómeno fantástico. Pero lo compensa al mantener intacta las abismales diferencias que existen entre el razonamiento analítico adulto, incapaz de abrir su mente ante la fuerza de la imaginación, contrapuesto con la niña que con su mente crea esa nueva realidad en su propia casa, Nelly es la fuerza que hace que el cine se manifieste, ya que ella transforma la fría casa en un mundo de luz donde el pasado se reencuentra con el presente y donde se compenetran las personalidades tanto la madre como la hija.

Al final la fantasía se vuelve evanescente, se disipa como la niebla y es aquí donde Sciamma triunfa gracias a la fuerza del montaje en su secuencia final, ya que, tras comprender a cabalidad a su madre en un clímax prodigioso en el lago, vuelve Nelly al hogar común como lo hacía Dorothy en The Wizard of Oz y se encuentra con la Marion adulta y solo atina a abrazarla porque no hay ningún lugar como el hogar y es mejor con las personas que más apreciamos.

Belle también es una película de secretos, de represiones, de aquello que nosotros ocultamos en lo mas profundo de nuestro ser para estar incluidos en el gran andamiaje social, todos en U ocultan algo; como aquella idol de fama efímera o la amiga de la protagonista sosteniendo una relación platónica con su profesor, hasta el beisbolista con marcas de cirugías, y son esas marcas de nuestra vida que esa ilusión de U puede desaparecer como cuando Suzu ingresa a ese nuevo mundo, el avatar toma su forma, la purifica de sus defectos y se fusiona con ella. Tras ello, el milagro se da y se libera de sus ataduras recuperando la vocación de cantar de una forma tan atrayente como sí se tratase de una sirena. Pero en lo mas profundo de esa realidad virtual se esconde un ser misterioso, insertado en lo mas profundo del software, una bestia de repugnante apariencia, de pronunciados cuernos y de marcas que ocultar que sin embargo son la manifestación un cruel trasfondo real.

La relación entre Belle y la bestia no se cimienta sobre motivos románticos, sino que Hosoda va más allá, siendo una relación de comprensión, de complementariedad, de necesidad, ambos son seres rotos, destruidos por la tragedia y lanzados al mundo, la bondad de ella mostrará las heridas internas de la bestia, lo hará mas humano, lo revelará como un ser que debe ser entendido y no juzgado por su horrorosa apariencia o por interrumpir aquella supuesta paz diseñada por los censores de U sacados mas de un relato orwelliano que de una fábula infantil. Por otra parte, Hosoda hace un inteligente uso de la muisca, como un recordatorio de aquello que el tiempo olvido o más bien que Suzu reprime por el duelo, cantar, por eso el main theme aparece en dos secuencias claves, el flashcack inicial y antes que ella cante “A Millon Miles Away” casi como terminando la magnánima obra que componía junto a su difunta progenitora en su celular, siendo el cimiento de su recomposición emocional manifestado al cantar con su verdadera forma, sin máscaras, sin falsos avatares, siendo ella misma, encontrando el valor de expresarse al mundo, pero a su vez rememorando al que fue la piedra angular de ese cambio, la bestia.

Pero también es una película como mencionábamos que la conexión humana es fundamental, por eso no es casualidad que la primera persona en seguir a esta nueva ídolo del internet sea Tomo, un niño de rasgos timoratos y de apariencia endeble; el comparte al igual que Suzu esa desconexión con el mundo real porque ambos están solos en esta tierra, ambos comparten el gris de sus vestimentas y el chico la admira por la comprensión y empatía hacia su hermano, la bestia, por eso en un rincón de su habitación tiene un florero de rosas similares a las del vestido. Pero Suzu no es puesta en un altar de salvadora, ni es un símbolo de moralidad superior. Ella necesita saber él porque del sacrificio, del desprendimiento de lo que motivo a su madre a esa acción noble; para reencontrarse con el pasado y así misma. Por eso Hosoda hace un ultimo movimiento magistral, vuelve metafóricamente al pasado, al entorno lluvioso y de nubes grisáceas casi replicando aquel día donde Suzu lo perdió todo, pero esta vez protegiendo a esos dos menores del abuso de su cruel padre como hizo su madre con aquella niña atrapada en el rio. Entendiéndola y perdonándola en el proceso ya que ella dio su vida por algún extraño y ella lo hará por estos niños, siendo el más grande gesto de desprendimiento de las personas, el amor a la humanidad misma.

Tras ello ya no hay que vivir con máscaras por eso un halo de atardecer se proyecta sobre el horizonte de U, siendo el ocaso de esta y el nuevo amanecer se percibe en la realidad con ese sol saliendo radiante, una luz de vida, de esperanza, de un futuro mejor donde Suzu se puede quedar y cantar, uno donde puede ser realmente feliz.