Jesse Pinkman, nuestro querido Jesse… De entre todos los carismáticos, excelentes, inquietantes y entrañables personajes de “Breaking Bad”, a Jesse le tocó demostrar de la saña de la que estaba hecho y eso pudo observarse a lo largo de la serie gracias al desarrollo en madurez, estrategia e inteligencia que fue adquiriendo para finalmente convertirse en el personaje con mayor y más satisfactoria evolución personal. Siendo un personaje tan trágicamente curtido en tantas desgracias, malas decisiones, malas influencias, miedo, osadía y decisión, ¿hay fidelidad a Jesse o incluso a la serie en “El Camino”? Pues… No…

Antes de entrar en detalle en los fallos, que no son pocos, merece mencionarse los aspectos de producción y de diseño consiguen transportarnos de nuevo a los escenarios originales, a la atmósfera tensa y agobiante en ciertas escenas. Incluso después de seis años, Aaron Paul demuestra aún afinidad y mimetismo con Jesse, así como el resto del elenco con sus respectivos personajes, en especial Robert Forster. Y una vez más, en el infalible del desierto suroccidental americano, desde luego un escenario sumamente acertado para la dinámica que requería “Breaking Bad”. Aunque una vez vistos los (evidentes, hay que reconocerlo) puntos a favor de la película, a lo largo de la misma el espectador puede comprobar sin demasiado esfuerzo, e incluso con cierta incomodidad, que el fuerte apego por un adecuado desarrollo del guión queda mermado a “ocasiones”. Esto se ve principalmente reflejado en los recuerdos de Jesse tras haber sido esclavo de los neonazis y la mascota de Todd (ahorrémonos en lo irreconocible que está Jesse Plemons en apenas unos años ahora que lo sabemos todos), y el resultado es desencajado debido a que algunos de esos flashbacks no aportan nada a una floja y alargada trama. Este es el principal problema de “El Camino”: la directa y necesaria dependencia en elementos de la serie y en el escaso contenido propio que ofrece, esto es, mediocridad, porque, ¿qué aportan que no supiéramos? No se siente como una película descendiente de la serie, más bien como un borrador de un par de capítulos concluyentes alternativos amalgamados en dos horas.

Con lo satisfactoriamente que había concluido una de las series más influyentes de las últimas décadas, frustra un poco y avergüenza que la masa fanática pidiera algo que era gratis soñar para evitarnos un producto que aparentemente nació de la improvisación y de la pereza. Y como ya se ha marcado antes, sí, a todos nos ha quedado claro la sensación disonante que tienen un Paul casi cuarentón en la piel de un muchacho en sus veintimedios o un Plemons en con unos kilitos de más, pero sólo nos queda mordernos la lengua y recordar que Gilligan casi improvisó la cinta y la elaboró para los fans de la serie, así que es de suponer que a ambos actores les vino casi de sorpresa la noticia.

Nota: 4/10.

Como muchos otros colegas de la plataforma han manifestado en sus críticas, hay que montarse en el carro y compartir la misma opinión inicial: el que mucho abarca poco aprieta. Y esto se siente más como una lección de dirección para el mismo Iñárritu debido a lo excesivo de la trama y de las subtramas que se van desarrollando a lo largo de la película. Hay que recordar que con sus 147 minutos, no es especialmente corta ni el propio transcurso permite que sea demasiado dinámica.

Y aun así, una lanza a favor hacia Iñárritu. Por supuesto que no es debido principalmente a lo ya mencionado, pues en “The Revenant” había momentos todavía más indigestos a causa de lo pesado de la historia, aunque es cierto que en este caso semejante obra con tantas y tan variadas aristas concluyen de manera más o menos superficial, más o menos satisfactorias y más o menos mal y raramente. Son muchos los personajes a tratar y en cada uno de ellos se desarrolla, incluso si es a mínima escala, una historia que en la mayoría de los casos (y en conjunto), hacen que se pierda el eje principal de la trama. No hay duda de que Uxbal es un complejo personaje cargado de responsabilidades como padre, socio, hermano, colega y ex marido, y en todas ellas el director y los guionistas cargan de responsabilidad al pobre hombre; sin embargo, Uxbal es humano y como humano en su ansia y su necesidad de supervivencia hace lo que puede para que a sus niños no les falte de nada y para mantener satisfecha a la desequilibrada mental de su madre. Por no hablar del puto cáncer… Esto es cierto, la complejidad de una vida humana tan “vivida” provoca que casi dos largas horas y media no hagan justicia al libro de Uxbal. Pero para añadir justicia, la interpretación de Bardem.

La actuación del protagonista fue, sin duda, lo más aclamado de toda la película y con fiera y fuerte razón. La sangre, el temple y el carácter de Uxbal parecía haberse diseñado para Javier centímetro a centímetro de su piel. Sin duda, una actuación soberbia. Doña Maricel Álvarez tampoco está exenta de este apartado, pues su personaje logra diseñar el retorcido y maquiavélico retrato de una mujer desesperada por tener razón a pulso de ventaja de su clara bipolaridad. Y, madre mía, qué manera de lograrlo. Incluso los críos Mateo y Ana consiguen reflejar la inocencia y el temor por las lecciones de vida que los esperan, mostrando también el tierno amor que sienten por su atareado padre. La escenografía es también digna de mencionarse, ya que es mostrada en la Barcelona pobre y casi marginal, en la Barcelona ajena al célebre Montjuic, al Camp Nou o a la Sagrada Familia. Y si se le añade la banda sonora de Gustavo Santaolalla, el conjunto podría haber sido estremecedor. Pero no lo fue…

Entonces, ¿dónde reside el gran fallo de “Biutiful”? Siendo breves, probablemente en la perspectiva del propio Iñárritu. No cabe duda de que fue una idea hecha por sí para sí (y para la memoria de su padre). Se enlazó tan fuertemente a Uxbal que perdió de la mano el necesario hilo conductor que tan imprescindible es para que la narración y la misma película se entiendan a sí mismas, y no dejó demasiado que ofrecer al espectador que comprendiera el quehacer final de su personaje.

Nota: 6/10.

El cine policíaco, uno de los más pervertidos en especial en formato de series. El cine de thriller, uno de los más cotizados por el público y a la vez sobrecargados de intriga insulsa. Y el western, uno de los hitos de la vieja escuela que no volverá a despegar como lo hizo hace décadas. Desde luego, una película con un conglomerado de géneros así puede asegurar o bien el camino a la mediocridad o bien a la satisfacción de una buena historia. Y “Capitán Kóblic”, aunque sea de manera generalista, cumple el segundo caso.

La historia de un antiguo aviador militar que trata de huir de su traumático pasado tras realizar varios infames “vuelos de la muerte” durante la dictadura militar argentina y que ejerce su autoexilio al corazón rural de la provincia de Buenos Aires. Allá, ocupando un puesto de regadío mediante aviación, se verá inmerso en la aventura moral frente al redescubrimiento del amor gracias a la tierna empleada de la gasolinera Nancy y frente al imperioso comisario Velarde. Y para su ironía, no lo hará en el aire sino en pie en el desolado campo de la villa. Y pese a su corta duración y las idas y venidas de su ritmo, la discreta y palpable intriga, los solitarios paisajes, la genuina fotografía, la magnífica banda sonora y el trayecto de los personajes (bravo por Darín y Martínez) logran enmascarar el filme en una negra satisfacción.

Nota: 7/10.

La película es una historia basada en el crimen juvenil en las afueras entre cuatro jóvenes. Pablo y Ángela toman las riendas y el eje del film gira en torno a la aventura amorosa paralelamente a la delictiva. El argumento y la historia, por tanto, resultan bastante efectivos y casi románticamente costumbristas, que en consecuencia dan como resultado que casi no se aprecie un trasfondo ni una evolución significativos o incluso relevantes en todos los escasos personajes. Estos, sin embargo, logran adaptarse adecuadamente a la dinámica de la trama debido a su sencillez: no está mal, pero tampoco hay que buscarle ninguna inquietud porque no la tiene. Aun así y aunque las actuaciones no sean ni siquiera geniales, los pillos Pablo y Ángela consiguen parecer simpáticos debido a la evidente química que había entre los actores, así como Sebas y El Meca. Con todo ello, la narración se desarrolla por las cada vez más (discretamente) ambiciones del grupillo dentro de una sociedad pobre y desarraigada. La fotografía se queda con algunos bellísimos primeros planos de Ángela y metrajes paisajísticos del desolado barrio periférico donde viven. Si se le añade la folklórica banda sonora flamenca, la película crea momentos clave para definir su filosofía.

Aunque esta crítica sea más bien el resumen, está claro que se trata de una película llanamente construida, se ve del tirón.

Nota: 6-6,5/10.

Si de algo destacan muchos de los vídeos (o, mejor dicho, sketches y cortometrajes) de Míster Jägger, es de la espontaneidad, el azar, el absurdo, el surrealismo y la genialidad de sus guiones. "Finzo y Funzo" es una serie con una trama elaborada de manera que no sigue una ordinaria línea recta ni un orden absolutamente inteligible, sino que se ramifica y a pesar de lo engañoso de los títulos de sus capítulos, deja a imaginación del espectador cuál es el inicial y cuál el final. Y la sencillez de las tramas de estos cortos episodios (entre dos y cinco minutos, por lo general) es lo que los sustenta y que curiosamente resulta complaciente, divertido e incluso intrigante. Seamos también claros: por aquel entonces, Jägger estaba recién iniciado o, en el peor de los casos, iniciándose en el ya palpitante y competitivo mundo de YouTube y eso se aprecia en la edición, las actuaciones y la producción, aunque se valora positivamente el esfuerzo y el método de diseño de un "aficionado" (qué palabra tan grosera) independiente. Sin embargo, ya dejaba entrever cuál sería el rumbo general de su filosofía, su arte y su humor. Y desde luego que es una serie mucho más original que muchas otras creaciones "aficionadas" e independientes de la época.

Nota: 6,5-7/10.